bernard herrmann: cumbres borrascosas supone la primera monografía publicada en lengua castellana sobre el compositor neoyorquino, y una de las pocas editadas a nivel mundial en torno a una de las figuras capitales del mundo de las bandas sonoras. con pr
No hay que hacer un gran esfuerzo para subrayar la relevancia de Pedro Almodóvar en nuestro cine, en el conjunto de la cultura hispana y hasta en el cine universal. Desde luego, es el director español más conocido en el mundo después de Luis Buñuel. Un cineasta, como diría André Bazin, cuya filmografía en su conjunto es superior a la suma de los filmes individuales porque ha logrado construir un mundo propio a través de su obra cinematográfica. La filmografía de Pedro Almodóvar sustenta una cosmovisión, pone en pie un mundo de ficción donde es posible establecer relaciones de unas películas con otras, apreciar continuidades en personajes e historias, comprender los intereses y valores del cineasta... Constituye, en suma, un " Universo Almodóvar " . De ahí que la forma escogida para este libro sea la del diccionario. Cada uno de los artículos o entradas de este trabajo se presenta como un brevísimo ensayo, con los puntos esenciales que hay que tener presentes para que el lector aborde el tema y multiplique su disfrute como espectador. También contiene una selección de testimonios significativos del propio Pedro Almodóvar donde éste profundiza en las raíces de su creatividad y en los temas y preocupaciones de base de su filmografía. En resumen, la propia visión que tiene Almodóvar de sus películas, de su trabajo profesional, del cine en general, y de otras posiciones y convicciones. Un libro extraordinario y original, profusamente ilustrado, que satisfará tanto a los amantes del cine como al lector especializado.
?No ha habido santo, ni papa, ni general, ni sultán que tuviera el poder de un director de cine: el poder de hablarles a millones de personas durante dos horas en la oscuridad.? Frank Capra lo tenía claro al pronunciar estas palabras: el poder y la habilidad de los profesionales del cine para influir en las masas son ilimitados. Palabra de cineasta es un colorido compendio de citas de los más influyentes y elocuentes creadores del séptimo arte que, combinados como quien empareja a los invitados de una cena, saben dar espectáculo, se desafían, se piropean unos a otros y desenmascaran con lucidez todos y cada uno de los pasos del proceso cinematográfico. Esta colección de máximas y reflexiones deleitará a profesionales y a amantes del cine por igual y se convertirá en el regalo perfecto para cualquiera que alguna vez haya soñado con gritar la palabra ?¡acción!? o que siempre esté esperando el momento en que las luces se apaguen y suba el telón.
?La mayoría de directores son conocidos por una película, tal vez dos, Akira Kurosawa tiene ocho o nueve.? Francis Ford Coppola Considerado el emperador del cine japonés o el Shakespeare del cine contemporáneo, como lo calificó Steven Spielberg al conocer su fallecimiento, Akira Kurosawa es hasta la fecha el más célebre director de cine de su país y uno de los más grandes e influyentes de la cinematografía mundial. Autor y director de obras tan conocidas como Los siete samuráis (en la que se basó el famoso western Los siete magníficos), en 1990 la academia de Hollywood reconoció su trayectoria con un Óscar honorífico. Anteriormente ya lo había premiado por Rashomon y Dersu Uzala, galardones que se unieron a muchos otros como el León de Oro en el Festival de cine de Venecia o el Oso de Plata en Berlín. Leer la Autobiografía de Kurosawa es asistir a una lección magistral de narrativa fílmica, conocer sus orígenes, sus maestros, las fuentes de las que bebió? pero es además revisitar con él su infancia y juventud en el Japón Imperial de los años veinte, su primer contacto con la muerte, la guerra y la derrota, la amistad y el despertar de su vocación artística. Recuerdos, sueños y nostalgias que inspiraron también el maravilloso mundo onírico de uno de sus últimos films Los sueños de Kurosawa, ocho relatos dramático-fantásticos, ocho sueños reales del propio director que se nos descubre en este libro como un soñador perfeccionista, un niño acobardado que quiso ser pintor y acabó convertido en un gigante del cine mundial.
