Tras popularizarse gracias a protagonizar tres brillantes e innovadores «westerns» de Sergio Leone, Clint Eastwood decidió hacer su propio cine, aunando facetas (productor, actor y director, primero; músico, después). Desde entonces, su filmografía significa una estimulante anomalía en el Hollywood de los cuatro últimos decenios, puesto que, cultivando la producción de género, Eastwood se ha revelado un autor pleno, cuya obra brinda un purísimo discurso en primera persona, rico y progresivamente sustancioso, magnificado por una trayectoria extensa y su extraordinario carisma estelar. Carlos Aguilar, premiado historiador cinematográfico y novelista, aborda en el presente volumen el singular caso de Clint Eastwood, mediante un ensayo que reúne la crónica histórico-biográfica y la valoración cinéfila.
La idea del destino, el azar, la fatalidad, el vacío existencial, el fracaso y la infelicidad es una constante en las películas de Haneke. Su universo representa una anomalía territorial, cerrada y asfixiante, donde los personajes salen de esa cárcel que es el mundo y que, a la vez, es la vida. Paradójicamente, su estilo ofrece la singularidad de su sistema: Haneke construye sus relatos con el rigor de un científico, capaz de estudiar y colocar sus fotogramas y fragmentos como si los hubiera inspeccionado no en la moviola, sino en un perfecto e inexorable microscopio, además de cuestionar el cine quitándole poder al espectador y devolviéndoselo mediante la reflexión. Tampoco se salvan los medio de comunicación, pues son igualmente culpables del nihilismo que nos domina. Todo esto explica que la aparición de Haneke esté dentro de una expectativa contradictoria, como en su momento ocurrió con Bergman, Hitchcock o Godard.
La primera gran biografía de Paul Newman, uno de los grandes actores de todos los tiempos. La muerte de Paul Newman conmocionó a todo el mundo. La arrolladora personalidad del actor, acompañada de su físico apolíneo, marcaron el cine de la segunda mitad del siglo XX. Estamos ante un icono, un verdadero mito, pero pocos saben cómo fue su vida. En este apasionante libro se narran con detalle todos los avatares de su vida, su largo matrimonio con Joan Woodward, la muerte de su hijo por drogadicción, su extraordinario talento como actor y también como director, sus diversas iniciativas empresariales, su relación con otros colegas y con el mundo del cine en general. En definitiva, un libro maravilloso para un actor inolvidable.
Este libro forma parte de una serie, en formato de lujo, que nos presenta las biografías más apasionantes, completas, detalladas, amenas y certeras sobre los mitos más fascinantes de la historia del cine. Aquí se nos presenta la biografía de Sam Peckinpah, la compleja interacción entre el arte y el poder, o entre la película y el mito tal y como la practica un idiosincrásico pero hábil manipu ...
Esta imprescindible biografía de Stanley Kubrick fue realizad tras una ardua lbor de investigación, con la ayuda de actores, escritores, técnicos y amigos de infancia que le conocieron. El autor consigue plasmar la vida y obra de este genial y polémico cineasta en una obra sencillamente apasionante
- ¿Tendría tanta emoción el final de la película de Steven Spielberg E.T, el extraterrestre sin la música de John Williams? - Y qué decir si Audrey Hepburn pasease por la 5ª Avenida de Nueva York mirando el escaparate de Tiffany en la comedia de Blake Edwards Desayuno con diamantes sin la canción Moon River escrita por el genio incomparable de Henry Mancini. - Alfred Hitchcock tuvo que claudicar para que la terrorífica escena de la ducha de Psicosis acabase teniendo música en forma de violines asesinos y nunca perdonó a Bernard Herrmann por ello. Estos son algunos ejemplos de cómo hay directores que necesitan, se apoyan y cultivan la unión con un compositor concreto. Cineastas que consideran la banda sonora como una de las partes claves en el resultado final del film, notándose el cariño procesado a sus músicos, en realidad sus alter egos en la creación de melodías que logran que sus imágenes salgan favorecidas. En este libro se comentan 100 colaboraciones entre otros tantos directores y sus compositores favoritos. Aquí, el lector encontrará cómo se conocieron David Lynch y Angelo Badalamenti, declaraciones del porqué Danny Elfman necesita y comprende a Tim Burton, las películas que hicieron a lo largo del tiempo Billy Wilder y Miklós Rózsa, o los encuentros y desencuentros entre James Horner y Ron Howard. En suma, un completo y ameno recorrido por la música y el cine, repleto de anécdotas e historias desconocidas hasta el momento, que ayudará a conocer mejor la visión que los directores tienen de las bandas sonoras que ambientan sus películas.
