Tal y como refleja la trascripción de los Diarios sonoros de Mamma Roma que contiene la presente publicación, durante la primavera de 1962, el ocultamiento del intenso sol que bañaba el set de rodaje, fundamental para Pasolini, permitió numerosos momentos de pausa. Aquellas interrupciones fueron aprovechadas por el poeta, junto con su ayudante en aquella película, Carlo di Carlo, para meditar en voz alta, frente al magnetófono, sobre diferentes aspectos relacionados con aquella película y sobre su propia escritura cinematográfica.
La obra de Joseph Losey ha estado marcada por la constante reflexión sobre la complejidad del individuo y su soledad o su condición marginal frente a la sociedad que lo envuelve. Sin duda, ello adquiere rasgos profundamente personales al ser Losey uno de los afectados por las investigaciones del Comité de Actividades Antiamericanas, lo que le obligó a exiliarse a Europa a comienzos de los años cincuenta, manteniendo un compromiso ideológico del que muchos de sus colegas habían abjurado. Cineasta de gran personalidad, fue uno de los nombres capitales de la década de los sesenta gracias a títulos tan aclamados como «El sirviente» o «Accidente». Este libro, el primero editado en castellano sobre Joseph Losey, analiza toda su obra exponiendo las claves necesarias para su plena comprensión.
Difícilmente Ozu hubiera podido suponer que, cuarenta años después de su muerte, llegaría a ser uno de los cineastas japoneses más apreciados en Occidente, donde no se duda en situarle junto a los directores más importantes de todos los tiempos. Tras haberse celebrado su primer centenario, el arte y la memoria de Yasujiro Ozu permanecen más vivos que nunca. La fama le llegó, fuera de su país, cuando ya no podía eludirla. Pese a su creciente prestigio, y a la admiración que su legado despierta entre quienes a él se acercan, Ozu continúa siendo el más desconocido de todos los grandes cineastas. El presente trabajo examina, por primera vez, toda la filmografía conservada de aquel artista irrepetible. Evitando las interpretaciones místicas que a menudo se han hecho de su obra, así como el excesivo formalismo con el que se han analizado con frecuencia sus películas, el estudio que presentamos aspira a mostrar el cine de Ozu como una manifestación cultural de su tiempo.
Esta monografía sobre Satyajit Ray (1921-1992) -gran realizador indio, Oscar honorífico en 1992 y uno de los más importantes creadores de la historia del cine- supone un primer acercamiento español al cine indio, el mayor productor de películas del mundo, además de ofrecer un exhaustivo estudio sobre este importante cineasta.
Entroncado con una familia de ilustre tradición cultural, Jesús Franco supone una figura absolutamente anómala en la historia del cine español. Tanto por llamativas cuestiones estéticas (su obra aborda una serie de géneros, sobre todo el fantástico y el policiaco, desde planteamientos muy personales, con progresivo hincapié en el erotismo) cuanto por inauditos factores industriales (su filmografía roza la cifra récord de doscientos largometrajes, y se ha desarrollado en diversos países europeos a lo largo de cincuenta años). Justifica, pues, como ningún otro cineasta español el calificativo " de culto " . Carlos Aguilar, premiado historiador cinematográfico y novelista, aborda tan insólito caso mediante un minucioso ensayo que aúna la crónica histórico-biográfica con la valoración cinéfila, incluyendo la glosa de profesionales vinculados en particular con el cine de Franco, no menos " de culto " (la actriz Soledad Miranda, el actor Howard Vernon, el productor Harry Alan Towers, etc.).
Figura imprescindible del «entertainment» estadounidense del siglo xx, Jerry Lewis (1926) ha trabajado en Hollywood como actor, guionista, director y productor. Además, de forma paralela ha sido cantante, humorista, empresario de exhibición cinematográfica y de hostelería, actor teatral, estrella de la televisión, personaje de cómic, presentador de maratones benéficos y filántropo. Este libro analiza su trayectoria como cineasta y aspira a colocarlo en el lugar (justo) que le corresponde en el doble ámbito del análisis fílmico y de la historia del cine, atendiendo a su innegable modernidad textual. Sus películas esconden lecturas más interesantes y profundas de lo que muchas veces se ha visto, y efectúan una disección pertinente y muy divertida de los vicios y costumbres de una sociedad capitalista contemporánea en crisis. De «El botones» a «Smorgasbord», pasando por «El profesor chiflado», «El terror de las chicas» o «Tres en un sofá», el cine de Lewis como director revela su enorme creatividad y su condición de «autor total» («total filmaker»).