Woody Allen, barcelonés accidental. Solo detrás de la cámara es un breve ensayo crítico, que se centra en las doce películas que ha dirigido pero no interpretado este maestro del cine. Para el autor, profesor Caparrós Lera, estas realizaciones están acaso más logradas, porque Allen ha centrado su genio artístico sólo en la creación. No obstante, el objetivo del libro es analizar la filosofía y los valores ético-antropológicos que se esconden en la celebrada filmografía de Woody Allen. Así, también sucintamente, se reseñan los otros filmes y la biografía del cineasta. Aunque hay un centenar de libros sobre Woody Allen, esta obra intenta evitar los lugares comunes y deja hablar ampliamente al cineasta y a sus críticos. Por otra parte, con motivo del rodaje y estreno mundial de la reciente película realizada en España, Vicky Cristina Barcelona, se dedica un amplio comentario a la singular relación del artista neoyorquino con la Ciudad Condal. Finalmente, uno de los apéndices, dedicado a Allen como «buscador de Dios» ofrece asimismo otro atractivo de cara al aficionado que intenta comprender la postura del gran cómico norteamericano.
Anthony Mann, de verdadero nombre Emil Anton Bundsman, fue hijo de emigrantes judíos alemanes en los Estados Unidos dedicados a la enseñanza. Formado en los ideales del trascendentalismo germano, va trasplantando ese bagaje a la dirección de cine de forma espontánea, casi irreflexiva, cuando vencidos todos los desafíos técnicos y profesionales, se convierte en un director de éxito durante la década de los cincuenta. Su valoración de los espacios en los encuadres y las dialécticas de ocupación y desocupación del vacío, casi constantemente ligadas a una concepción en vistas amplias de sus escenografías (ya interiores, ya exteriores), le convierten en uno de los grandes referentes audiovisuales del siglo XX. Una dramaturgia seca y concisa, desencantada y muy crítica, aflora de sus mejores películas. Incómodo con una sociedad en la que los valores más apreciados se alejan del " trascender para renunciar a lo negativo en uno y alcanzar la plenitud del ser " , Mann se decanta por la tragedia y por la denuncia de la insolidaridad que el capitalismo abyecto deja caer sobre el individuo.
En la historia del cine encontramos una larga lista de realizadores europeos que encontraron su éxito en Hollywood. Sin embargo, pocos casos hay tan llamativos como el de Paul Verhoeven. Desde sus primeras películas holandesas, Verhoeven se mostró como un cineasta comprometido con violentar la mirada del espectador, agredirla para hacerle consciente de la fragilidad de nuestra realidad. Su salto al cine estadounidense, lejos de suponer un adocenamiento, confirmó su fuerte personalidad como director, al tiempo que cosechaba enormes éxitos con títulos como " RoboCop " , " Desafío total " o " Instinto básico " . Películas nunca ajenas a la provocación y a un empeño por romper las reglas que acabaría costándole caro. Esta es la historia de un viaje de ida y vuelta de un autor salvaje e inconformista. Un francotirador que disparó desde las entrañas mismas del " blockbuster " . Un holandés errante recordándonos la importancia de cuestionar cualquier certeza.
Es verdad que el cine se parece a un espejo, y que lo que la pantalla recibe del proyector no es más que un juego de fulgores y destellos, pero la luz que se le devuelve a cada espectador es otra muy distinta porque pasa por el riguroso filtro de sus sueños, y probablemente no hay nada más verdadero que eso. Pero al otro lado del espejo está lo que no vemos, la carne y el hueso de esas sombras que llamamos estrellas de cine, las que se pasean por los festivales como si fueran personas de verdad con las que poder charlar y hasta comer una paella, o incluso emborracharse, para mostrarse al final tal cual son, sin peluquería ni maquillaje: los dioses y los monstruos de la historia del cine. A su lado y entre bastidores se asoma la mirada de Joan Lluís Goas, la persona que los acompaña durante muchos años en reuniones, festivales, cenas y fiestas, para destilar aquí, por fin, de cada una de ellos, estas semblanzas tan inverosímiles a veces, pero tan reales. Goas perfila una divertida crónica que no se deja cegar por la anécdota. Él sabe dónde buscar la humanidad, la modestia o la vanidad de esos dioses y monstruos que se delatan como cualquiera en cada gesto y en cada palabra, y que invitan al afecto o al desengaño, pero nunca a la indiferencia. Con un estilo muy cercano y persuasivo, Goas sabe fijarse en los detalles con humor elegante y finísima ironía, sabiendo que el cine es un trasunto de la vida, ese espejo, decíamos, en el que si nos miramos y no nos vemos, es que entonces no vemos nada.