" Woody Allen [...] no parece concebir su existencia sin hacer una película todos los años, desplegando ideas e historias que solo se le pueden ocurrir a él, ampliando puntualmente una obra que lleva la marca de la excepcionalidad. Esas películas le pueden salir mejor o peor, pero incluso en las pocas ocasiones en las que se equivoca, existen momentos gloriosos, imaginación, gracia, huellas que certifican un universo irrepetible " (Carlos Boyero). Desde que en 1998 se publicara por primera vez, año a año, edición tras edición, este libro que tiene en las manos se ha ido actualizando, corrigiendo y ha experimentado pequeños cambios. Sin embargo, esta sexta edición que ahora les presentamos es un libro nuevo, totalmente actualizado y reescrito por completo. Hemos modificado su estructura interna, rejuveneciéndolo y mejorándolo hasta hacer de él un libro distinto y mucho más equilibrado.
Cuando M. Night Shyamalan saltó a la fama en 1999 gracias al éxito de El sexto sentido, no tuvo que pasar mucho tiempo para que el director de origen indio fuera coronado como el nuevo Rey Midas de Hollywood. Hoy en cambio, el responsable de El bosque, La joven del agua o El incidente es uno de los hombres más odiados de la Tierra de los Sueños. Este libro pretende esclarecer qué es lo que ha ocurrido durante esos años que fueron de la adulación al desprecio. M. Night Shyamalan ha triunfado y ha fracasado, ha creado tendencias y se ha unido a otras, ha sido original y ha hecho frente a trabajos de encargo y sin embargo el director de Señales se encuentra actualmente en un incómoda situación entre el sistema de Hollywood y sus propios intereses. Shyamalan siempre ha tratado de combinar ambas cosas, pero no siempre le ha salido bien. Su universo personal, tan atípico como inquietante, ha provocado no pocas lecturas y, lo que tal vez es más importante, un buen número de defensores y detractores. Lo que hoy ocurre con Shyamalan es que la distancia entre los que lo aplauden y lo atacan es cada vez más insalvable. Este libro pretende también tender un puente entre aquellos que admiraron El sexto sentido y repudiaron El incidente y los que cada vez parecen sentirse más a gusto aplaudiendo a un director que al parecer cada día gusta menos. Es una empresa complicada, pero digna de intentarse.
A lo largo de los años, la industria cinematográfica (no solo de Hollywood sino del mundo entero) ha reconocido a John Lasseter como uno de los nombres más importantes de la historia del cine de animación. De hecho, está llamado a convertirse en el heredero artístico de Walt Disney. Se trata, pues, del nuevo mago del cine de animación del siglo XXI, que ha sabido beber de las fuentes de su maestro y ha tomado lo mejor y lo más interesante del estudio Disney para volcarlo en Pixar Animation Studios. Actualmente hay pocos directores de cine que estén tan vinculados a un estudio de producción en concreto como es el caso de John Lasseter y Pixar Animation Studios. Y lo es hasta tal punto que de una forma casi simbólica podríamos decir que la historia del estudio Pixar es la propia de Lasseter (y viceversa), de ahí que sea prácticamente imposible adentrarse en la biografía de este director sin contar también la historia de ese estudio de animación digital que ayudó a construir.
La filmografía de Peter Weir, desarrollada a caballo entre su Australia natal y Hollywood, es una de las de mayor solvencia y regularidad del cine contemporáneo. Películas como " Picnic en Hanging Rock " o " Sin miedo a la vida " certifican su maestría para la creación de atmósferas sensoriales, pero bajo la dispar superficie de la mayoría de sus filmes se advierte ante todo la sutileza de un hábil narrador empeñado en invisibilizar su presencia tras la cámara. La colisión entre mundos opuestos y la lucha del individuo por su autoafirmación son algunos de los temas recurrentes en el cine de Weir. Un cine discreto y mesurado como su autor, cuyas obras mayores ( " Gallipoli " , " Único testigo " , " El club de los poetas muertos " o " Master & Commander " ) encierran momentos de hermosa y genuina emoción.
