¿Qué es lo real? Tradicionalmente, el documental se ha entendido como lo opuesto a la ficción, como aquel género que documentaba la realidad. Sin embargo, a poco que indaguemos en sus muchas ramificaciones, comprobaremos que lo real se nos escurre de los dedos, que de hecho es inalcanzable. En su lugar, tendremos que lidiar con la verdad que vive en la mirada de cada cineasta. Este libro propone un viaje apasionante a través de 50 obras que revelan la enorme complejidad del documental, sus formas mutantes y sus vericuetos éticos. Un trayecto en el que caben hombres con cámaras, metrópolis incipientes, esquimales cómplices de la ficción, fascismos y genocidas, leyendas del rock y del ring, surferos y revolucionarios, grafiteros y espigadores. Toda una aventura dispuesta a rasgar las paredes de lo real. A replantear, en cada paso, nuestra mirada sobre el mundo y aprender a campar por la incertidumbre.
Este libro parte de la idea de que en el contexto actual realidad y ciencia ficción son una misma cosa. Por un lado, la ciencia ficción ha ido evolucionando de una forma dinámica, incorporando el pulso de la realidad para (re)interpretarla mediante sus propios mitos, enriquecidos no solo con la forma audiovisual sino con un abundante equipaje conceptual y estético procedente de la literatura, la ilustración, el cómic e incluso la divulgación científica. Por otro lado, los estilemas del género se han incorporado definitivamente al imaginario popular, en los campos de la publicidad, el videoclip o incluso el arte contemporáneo. Por todo ello, conviene redifinir la propia evolución del género abandonando ya ciertas convicciones canónicas que hoy resultan algo simplistas. Mediante el análisis de 50 títulos esenciales del género, en este libro se dibuja un panorama multidimensional, que muestra que la ciencia ficción ?como el terror, la fantasía o manifestaciones colaterales? ha sido capaz de reproducirse en canales distantes pero comunicados haciendo posible la generación de un macroconcepto, o macrogénero, como es el fantástico, que goza de una excelente salud comercial y cultural.
El presente libro propone un trayecto de lectura (de los muchos posibles) del clasicismo cinematográfico, abordándolo como un modelo de práctica cinematográfica singularizada en el que convergen un canon estético-narrativo férreamente codificado y un preciso sistema de producción. Nuestro corpus de estudio se centra en la producción cinematográfica estadounidense entre 1930 y 1956, atravesando el período de mayor esplendor del sistema de estudios y el surgimiento de las escrituras manieristas durante la década de los cincuenta. Los autores elaboran una síntesis de la esencia del clasicismo cinematográfico en su configuración formal, narrativa, ideológica e industrial arquetípica a partir del análisis de una selección de cincuenta de sus títulos más representativos, mediante sus principales directores, géneros y enfoques ideológicos, al tiempo que se aspira a contrarrestar la extendida idea de homogeneidad del universo del cine clásico.
«Mientras crecíamos nos prometieron mochilas-cohete, y a cambio tenemos Instagram. Creo que esto es un fraude. Por eso me aferré con optimismo a la oportunidad de reiniciar el viaje». Esta frase de Jonathan Nolan, guionista de Interstellar, expresa la nostalgia por el sueño espacial de los años 70, compartida hoy con su hermano Christopher y con otros directores actuales de cine espacial. Se trata de un sentimiento vinculado al espíritu de aventura propio del sueño americano, a la carrera espacial y al imaginario de Hollywood difundido durante varias generaciones. Cuando se cumple medio siglo desde que Neil Armstrong pisara la Luna, se asiste a un renacimiento del cine de exploración espacial reflejado en recientes producciones de éxito: son títulos que han avivado el entusiasmo por la «conquista» del cosmos iniciada en los albores de la Guerra Fría y que, además, muestran el retrato actual del sueño americano. En Planeta Hollywood, Antonio Sánchez-Escalonilla realiza un apasionante recorrido por la filmografía de exploración espacial para analizar grandes clásicos y estrenos más recientes, desde Con destino a la Luna, 2001: una odisea del espacio y Apolo 13, hasta Interstellar, Gravity, Marte o First Man, atendiendo al contexto histórico y social en que fueron creados.