Si creemos las afirmaciones del periódico USA Today cuando asegura que Christopher Lee es el segundo actor con más largometrajes de la industria, el intérprete más visto en la Gran Pantalla, o el único que ha participado en las dos películas con mejor taquilla, nos veremos obligados a suponer que el británico es una pieza indispensable en el devenir del 7º Arte. Leyenda viva, un mito de más de 90 años que comenzó su andadura cinematográfica en la vieja Rank, Lee ha enamorado a numerosas generaciones de aficionados, siendo referencia a la hora de ejemplificar en la Gran Pantalla tanto el porte caballeroso del británico victoriano como las mejores características del villano gótico. No existe un Conde Drácula mejor personificado que el que la estrella perfiló para los célebres estudios Hammer, a despecho de su amor/odio contra la propia Casa y contra la temática Fantástica donde se ve encasillado. Y es que al mismo tiempo que fluye en toda Europa una efervescencia ya histórica en relación al Cine de Género, influenciada por el éxito de la Hammer, Lee compagina sus participaciones en piezas de Terror con las colaboraciones en otros productos también de culto pero diferentes. Así, el inglés engendrará otros papeles mayúsculos como el Scaramanga de El hombre de la pistola de oro o el Rochefort de Los tres mosqueteros, entre Sherlock Holmes, pintores bohemios, Rasputín, piratas o romanos traidores, o el Conde de Borgia. En Christopher Lee. Más allá del Terror, Juan M. Corral estudia la azarosa vida del astro desde una perspectiva novelesca pero veraz, desvelando hasta el mínimo detalle los acontecimientos íntimos y familiares que le marcaron, así como los entresijos técnicos que estuvieron detrás de las producciones cinematográficas. Las penurias sufridas en su encarnación de la criatura de Frankenstein; su escasez económica a lo largo de décadas mientras rueda para Mario Bava; sus desavenencias con Jesús Franco; saboreando el éxito al fin en Saturday Night Live; y la veneración actual del público joven con sus trabajos para George Lucas, Tim Burton y Peter Jackson. Todo revisado a la vez que se hace hincapié en un origen dentro de la nobleza; el matrimonio con la modelo Gitte; el sufrimiento inicial por el estado de salud de su hija Christina; la camaradería fuera de pantalla con el colega Peter Cushing, la otra estrella del Cine británico de Terror; o los últimos problemas legales con un artista español. Christopher Lee. Más allá del Terror, se completa con una revisión de su legado musical, sus propuestas operísticas o colaboraciones con bandas Heavy como Manowar. Además, el lector podrá disfrutar con una vasta colección de fotografías y con una detallada filmografía que recorren su carrera desde la Rank hasta sus últimos papeles como Conde Dooku o el mago Saruman.
Vinculado a la ya legendaria productora Hammer Films, para la que dirigió sus mejores películas, Terence Fisher fue un cineasta despreciado en su momento hasta que, en las últimas décadas, su obra se ha visto notablemente revalorizada y situada en el exacto lugar que merece. El cine de Fisher va mucho más allá de su aparente marco genérico. Sus ambivalentes imágenes y los vericuetos de su guión ocultan una serie de líneas temáticas que van desde la reflexión social hasta la psicológica, pasando por un tratamiento del miedo y el sexo que llegó a revolucionar el cine de terror en su momento imponiendo unas constantes de las que, a día de hoy, todavía se sirve el género. Esta monografía, la primera publicada en castellano sobre Terence Fisher, explora toda su filmografía, prestando especial atención a su primera etapa como director y analizando minuciosamente cada una de sus películas.