«Todas mis películas giran en torno a esta idea: hay un esfuerzo por mostrar un mundo sin amor, personajes repletos de egoísmo, gente que explota a otra y, en medio de todo esto, siempre hay ?especialmente en los filmes con Giulietta?, una pequeña criatura que quiere dar amor y que vive para el amor.»?Federico FelliniPor primera vez un director de pista circense, Federico Fellini (1920-1993), es recordado como uno de los mayores narradores de historias del cine. Desde dramáticos cuentos agridulces (La strada y Las noches de Cabiria) a clásicos semiautobiográficos (La dolce vita y la muy imitada Fellini, ocho y medio), así como ambiciosas piezas de época (Satiricón y El Casanova de Fellini) o pseudodocumentales oníricos (Los clowns, Roma y Entrevista), Fellini llevó su mundo interior a la gran pantalla de un modo profundamente original e innovador. Entre sus muchos regalos al mundo del cine se cuentan los roles que creó para su esposa, la inolvidable Giulietta Masina.
Este libro analiza la respuesta de la prensa estadounidense al cine de Pedro Almodóvar y su impacto a la hora de reflejar y construir su recepción en este país. Por medio del análisis de reseñas, artículos, entrevistas y demás apariciones en el espacio público, se aquilata la dialéctica entre el director español y los medios de comunicación en Estados Unidos, y se rastrea la convergencia de su universo creador con determinadas propuestas estéticas del cine norteamericano. La respuesta de «The New York Times», «The New Yorker» y «Los Angeles Times», entre otras muchas publicaciones, al cine del director manchego permite explorar sus encuentros y desencuentros con la crítica estadounidense y adentrarse en los factores que determinan la oscilación entre la aceptación y el rechazo, los elogios y los reproches.
Tex Avery sigue siendo, hoy en día, un cineasta relativamente poco conocido, y aún menos estudiado, como de hecho lo son, salvo algunos casos muy concretos, la mayoría de los realizadores cinematográficos que han escogido el arte de la animación como medio de expresión. El cine de Avery jugaba con elementos de la cultura popular y contaba historias humorísticas dirigidas a un amplio y heterogéneo público, no necesariamente infantil como erróneamente se tiende a creer. Avery fue un director de " cartoons " , cortometrajes de animación destinados a ser proyectados en la gran pantalla de una sala cinematográfica como prólogo a las películas de largometraje con actores reales. En definitiva, la de Tex Avery no es una obra aislada e intrascendente dentro del contexto de la historia del cine de animación, sino que representa una de las influencias más poderosas y significativas en la filmografía de un considerable número de animadores y realizadores tanto contemporáneos como posteriores a él.
Tras popularizarse gracias a protagonizar tres brillantes e innovadores «westerns» de Sergio Leone, Clint Eastwood decidió hacer su propio cine, aunando facetas (productor, actor y director, primero; músico, después). Desde entonces, su filmografía significa una estimulante anomalía en el Hollywood de los cuatro últimos decenios, puesto que, cultivando la producción de género, Eastwood se ha revelado un autor pleno, cuya obra brinda un purísimo discurso en primera persona, rico y progresivamente sustancioso, magnificado por una trayectoria extensa y su extraordinario carisma estelar. Carlos Aguilar, premiado historiador cinematográfico y novelista, aborda en el presente volumen el singular caso de Clint Eastwood, mediante un ensayo que reúne la crónica histórico-biográfica y la valoración cinéfila.
La idea del destino, el azar, la fatalidad, el vacío existencial, el fracaso y la infelicidad es una constante en las películas de Haneke. Su universo representa una anomalía territorial, cerrada y asfixiante, donde los personajes salen de esa cárcel que es el mundo y que, a la vez, es la vida. Paradójicamente, su estilo ofrece la singularidad de su sistema: Haneke construye sus relatos con el rigor de un científico, capaz de estudiar y colocar sus fotogramas y fragmentos como si los hubiera inspeccionado no en la moviola, sino en un perfecto e inexorable microscopio, además de cuestionar el cine quitándole poder al espectador y devolviéndoselo mediante la reflexión. Tampoco se salvan los medio de comunicación, pues son igualmente culpables del nihilismo que nos domina. Todo esto explica que la aparición de Haneke esté dentro de una expectativa contradictoria, como en su momento ocurrió con Bergman, Hitchcock o Godard.
La primera gran biografía de Paul Newman, uno de los grandes actores de todos los tiempos. La muerte de Paul Newman conmocionó a todo el mundo. La arrolladora personalidad del actor, acompañada de su físico apolíneo, marcaron el cine de la segunda mitad del siglo XX. Estamos ante un icono, un verdadero mito, pero pocos saben cómo fue su vida. En este apasionante libro se narran con detalle todos los avatares de su vida, su largo matrimonio con Joan Woodward, la muerte de su hijo por drogadicción, su extraordinario talento como actor y también como director, sus diversas iniciativas empresariales, su relación con otros colegas y con el mundo del cine en general. En definitiva, un libro maravilloso para un actor inolvidable.