Asociado a la cultura juvenil surgida en Estados Unidos a raíz del boom económico posterior a la Segunda Guerra Mundial, el rock and roll se alió de inmediato con el cine. Se trataba de dos industrias basadas en el entretenimiento y enmarcadas en un contexto capitalista que estaban destinadas a entenderse. El cine contribuyó tanto a desactivar la inicial chispa rebelde del rock como a servirle de trampolín promocional, pero a lo largo de los sesenta años que dura su relación esa función propagandística inicial fue dando paso a una multiplicidad de miradas que trasciende géneros y categorizaciones.Sueños eléctricos reúne medio centenar de títulos esenciales para entender el estrecho vínculo entre cine y rock. Del salto a la pantalla de Elvis Presley a la revolución de The Beatles, del rockumental a la ópera rock, del sueño hippy de Woodstock a su abrupto finala lomos de los moteros de Easy Rider y del nihilismo punk a la fiesta sin fin de las raves.
Yasujiro Ozu en Japón, Robert Bresson en Francia, Carl Dreyer en Dinamarca y otros directores en diferentes países han configurado una forma cinematográfica que es común a todos ellos: el estilo trascendental. Aquí se analiza como el resultado de dos contingencias universales: el deseo del arte de expresar lo metafísico y el propio medio cinematográfico.
Entre 1895 i 1930 el cinema va ser mut. A finals del segle XIX, després de les primeres projeccions, artistes com Méliès van imaginar noves possibilitats per a aquell invent. A continuació, les pel·lícules de Sjöström o Griffith van donar-li cos artístic. I als anys 20, les obres de Fritz Lang, Eisenstein o Murnau van dur el cinema a nivells de perfecció insospitats. Aquest llibre repassa la progressió de l'època muda: des d'uns inicis on el cinema era un entreteniment fins a la irrupció de les primeres grans obres mestres.
He aquí una recopilación de trabajos periodísticos de Wim Wenders compuesta por textos y entrevistas aparecidos en su mayoría después de 1988. Además de reflexionar sobre su persona y su oficio, el cineasta aprovecha las conversaciones con periodistas y colegas como Jean-Luc Godard para afirmar su posición respecto al mundo que le rodea y explicar su relación con las personas, las ciudades y los paisajes. Wenders habla de su labor como guionista, de las posibilidades y peligros de las nuevas tecnologías de la imagen (vídeo, televisión de alta definición, etc.) y también de su condición de alemán, europeo y ciudadano del mundo. Con modestia y sencillez, Wenders intenta desentrañar el proceso de la percepción cinematográfica sirviéndose de ejemplos de películas suyas y de otros directores. Pero, de la misma manera que el cineasta alemán reivindica la fuerza de las imágenes, también es consciente de las dudas que planean sobre su propio medio, porque las imágenes no sólo son capaces de decir la verdad, sino también, y quizás en mayor medida, de mentir. Y el cine no se ha inventado para escapar del mundo, sino para remitirnos a él.
Ya situado en tiempos de la Gran Depresión o en los años de la Segunda Guerra Mundial, ya en otros posteriores, marcados por el miedo al apocalipsis atómico o a la caza de brujas de la Guerra Fría, EL CINE NEGRO es sin discusión uno de los géneros mayores de la historia del cine. A su grandeza han contribuido directores -Alfred Hitchcock, Fritz Lang, Raoul Walsh, Orson Welles, Samuel Fuller y John Huston-, obras de culto -El sueño eterno, La jungla de asfalto, La dama de Shanghai, Los sobornados, Laura, Callejón sin salida, Gilda- e iconos incontestables, como Lauren Bacall, Marlene Dietrich, Grace Kelly, Lana Turner, Rita Hayworth, Humphrey Bogart, James Cagney o Edward G. Robinson, entre otros. En el presente volumen, NOËL SIMSOLO, director, guionista e historiador del cine, nos ofrece una visión innovadora del género desde sus comienzos y señala sus límites inspirándose tanto en sus fuentes literarias como en las estrictamente cinematográficas.