Cineasta inclasificable y libre de prejuicios, Tim Burton ha desarrollado a lo largo de su carrera cinematográfica un catálogo de películas que en nada parece seguir los cánones comerciales que imperan en el cine manufacturado en serie en los Estados Unidos. Iniciado como animador en la todopoderosa Disney y siempre ligado a los grandes productores americanos, ha conseguido desarrollar su propia y original forma de hacer cine. Director de culto para algunos, incapaz de contar una historia de forma visual para otros, lo cierto es que en Burton encontramos uno de los mejores ejemplos de lo que se ha dado en llamar " autoría posmoderna " , etiqueta donde se engloban cineastas como los hermanos Coen, Tarantino, Cronenberg o David Lynch.
Son directores clásicos, y todos ellos pertenecen a la época dorada de Hollywood, pero ¿qué más tienen en común cineastas tan dispares como Howard Hawks, Cecil B. DeMille, Tod Browning, Frank Capra o Raoul Walsh? La respuesta se encuentra en este trabajo que estudia parte de la obra de los cinco realizadores, en concreto la que explica por qué razón ninguno de ellos tuvo reparos en volver a rehacer sus viejos éxitos anteriores. Actualmente, vivimos un periodo donde los remakes, las secuelas, precuelas, reboots, spin-off y demás variaciones entorno a una película original, son bastante frecuentes. Sin embargo, tal aluvión de cintas no se ha visto reflejado en un aumento de los estudios teóricos acerca de dicho fenómeno. El autoremake en el cine. ¿Obsesión o repetición? pretende paliar en parte esa carencia con la inclusión de una aproximación teórica al autoremake para posteriormente centrarse en el análisis de las distintas versiones de Los Diez Mandamientos, La Marca del Vampiro, Dama por un día, Río Bravo y Objetivo Birmania, entre otras grandes películas. Un trabajo divulgativo y didáctico, adecuado no sólo para estudiantes o cinéfilos sino para cualquier amante del séptimo arte
bernard herrmann: cumbres borrascosas supone la primera monografía publicada en lengua castellana sobre el compositor neoyorquino, y una de las pocas editadas a nivel mundial en torno a una de las figuras capitales del mundo de las bandas sonoras. con pr
No hay que hacer un gran esfuerzo para subrayar la relevancia de Pedro Almodóvar en nuestro cine, en el conjunto de la cultura hispana y hasta en el cine universal. Desde luego, es el director español más conocido en el mundo después de Luis Buñuel. Un cineasta, como diría André Bazin, cuya filmografía en su conjunto es superior a la suma de los filmes individuales porque ha logrado construir un mundo propio a través de su obra cinematográfica. La filmografía de Pedro Almodóvar sustenta una cosmovisión, pone en pie un mundo de ficción donde es posible establecer relaciones de unas películas con otras, apreciar continuidades en personajes e historias, comprender los intereses y valores del cineasta... Constituye, en suma, un " Universo Almodóvar " . De ahí que la forma escogida para este libro sea la del diccionario. Cada uno de los artículos o entradas de este trabajo se presenta como un brevísimo ensayo, con los puntos esenciales que hay que tener presentes para que el lector aborde el tema y multiplique su disfrute como espectador. También contiene una selección de testimonios significativos del propio Pedro Almodóvar donde éste profundiza en las raíces de su creatividad y en los temas y preocupaciones de base de su filmografía. En resumen, la propia visión que tiene Almodóvar de sus películas, de su trabajo profesional, del cine en general, y de otras posiciones y convicciones. Un libro extraordinario y original, profusamente ilustrado, que satisfará tanto a los amantes del cine como al lector especializado.