Por la amplitud de su obra y por el carácter provocador de la misma, Rainer Wermer Fassbinder (1945-1982) dominó la escena cinematográfica de los años 70. Desde «Las amargas lágrimas de Petra von Kant» a «Querelle», pasando por «Berlin Alexanderplatz» o «El matrimonio de María Braun», realizó más de cuarenta largometrajes en menos de quince años, y lo hizo creando su propio grupo de cine y de teatro, rodeándose de una serie de colaboradores, como Ingrid Caven o Hanna Schygulla, que mantuvo junto a él durante muchos años. El autor del libro confronta aquí la biografía de Fassbinder y la Historia, la vida y la obra, las pasiones destructoras y la denuncia feroz al Estado, las fuerzas oscuras del deseo y la obsesión por los fantasmas del nazismo.
Quizá el lema más acertado para David Cronenberg podría ser la máxima de Gustave Flaubert: " sé regular y ordenado en tu vida, como un burgués, así podrás ser violento y original en tu trabajo " . De trayectoria profesional muy peculiar, Cronenberg, que fue primero tachado de " rey de la enfermedad venérea " y completamente despreciado por la crítica tradicional por su adscripción al género fantástico (sobre todo por mostrar imágenes repulsivas llenas de vísceras y sangre) comenzó a ser considerado un cineasta " serio " a partir de su película «Inseparables», y continuó su ascendente prestigio hasta ser nombrado Presidente del Jurado del festival de Cannes. Este libro intenta una nueva aproximación a la obra del cineasta rastreando una serie de constantes comunes aunque siempre en constante evolución y cambio.
Se puede ubicar a Howard Hawks entre los pioneros del cinematógrafo aunque su aparición se produzca en la segunda mitad de los años 20. La transcendencia de sus películas y la aportación que hizo al lenguaje fílmico, sobre todo en los inicios del sonoro, han sido tan importantes para su evolución que es innegable su aportación personal en el ámbito creativo. Su inmensa producción tocó todos los géneros, desde la comedia al cine de gánsters, desde la aventura al western, desde el cine negro al musical, y en cada uno de ellos logró transmitir una dimensión inédita que convierte muchos de sus títulos en referencias históricas a los que se suele acudir.
Tal y como refleja la trascripción de los Diarios sonoros de Mamma Roma que contiene la presente publicación, durante la primavera de 1962, el ocultamiento del intenso sol que bañaba el set de rodaje, fundamental para Pasolini, permitió numerosos momentos de pausa. Aquellas interrupciones fueron aprovechadas por el poeta, junto con su ayudante en aquella película, Carlo di Carlo, para meditar en voz alta, frente al magnetófono, sobre diferentes aspectos relacionados con aquella película y sobre su propia escritura cinematográfica.
La obra de Joseph Losey ha estado marcada por la constante reflexión sobre la complejidad del individuo y su soledad o su condición marginal frente a la sociedad que lo envuelve. Sin duda, ello adquiere rasgos profundamente personales al ser Losey uno de los afectados por las investigaciones del Comité de Actividades Antiamericanas, lo que le obligó a exiliarse a Europa a comienzos de los años cincuenta, manteniendo un compromiso ideológico del que muchos de sus colegas habían abjurado. Cineasta de gran personalidad, fue uno de los nombres capitales de la década de los sesenta gracias a títulos tan aclamados como «El sirviente» o «Accidente». Este libro, el primero editado en castellano sobre Joseph Losey, analiza toda su obra exponiendo las claves necesarias para su plena comprensión.
Difícilmente Ozu hubiera podido suponer que, cuarenta años después de su muerte, llegaría a ser uno de los cineastas japoneses más apreciados en Occidente, donde no se duda en situarle junto a los directores más importantes de todos los tiempos. Tras haberse celebrado su primer centenario, el arte y la memoria de Yasujiro Ozu permanecen más vivos que nunca. La fama le llegó, fuera de su país, cuando ya no podía eludirla. Pese a su creciente prestigio, y a la admiración que su legado despierta entre quienes a él se acercan, Ozu continúa siendo el más desconocido de todos los grandes cineastas. El presente trabajo examina, por primera vez, toda la filmografía conservada de aquel artista irrepetible. Evitando las interpretaciones místicas que a menudo se han hecho de su obra, así como el excesivo formalismo con el que se han analizado con frecuencia sus películas, el estudio que presentamos aspira a mostrar el cine de Ozu como una manifestación cultural de su tiempo.