El cine es, actualmente, la columna vertebralde una forma de expresión narrativa que tienesus orígenes en la literatura romántica del siglo XVIII,literatura que, lejos de estar obsoleta, es constantementecuestionada y renovada, interpretada y ampliadacon nuevas propuestas, como el terror gótico.Pesadillas en la oscuridad. El cine de terror góticopropone al lector un viaje a través de la intrincaday ya antigua relación entre la narrativa de terror góticay el séptimo arte, una relación que va más allá de su gustopor lo bizarro, por lo monstruoso, por lo extremo,a fin de representar la experiencia radical del hombrecuando descubre las tensiones existentes entre lo que cree sery lo que realmente es. Como expresión predominante de lo góticoen la cultura del siglo XX -por encima de la literatura, la músicao la moda-, el cine ha sabido ser flexible, provocativo,capaz de someterse a revisiones, perversiones e hibridacionesde toda índole. Pesadillas en la oscuridad. El cine de terror gótico abarca desde los famous monsters de Universal Pictureshasta personalidades creativas tan complejas como David Lynchy Tim Burton, pasando por el agresivo pictorialismo de Hammer Films,la poética macabra de Riccardo Freda y Mario Bava,o las últimas revisiones de mitos como Drácula, Frankensteino el Hombre Lobo, sin olvidar la pintura, la música, o las tribus urbanas... Pesadillas en la oscuridad. El cine de terror góticosupone, en definitiva, un viaje al lado oscuro del cine y del hombre,que todavía fascina a productores, realizadores y público. "Las historias de terror gótico, tanto en el cine como en la literatura, nos ayudan a distinguir algunos de nuestros más importantes deseos y ansiedades, desde los más interiores, mentales o espirituales, hasta los más amplios, de tipo social y cultural".Clive Barker"La atmosférica presencia de vetustas mansiones señoriales, de mohosos castillos, agrestes montañas, frondosos bosques y desolados páramos, siniestros cementerios y decrépitas ruinas... la rebelión del Mal contra el Bien, y aún más, la rebelión del Maldito, del Paria, hacia una sociedad, hacia un universo que lo ha condenado arbitrariamente a la infelicidad más absoluta; la presencia de seres demoníacos -«lo que no puede explicarse ni por la inteligencia ni por la razón», según comentó el poeta y dramaturgo alemán J. W. Goethe-, bien sean humanos o inhumanos; la presencia de damiselas en peligro; el gusto por lo macabro, lo violento, lo terrorífico, lo monstruoso; esa combinación de lo bello y lo grotesco de la que hablaba Victor Hugo, cuya hermosura extrema es capaz de llevar al espectador a un éxtasis más allá de su racionalidad... Todos estos elementos dramático-estéticos son la base para un movimiento fílmico como el cine de terror gótico, un género en constante renovación".Antonio José Navarro
Un viaje por el fascinante mundo de nuestra realizadora más internacional. Divididos en siete capítulos temáticos, sus artículos en prensa se acompañan de numerosas fotografías inéditas, trazando una especie de diario visual donde aparecen sus gustos, fetiches y pequeñas obsesiones: el cine, la música, la comida, los actores, Japón, París, la fotografía, los viajes. Un fascinante libro objeto.
Tomadas del álbum personal y familiar, y seleccionadas por su propio hijo, las imágenes de este libro muestran las facetas más íntimas de una de las actrices con mayor estilo y personalidad del cine del siglo XX. Considerada un icono de belleza, glamour y saber estar, AUDREY aparece aquí retratada en fotos de rodaje apenas publicadas, junto a otras directamente sacadas de su vida personal. Un libro que hará las delicias de sus numerosos fans.