?No ha habido santo, ni papa, ni general, ni sultán que tuviera el poder de un director de cine: el poder de hablarles a millones de personas durante dos horas en la oscuridad.? Frank Capra lo tenía claro al pronunciar estas palabras: el poder y la habilidad de los profesionales del cine para influir en las masas son ilimitados. Palabra de cineasta es un colorido compendio de citas de los más influyentes y elocuentes creadores del séptimo arte que, combinados como quien empareja a los invitados de una cena, saben dar espectáculo, se desafían, se piropean unos a otros y desenmascaran con lucidez todos y cada uno de los pasos del proceso cinematográfico. Esta colección de máximas y reflexiones deleitará a profesionales y a amantes del cine por igual y se convertirá en el regalo perfecto para cualquiera que alguna vez haya soñado con gritar la palabra ?¡acción!? o que siempre esté esperando el momento en que las luces se apaguen y suba el telón.
?La mayoría de directores son conocidos por una película, tal vez dos, Akira Kurosawa tiene ocho o nueve.? Francis Ford Coppola Considerado el emperador del cine japonés o el Shakespeare del cine contemporáneo, como lo calificó Steven Spielberg al conocer su fallecimiento, Akira Kurosawa es hasta la fecha el más célebre director de cine de su país y uno de los más grandes e influyentes de la cinematografía mundial. Autor y director de obras tan conocidas como Los siete samuráis (en la que se basó el famoso western Los siete magníficos), en 1990 la academia de Hollywood reconoció su trayectoria con un Óscar honorífico. Anteriormente ya lo había premiado por Rashomon y Dersu Uzala, galardones que se unieron a muchos otros como el León de Oro en el Festival de cine de Venecia o el Oso de Plata en Berlín. Leer la Autobiografía de Kurosawa es asistir a una lección magistral de narrativa fílmica, conocer sus orígenes, sus maestros, las fuentes de las que bebió? pero es además revisitar con él su infancia y juventud en el Japón Imperial de los años veinte, su primer contacto con la muerte, la guerra y la derrota, la amistad y el despertar de su vocación artística. Recuerdos, sueños y nostalgias que inspiraron también el maravilloso mundo onírico de uno de sus últimos films Los sueños de Kurosawa, ocho relatos dramático-fantásticos, ocho sueños reales del propio director que se nos descubre en este libro como un soñador perfeccionista, un niño acobardado que quiso ser pintor y acabó convertido en un gigante del cine mundial.
Woody Allen, barcelonés accidental. Solo detrás de la cámara es un breve ensayo crítico, que se centra en las doce películas que ha dirigido pero no interpretado este maestro del cine. Para el autor, profesor Caparrós Lera, estas realizaciones están acaso más logradas, porque Allen ha centrado su genio artístico sólo en la creación. No obstante, el objetivo del libro es analizar la filosofía y los valores ético-antropológicos que se esconden en la celebrada filmografía de Woody Allen. Así, también sucintamente, se reseñan los otros filmes y la biografía del cineasta. Aunque hay un centenar de libros sobre Woody Allen, esta obra intenta evitar los lugares comunes y deja hablar ampliamente al cineasta y a sus críticos. Por otra parte, con motivo del rodaje y estreno mundial de la reciente película realizada en España, Vicky Cristina Barcelona, se dedica un amplio comentario a la singular relación del artista neoyorquino con la Ciudad Condal. Finalmente, uno de los apéndices, dedicado a Allen como «buscador de Dios» ofrece asimismo otro atractivo de cara al aficionado que intenta comprender la postura del gran cómico norteamericano.
Anthony Mann, de verdadero nombre Emil Anton Bundsman, fue hijo de emigrantes judíos alemanes en los Estados Unidos dedicados a la enseñanza. Formado en los ideales del trascendentalismo germano, va trasplantando ese bagaje a la dirección de cine de forma espontánea, casi irreflexiva, cuando vencidos todos los desafíos técnicos y profesionales, se convierte en un director de éxito durante la década de los cincuenta. Su valoración de los espacios en los encuadres y las dialécticas de ocupación y desocupación del vacío, casi constantemente ligadas a una concepción en vistas amplias de sus escenografías (ya interiores, ya exteriores), le convierten en uno de los grandes referentes audiovisuales del siglo XX. Una dramaturgia seca y concisa, desencantada y muy crítica, aflora de sus mejores películas. Incómodo con una sociedad en la que los valores más apreciados se alejan del " trascender para renunciar a lo negativo en uno y alcanzar la plenitud del ser " , Mann se decanta por la tragedia y por la denuncia de la insolidaridad que el capitalismo abyecto deja caer sobre el individuo.