Este libro forma parte de una serie, en formato de lujo, que nos presenta las biografías más apasionantes, completas, detalladas, amenas y certeras sobre los mitos más fascinantes de la historia del cine. Aquí se nos presenta la biografía de Sam Peckinpah, la compleja interacción entre el arte y el poder, o entre la película y el mito tal y como la practica un idiosincrásico pero hábil manipu ...
Esta imprescindible biografía de Stanley Kubrick fue realizad tras una ardua lbor de investigación, con la ayuda de actores, escritores, técnicos y amigos de infancia que le conocieron. El autor consigue plasmar la vida y obra de este genial y polémico cineasta en una obra sencillamente apasionante
- ¿Tendría tanta emoción el final de la película de Steven Spielberg E.T, el extraterrestre sin la música de John Williams? - Y qué decir si Audrey Hepburn pasease por la 5ª Avenida de Nueva York mirando el escaparate de Tiffany en la comedia de Blake Edwards Desayuno con diamantes sin la canción Moon River escrita por el genio incomparable de Henry Mancini. - Alfred Hitchcock tuvo que claudicar para que la terrorífica escena de la ducha de Psicosis acabase teniendo música en forma de violines asesinos y nunca perdonó a Bernard Herrmann por ello. Estos son algunos ejemplos de cómo hay directores que necesitan, se apoyan y cultivan la unión con un compositor concreto. Cineastas que consideran la banda sonora como una de las partes claves en el resultado final del film, notándose el cariño procesado a sus músicos, en realidad sus alter egos en la creación de melodías que logran que sus imágenes salgan favorecidas. En este libro se comentan 100 colaboraciones entre otros tantos directores y sus compositores favoritos. Aquí, el lector encontrará cómo se conocieron David Lynch y Angelo Badalamenti, declaraciones del porqué Danny Elfman necesita y comprende a Tim Burton, las películas que hicieron a lo largo del tiempo Billy Wilder y Miklós Rózsa, o los encuentros y desencuentros entre James Horner y Ron Howard. En suma, un completo y ameno recorrido por la música y el cine, repleto de anécdotas e historias desconocidas hasta el momento, que ayudará a conocer mejor la visión que los directores tienen de las bandas sonoras que ambientan sus películas.
" Woody Allen [...] no parece concebir su existencia sin hacer una película todos los años, desplegando ideas e historias que solo se le pueden ocurrir a él, ampliando puntualmente una obra que lleva la marca de la excepcionalidad. Esas películas le pueden salir mejor o peor, pero incluso en las pocas ocasiones en las que se equivoca, existen momentos gloriosos, imaginación, gracia, huellas que certifican un universo irrepetible " (Carlos Boyero). Desde que en 1998 se publicara por primera vez, año a año, edición tras edición, este libro que tiene en las manos se ha ido actualizando, corrigiendo y ha experimentado pequeños cambios. Sin embargo, esta sexta edición que ahora les presentamos es un libro nuevo, totalmente actualizado y reescrito por completo. Hemos modificado su estructura interna, rejuveneciéndolo y mejorándolo hasta hacer de él un libro distinto y mucho más equilibrado.
Cuando M. Night Shyamalan saltó a la fama en 1999 gracias al éxito de El sexto sentido, no tuvo que pasar mucho tiempo para que el director de origen indio fuera coronado como el nuevo Rey Midas de Hollywood. Hoy en cambio, el responsable de El bosque, La joven del agua o El incidente es uno de los hombres más odiados de la Tierra de los Sueños. Este libro pretende esclarecer qué es lo que ha ocurrido durante esos años que fueron de la adulación al desprecio. M. Night Shyamalan ha triunfado y ha fracasado, ha creado tendencias y se ha unido a otras, ha sido original y ha hecho frente a trabajos de encargo y sin embargo el director de Señales se encuentra actualmente en un incómoda situación entre el sistema de Hollywood y sus propios intereses. Shyamalan siempre ha tratado de combinar ambas cosas, pero no siempre le ha salido bien. Su universo personal, tan atípico como inquietante, ha provocado no pocas lecturas y, lo que tal vez es más importante, un buen número de defensores y detractores. Lo que hoy ocurre con Shyamalan es que la distancia entre los que lo aplauden y lo atacan es cada vez más insalvable. Este libro pretende también tender un puente entre aquellos que admiraron El sexto sentido y repudiaron El incidente y los que cada vez parecen sentirse más a gusto aplaudiendo a un director que al parecer cada día gusta menos. Es una empresa complicada, pero digna de intentarse.