Clint Eastwood estaba situado frente a tres especialistas. Tras él, cerca de la cámara, Sergio Leone. En el encuadre de la cámara, se veía en primer término la mano y cartuchera de Clint, y al fondo los tres pistoleros. Clint debía disparar y ellos caer muertos al suelo. Se rodaba en una de las localizaciones madrileñas muy frecuentadas por el western. Leone grita "Acción!" y Clint, dispara. Los tres especialistas caen al suelo. Sin embargo Leone no queda convencido. Él no ha escuchado tres disparos, tan sólo dos. Le dice a Clint que sólo ha disparado dos veces, y Clint, con parsimonia, contesta que ha disparado tres. El director ordena repetir el plano y se vuelve a montar la escena. "Clint, dispara!" grita nuevamente Leone. Y jura nuevamente escuchar únicamente dos disparos para tres muertos. En esta ocasión Clint, ya aburrido de la situación, abre el tambor del revólver y muestra la munición de fogueo. Efectivamente, había tres casquillos agujereados. Clint Eastwood hacía el tercer disparo tan rápido que se superponía con el sonido del anterior. Sin duda, el más rápido del oeste. Esta anécdota transcurre durante el rodaje de Por un puñado de dólares, la primera de las tres películas que conforman la llamada Trilogía del dólar de Leone. "Clint, dispara!. La Trilogía del dólar de Sergio Leone", este ameno y documentado libro que tienes en tus manos, repasa la gestación, rodaje y repercusión de Por un puñado de dólares, La muerte tenía un precio y El bueno, el feo y el malo, tres de los exponentes del género western más exitosos de la historia del cine.
¿Qué es lo real? Tradicionalmente, el documental se ha entendido como lo opuesto a la ficción, como aquel género que documentaba la realidad. Sin embargo, a poco que indaguemos en sus muchas ramificaciones, comprobaremos que lo real se nos escurre de los dedos, que de hecho es inalcanzable. En su lugar, tendremos que lidiar con la verdad que vive en la mirada de cada cineasta. Este libro propone un viaje apasionante a través de 50 obras que revelan la enorme complejidad del documental, sus formas mutantes y sus vericuetos éticos. Un trayecto en el que caben hombres con cámaras, metrópolis incipientes, esquimales cómplices de la ficción, fascismos y genocidas, leyendas del rock y del ring, surferos y revolucionarios, grafiteros y espigadores. Toda una aventura dispuesta a rasgar las paredes de lo real. A replantear, en cada paso, nuestra mirada sobre el mundo y aprender a campar por la incertidumbre. 
Este libro parte de la idea de que en el contexto actual realidad y ciencia ficción son una misma cosa. Por un lado, la ciencia ficción ha ido evolucionando de una forma dinámica, incorporando el pulso de la realidad para (re)interpretarla mediante sus propios mitos, enriquecidos no solo con la forma audiovisual sino con un abundante equipaje conceptual y estético procedente de la literatura, la ilustración, el cómic e incluso la divulgación científica. Por otro lado, los estilemas del género se han incorporado definitivamente al imaginario popular, en los campos de la publicidad, el videoclip o incluso el arte contemporáneo. Por todo ello, conviene redifinir la propia evolución del género abandonando ya ciertas convicciones canónicas que hoy resultan algo simplistas. Mediante el análisis de 50 títulos esenciales del género, en este libro se dibuja un panorama multidimensional, que muestra que la ciencia ficción ?como el terror, la fantasía o manifestaciones colaterales? ha sido capaz de reproducirse en canales distantes pero comunicados haciendo posible la generación de un macroconcepto, o macrogénero, como es el fantástico, que goza de una excelente salud comercial y cultural. 
El presente libro propone un trayecto de lectura (de los muchos posibles) del clasicismo cinematográfico, abordándolo como un modelo de práctica cinematográfica singularizada en el que convergen un canon estético-narrativo férreamente codificado y un preciso sistema de producción. Nuestro corpus de estudio se centra en la producción cinematográfica estadounidense entre 1930 y 1956, atravesando el período de mayor esplendor del sistema de estudios y el surgimiento de las escrituras manieristas durante la década de los cincuenta. Los autores elaboran una síntesis de la esencia del clasicismo cinematográfico en su configuración formal, narrativa, ideológica e industrial arquetípica a partir del análisis de una selección de cincuenta de sus títulos más representativos, mediante sus principales directores, géneros y enfoques ideológicos, al tiempo que se aspira a contrarrestar la extendida idea de homogeneidad del universo del cine clásico.