En la historia del cine encontramos una larga lista de realizadores europeos que encontraron su éxito en Hollywood. Sin embargo, pocos casos hay tan llamativos como el de Paul Verhoeven. Desde sus primeras películas holandesas, Verhoeven se mostró como un cineasta comprometido con violentar la mirada del espectador, agredirla para hacerle consciente de la fragilidad de nuestra realidad. Su salto al cine estadounidense, lejos de suponer un adocenamiento, confirmó su fuerte personalidad como director, al tiempo que cosechaba enormes éxitos con títulos como " RoboCop " , " Desafío total " o " Instinto básico " . Películas nunca ajenas a la provocación y a un empeño por romper las reglas que acabaría costándole caro. Esta es la historia de un viaje de ida y vuelta de un autor salvaje e inconformista. Un francotirador que disparó desde las entrañas mismas del " blockbuster " . Un holandés errante recordándonos la importancia de cuestionar cualquier certeza.
Es verdad que el cine se parece a un espejo, y que lo que la pantalla recibe del proyector no es más que un juego de fulgores y destellos, pero la luz que se le devuelve a cada espectador es otra muy distinta porque pasa por el riguroso filtro de sus sueños, y probablemente no hay nada más verdadero que eso. Pero al otro lado del espejo está lo que no vemos, la carne y el hueso de esas sombras que llamamos estrellas de cine, las que se pasean por los festivales como si fueran personas de verdad con las que poder charlar y hasta comer una paella, o incluso emborracharse, para mostrarse al final tal cual son, sin peluquería ni maquillaje: los dioses y los monstruos de la historia del cine. A su lado y entre bastidores se asoma la mirada de Joan Lluís Goas, la persona que los acompaña durante muchos años en reuniones, festivales, cenas y fiestas, para destilar aquí, por fin, de cada una de ellos, estas semblanzas tan inverosímiles a veces, pero tan reales. Goas perfila una divertida crónica que no se deja cegar por la anécdota. Él sabe dónde buscar la humanidad, la modestia o la vanidad de esos dioses y monstruos que se delatan como cualquiera en cada gesto y en cada palabra, y que invitan al afecto o al desengaño, pero nunca a la indiferencia. Con un estilo muy cercano y persuasivo, Goas sabe fijarse en los detalles con humor elegante y finísima ironía, sabiendo que el cine es un trasunto de la vida, ese espejo, decíamos, en el que si nos miramos y no nos vemos, es que entonces no vemos nada.
Si creemos las afirmaciones del periódico USA Today cuando asegura que Christopher Lee es el segundo actor con más largometrajes de la industria, el intérprete más visto en la Gran Pantalla, o el único que ha participado en las dos películas con mejor taquilla, nos veremos obligados a suponer que el británico es una pieza indispensable en el devenir del 7º Arte. Leyenda viva, un mito de más de 90 años que comenzó su andadura cinematográfica en la vieja Rank, Lee ha enamorado a numerosas generaciones de aficionados, siendo referencia a la hora de ejemplificar en la Gran Pantalla tanto el porte caballeroso del británico victoriano como las mejores características del villano gótico. No existe un Conde Drácula mejor personificado que el que la estrella perfiló para los célebres estudios Hammer, a despecho de su amor/odio contra la propia Casa y contra la temática Fantástica donde se ve encasillado. Y es que al mismo tiempo que fluye en toda Europa una efervescencia ya histórica en relación al Cine de Género, influenciada por el éxito de la Hammer, Lee compagina sus participaciones en piezas de Terror con las colaboraciones en otros productos también de culto pero diferentes. Así, el inglés engendrará otros papeles mayúsculos como el Scaramanga de El hombre de la pistola de oro o el Rochefort de Los tres mosqueteros, entre Sherlock Holmes, pintores bohemios, Rasputín, piratas o romanos traidores, o el Conde de Borgia. En Christopher Lee. Más allá del Terror, Juan M. Corral estudia la azarosa vida del astro desde una perspectiva novelesca pero veraz, desvelando