Esta monografía sobre Satyajit Ray (1921-1992) -gran realizador indio, Oscar honorífico en 1992 y uno de los más importantes creadores de la historia del cine- supone un primer acercamiento español al cine indio, el mayor productor de películas del mundo, además de ofrecer un exhaustivo estudio sobre este importante cineasta.
Entroncado con una familia de ilustre tradición cultural, Jesús Franco supone una figura absolutamente anómala en la historia del cine español. Tanto por llamativas cuestiones estéticas (su obra aborda una serie de géneros, sobre todo el fantástico y el policiaco, desde planteamientos muy personales, con progresivo hincapié en el erotismo) cuanto por inauditos factores industriales (su filmografía roza la cifra récord de doscientos largometrajes, y se ha desarrollado en diversos países europeos a lo largo de cincuenta años). Justifica, pues, como ningún otro cineasta español el calificativo " de culto " . Carlos Aguilar, premiado historiador cinematográfico y novelista, aborda tan insólito caso mediante un minucioso ensayo que aúna la crónica histórico-biográfica con la valoración cinéfila, incluyendo la glosa de profesionales vinculados en particular con el cine de Franco, no menos " de culto " (la actriz Soledad Miranda, el actor Howard Vernon, el productor Harry Alan Towers, etc.).
Figura imprescindible del «entertainment» estadounidense del siglo xx, Jerry Lewis (1926) ha trabajado en Hollywood como actor, guionista, director y productor. Además, de forma paralela ha sido cantante, humorista, empresario de exhibición cinematográfica y de hostelería, actor teatral, estrella de la televisión, personaje de cómic, presentador de maratones benéficos y filántropo. Este libro analiza su trayectoria como cineasta y aspira a colocarlo en el lugar (justo) que le corresponde en el doble ámbito del análisis fílmico y de la historia del cine, atendiendo a su innegable modernidad textual. Sus películas esconden lecturas más interesantes y profundas de lo que muchas veces se ha visto, y efectúan una disección pertinente y muy divertida de los vicios y costumbres de una sociedad capitalista contemporánea en crisis. De «El botones» a «Smorgasbord», pasando por «El profesor chiflado», «El terror de las chicas» o «Tres en un sofá», el cine de Lewis como director revela su enorme creatividad y su condición de «autor total» («total filmaker»).
Por la amplitud de su obra y por el carácter provocador de la misma, Rainer Wermer Fassbinder (1945-1982) dominó la escena cinematográfica de los años 70. Desde «Las amargas lágrimas de Petra von Kant» a «Querelle», pasando por «Berlin Alexanderplatz» o «El matrimonio de María Braun», realizó más de cuarenta largometrajes en menos de quince años, y lo hizo creando su propio grupo de cine y de teatro, rodeándose de una serie de colaboradores, como Ingrid Caven o Hanna Schygulla, que mantuvo junto a él durante muchos años. El autor del libro confronta aquí la biografía de Fassbinder y la Historia, la vida y la obra, las pasiones destructoras y la denuncia feroz al Estado, las fuerzas oscuras del deseo y la obsesión por los fantasmas del nazismo.
Quizá el lema más acertado para David Cronenberg podría ser la máxima de Gustave Flaubert: " sé regular y ordenado en tu vida, como un burgués, así podrás ser violento y original en tu trabajo " . De trayectoria profesional muy peculiar, Cronenberg, que fue primero tachado de " rey de la enfermedad venérea " y completamente despreciado por la crítica tradicional por su adscripción al género fantástico (sobre todo por mostrar imágenes repulsivas llenas de vísceras y sangre) comenzó a ser considerado un cineasta " serio " a partir de su película «Inseparables», y continuó su ascendente prestigio hasta ser nombrado Presidente del Jurado del festival de Cannes. Este libro intenta una nueva aproximación a la obra del cineasta rastreando una serie de constantes comunes aunque siempre en constante evolución y cambio.
Se puede ubicar a Howard Hawks entre los pioneros del cinematógrafo aunque su aparición se produzca en la segunda mitad de los años 20. La transcendencia de sus películas y la aportación que hizo al lenguaje fílmico, sobre todo en los inicios del sonoro, han sido tan importantes para su evolución que es innegable su aportación personal en el ámbito creativo. Su inmensa producción tocó todos los géneros, desde la comedia al cine de gánsters, desde la aventura al western, desde el cine negro al musical, y en cada uno de ellos logró transmitir una dimensión inédita que convierte muchos de sus títulos en referencias históricas a los que se suele acudir.