«Mientras crecíamos nos prometieron mochilas-cohete, y a cambio tenemos Instagram. Creo que esto es un fraude. Por eso me aferré con optimismo a la oportunidad de reiniciar el viaje». Esta frase de Jonathan Nolan, guionista de Interstellar, expresa la nostalgia por el sueño espacial de los años 70, compartida hoy con su hermano Christopher y con otros directores actuales de cine espacial. Se trata de un sentimiento vinculado al espíritu de aventura propio del sueño americano, a la carrera espacial y al imaginario de Hollywood difundido durante varias generaciones. Cuando se cumple medio siglo desde que Neil Armstrong pisara la Luna, se asiste a un renacimiento del cine de exploración espacial reflejado en recientes producciones de éxito: son títulos que han avivado el entusiasmo por la «conquista» del cosmos iniciada en los albores de la Guerra Fría y que, además, muestran el retrato actual del sueño americano. En Planeta Hollywood, Antonio Sánchez-Escalonilla realiza un apasionante recorrido por la filmografía de exploración espacial para analizar grandes clásicos y estrenos más recientes, desde Con destino a la Luna, 2001: una odisea del espacio y Apolo 13, hasta Interstellar, Gravity, Marte o First Man, atendiendo al contexto histórico y social en que fueron creados.
Asociado a la cultura juvenil surgida en Estados Unidos a raíz del boom económico posterior a la Segunda Guerra Mundial, el rock and roll se alió de inmediato con el cine. Se trataba de dos industrias basadas en el entretenimiento y enmarcadas en un contexto capitalista que estaban destinadas a entenderse. El cine contribuyó tanto a desactivar la inicial chispa rebelde del rock como a servirle de trampolín promocional, pero a lo largo de los sesenta años que dura su relación esa función propagandística inicial fue dando paso a una multiplicidad de miradas que trasciende géneros y categorizaciones.Sueños eléctricos reúne medio centenar de títulos esenciales para entender el estrecho vínculo entre cine y rock. Del salto a la pantalla de Elvis Presley a la revolución de The Beatles, del rockumental a la ópera rock, del sueño hippy de Woodstock a su abrupto finala lomos de los moteros de Easy Rider y del nihilismo punk a la fiesta sin fin de las raves.
Yasujiro Ozu en Japón, Robert Bresson en Francia, Carl Dreyer en Dinamarca y otros directores en diferentes países han configurado una forma cinematográfica que es común a todos ellos: el estilo trascendental. Aquí se analiza como el resultado de dos contingencias universales: el deseo del arte de expresar lo metafísico y el propio medio cinematográfico.
Entre 1895 i 1930 el cinema va ser mut. A finals del segle XIX, després de les primeres projeccions, artistes com Méliès van imaginar noves possibilitats per a aquell invent. A continuació, les pel·lícules de Sjöström o Griffith van donar-li cos artístic. I als anys 20, les obres de Fritz Lang, Eisenstein o Murnau van dur el cinema a nivells de perfecció insospitats. Aquest llibre repassa la progressió de l'època muda: des d'uns inicis on el cinema era un entreteniment fins a la irrupció de les primeres grans obres mestres.
He aquí una recopilación de trabajos periodísticos de Wim Wenders compuesta por textos y entrevistas aparecidos en su mayoría después de 1988. Además de reflexionar sobre su persona y su oficio, el cineasta aprovecha las conversaciones con periodistas y colegas como Jean-Luc Godard para afirmar su posición respecto al mundo que le rodea y explicar su relación con las personas, las ciudades y los paisajes. Wenders habla de su labor como guionista, de las posibilidades y peligros de las nuevas tecnologías de la imagen (vídeo, televisión de alta definición, etc.) y también de su condición de alemán, europeo y ciudadano del mundo. Con modestia y sencillez, Wenders intenta desentrañar el proceso de la percepción cinematográfica sirviéndose de ejemplos de películas suyas y de otros directores. Pero, de la misma manera que el cineasta alemán reivindica la fuerza de las imágenes, también es consciente de las dudas que planean sobre su propio medio, porque las imágenes no sólo son capaces de decir la verdad, sino también, y quizás en mayor medida, de mentir. Y el cine no se ha inventado para escapar del mundo, sino para remitirnos a él.