hasta el mínimo detalle los acontecimientos íntimos y familiares que le marcaron, así como los entresijos técnicos que estuvieron detrás de las producciones cinematográficas. Las penurias sufridas en su encarnación de la criatura de Frankenstein; su escasez económica a lo largo de décadas mientras rueda para Mario Bava; sus desavenencias con Jesús Franco; saboreando el éxito al fin en Saturday Night Live; y la veneración actual del público joven con sus trabajos para George Lucas, Tim Burton y Peter Jackson. Todo revisado a la vez que se hace hincapié en un origen dentro de la nobleza; el matrimonio con la modelo Gitte; el sufrimiento inicial por el estado de salud de su hija Christina; la camaradería fuera de pantalla con el colega Peter Cushing, la otra estrella del Cine británico de Terror; o los últimos problemas legales con un artista español. Christopher Lee. Más allá del Terror, se completa con una revisión de su legado musical, sus propuestas operísticas o colaboraciones con bandas Heavy como Manowar. Además, el lector podrá disfrutar con una vasta colección de fotografías y con una detallada filmografía que recorren su carrera desde la Rank hasta sus últimos papeles como Conde Dooku o el mago Saruman.
Vinculado a la ya legendaria productora Hammer Films, para la que dirigió sus mejores películas, Terence Fisher fue un cineasta despreciado en su momento hasta que, en las últimas décadas, su obra se ha visto notablemente revalorizada y situada en el exacto lugar que merece. El cine de Fisher va mucho más allá de su aparente marco genérico. Sus ambivalentes imágenes y los vericuetos de su guión ocultan una serie de líneas temáticas que van desde la reflexión social hasta la psicológica, pasando por un tratamiento del miedo y el sexo que llegó a revolucionar el cine de terror en su momento imponiendo unas constantes de las que, a día de hoy, todavía se sirve el género. Esta monografía, la primera publicada en castellano sobre Terence Fisher, explora toda su filmografía, prestando especial atención a su primera etapa como director y analizando minuciosamente cada una de sus películas.
Cineasta inclasificable y libre de prejuicios, Tim Burton ha desarrollado a lo largo de su carrera cinematográfica un catálogo de películas que en nada parece seguir los cánones comerciales que imperan en el cine manufacturado en serie en los Estados Unidos. Iniciado como animador en la todopoderosa Disney y siempre ligado a los grandes productores americanos, ha conseguido desarrollar su propia y original forma de hacer cine. Director de culto para algunos, incapaz de contar una historia de forma visual para otros, lo cierto es que en Burton encontramos uno de los mejores ejemplos de lo que se ha dado en llamar " autoría posmoderna " , etiqueta donde se engloban cineastas como los hermanos Coen, Tarantino, Cronenberg o David Lynch.
Son directores clásicos, y todos ellos pertenecen a la época dorada de Hollywood, pero ¿qué más tienen en común cineastas tan dispares como Howard Hawks, Cecil B. DeMille, Tod Browning, Frank Capra o Raoul Walsh? La respuesta se encuentra en este trabajo que estudia parte de la obra de los cinco realizadores, en concreto la que explica por qué razón ninguno de ellos tuvo reparos en volver a rehacer sus viejos éxitos anteriores. Actualmente, vivimos un periodo donde los remakes, las secuelas, precuelas, reboots, spin-off y demás variaciones entorno a una película original, son bastante frecuentes. Sin embargo, tal aluvión de cintas no se ha visto reflejado en un aumento de los estudios teóricos acerca de dicho fenómeno. El autoremake en el cine. ¿Obsesión o repetición? pretende paliar en parte esa carencia con la inclusión de una aproximación teórica al autoremake para posteriormente centrarse en el análisis de las distintas versiones de Los Diez Mandamientos, La Marca del Vampiro, Dama por un día, Río Bravo y Objetivo Birmania, entre otras grandes películas. Un trabajo divulgativo y didáctico, adecuado no sólo para estudiantes o cinéfilos sino para cualquier amante del séptimo arte