A lo largo de los años, la industria cinematográfica (no solo de Hollywood sino del mundo entero) ha reconocido a John Lasseter como uno de los nombres más importantes de la historia del cine de animación. De hecho, está llamado a convertirse en el heredero artístico de Walt Disney. Se trata, pues, del nuevo mago del cine de animación del siglo XXI, que ha sabido beber de las fuentes de su maestro y ha tomado lo mejor y lo más interesante del estudio Disney para volcarlo en Pixar Animation Studios. Actualmente hay pocos directores de cine que estén tan vinculados a un estudio de producción en concreto como es el caso de John Lasseter y Pixar Animation Studios. Y lo es hasta tal punto que de una forma casi simbólica podríamos decir que la historia del estudio Pixar es la propia de Lasseter (y viceversa), de ahí que sea prácticamente imposible adentrarse en la biografía de este director sin contar también la historia de ese estudio de animación digital que ayudó a construir.
La filmografía de Peter Weir, desarrollada a caballo entre su Australia natal y Hollywood, es una de las de mayor solvencia y regularidad del cine contemporáneo. Películas como " Picnic en Hanging Rock " o " Sin miedo a la vida " certifican su maestría para la creación de atmósferas sensoriales, pero bajo la dispar superficie de la mayoría de sus filmes se advierte ante todo la sutileza de un hábil narrador empeñado en invisibilizar su presencia tras la cámara. La colisión entre mundos opuestos y la lucha del individuo por su autoafirmación son algunos de los temas recurrentes en el cine de Weir. Un cine discreto y mesurado como su autor, cuyas obras mayores ( " Gallipoli " , " Único testigo " , " El club de los poetas muertos " o " Master & Commander " ) encierran momentos de hermosa y genuina emoción.
«Todas mis películas giran en torno a esta idea: hay un esfuerzo por mostrar un mundo sin amor, personajes repletos de egoísmo, gente que explota a otra y, en medio de todo esto, siempre hay ?especialmente en los filmes con Giulietta?, una pequeña criatura que quiere dar amor y que vive para el amor.»?Federico FelliniPor primera vez un director de pista circense, Federico Fellini (1920-1993), es recordado como uno de los mayores narradores de historias del cine. Desde dramáticos cuentos agridulces (La strada y Las noches de Cabiria) a clásicos semiautobiográficos (La dolce vita y la muy imitada Fellini, ocho y medio), así como ambiciosas piezas de época (Satiricón y El Casanova de Fellini) o pseudodocumentales oníricos (Los clowns, Roma y Entrevista), Fellini llevó su mundo interior a la gran pantalla de un modo profundamente original e innovador. Entre sus muchos regalos al mundo del cine se cuentan los roles que creó para su esposa, la inolvidable Giulietta Masina.
Este libro analiza la respuesta de la prensa estadounidense al cine de Pedro Almodóvar y su impacto a la hora de reflejar y construir su recepción en este país. Por medio del análisis de reseñas, artículos, entrevistas y demás apariciones en el espacio público, se aquilata la dialéctica entre el director español y los medios de comunicación en Estados Unidos, y se rastrea la convergencia de su universo creador con determinadas propuestas estéticas del cine norteamericano. La respuesta de «The New York Times», «The New Yorker» y «Los Angeles Times», entre otras muchas publicaciones, al cine del director manchego permite explorar sus encuentros y desencuentros con la crítica estadounidense y adentrarse en los factores que determinan la oscilación entre la aceptación y el rechazo, los elogios y los reproches.
Tex Avery sigue siendo, hoy en día, un cineasta relativamente poco conocido, y aún menos estudiado, como de hecho lo son, salvo algunos casos muy concretos, la mayoría de los realizadores cinematográficos que han escogido el arte de la animación como medio de expresión. El cine de Avery jugaba con elementos de la cultura popular y contaba historias humorísticas dirigidas a un amplio y heterogéneo público, no necesariamente infantil como erróneamente se tiende a creer. Avery fue un director de " cartoons " , cortometrajes de animación destinados a ser proyectados en la gran pantalla de una sala cinematográfica como prólogo a las películas de largometraje con actores reales. En definitiva, la de Tex Avery no es una obra aislada e intrascendente dentro del contexto de la historia del cine de animación, sino que representa una de las influencias más poderosas y significativas en la filmografía de un considerable número de animadores y realizadores tanto contemporáneos como posteriores a él.