Ya situado en tiempos de la Gran Depresión o en los años de la Segunda Guerra Mundial, ya en otros posteriores, marcados por el miedo al apocalipsis atómico o a la caza de brujas de la Guerra Fría, EL CINE NEGRO es sin discusión uno de los géneros mayores de la historia del cine. A su grandeza han contribuido directores -Alfred Hitchcock, Fritz Lang, Raoul Walsh, Orson Welles, Samuel Fuller y John Huston-, obras de culto -El sueño eterno, La jungla de asfalto, La dama de Shanghai, Los sobornados, Laura, Callejón sin salida, Gilda- e iconos incontestables, como Lauren Bacall, Marlene Dietrich, Grace Kelly, Lana Turner, Rita Hayworth, Humphrey Bogart, James Cagney o Edward G. Robinson, entre otros. En el presente volumen, NOËL SIMSOLO, director, guionista e historiador del cine, nos ofrece una visión innovadora del género desde sus comienzos y señala sus límites inspirándose tanto en sus fuentes literarias como en las estrictamente cinematográficas.
El cine es, actualmente, la columna vertebralde una forma de expresión narrativa que tienesus orígenes en la literatura romántica del siglo XVIII,literatura que, lejos de estar obsoleta, es constantementecuestionada y renovada, interpretada y ampliadacon nuevas propuestas, como el terror gótico.Pesadillas en la oscuridad. El cine de terror góticopropone al lector un viaje a través de la intrincaday ya antigua relación entre la narrativa de terror góticay el séptimo arte, una relación que va más allá de su gustopor lo bizarro, por lo monstruoso, por lo extremo,a fin de representar la experiencia radical del hombrecuando descubre las tensiones existentes entre lo que cree sery lo que realmente es. Como expresión predominante de lo góticoen la cultura del siglo XX -por encima de la literatura, la músicao la moda-, el cine ha sabido ser flexible, provocativo,capaz de someterse a revisiones, perversiones e hibridacionesde toda índole. Pesadillas en la oscuridad. El cine de terror gótico abarca desde los famous monsters de Universal Pictureshasta personalidades creativas tan complejas como David Lynchy Tim Burton, pasando por el agresivo pictorialismo de Hammer Films,la poética macabra de Riccardo Freda y Mario Bava,o las últimas revisiones de mitos como Drácula, Frankensteino el Hombre Lobo, sin olvidar la pintura, la música, o las tribus urbanas... Pesadillas en la oscuridad. El cine de terror góticosupone, en definitiva, un viaje al lado oscuro del cine y del hombre,que todavía fascina a productores, realizadores y público. "Las historias de terror gótico, tanto en el cine como en la literatura, nos ayudan a distinguir algunos de nuestros más importantes deseos y ansiedades, desde los más interiores, mentales o espirituales, hasta los más amplios, de tipo social y cultural".Clive Barker"La atmosférica presencia de vetustas mansiones señoriales, de mohosos castillos, agrestes montañas, frondosos bosques y desolados páramos, siniestros cementerios y decrépitas ruinas... la rebelión del Mal contra el Bien, y aún más, la rebelión del Maldito, del Paria, hacia una sociedad, hacia un universo que lo ha condenado arbitrariamente a la infelicidad más absoluta; la presencia de seres demoníacos -«lo que no puede explicarse ni por la inteligencia ni por la razón», según comentó el poeta y dramaturgo alemán J. W. Goethe-, bien sean humanos o inhumanos; la presencia de damiselas en peligro; el gusto por lo macabro, lo violento, lo terrorífico, lo monstruoso; esa combinación de lo bello y lo grotesco de la que hablaba Victor Hugo, cuya hermosura extrema es capaz de llevar al espectador a un éxtasis más allá de su racionalidad... Todos estos elementos dramático-estéticos son la base para un movimiento fílmico como el cine de terror gótico, un género en constante renovación".Antonio José Navarro
Un viaje por el fascinante mundo de nuestra realizadora más internacional. Divididos en siete capítulos temáticos, sus artículos en prensa se acompañan de numerosas fotografías inéditas, trazando una especie de diario visual donde aparecen sus gustos, fetiches y pequeñas obsesiones: el cine, la música, la comida, los actores, Japón, París, la fotografía, los viajes. Un fascinante libro objeto.
Tomadas del álbum personal y familiar, y seleccionadas por su propio hijo, las imágenes de este libro muestran las facetas más íntimas de una de las actrices con mayor estilo y personalidad del cine del siglo XX. Considerada un icono de belleza, glamour y saber estar, AUDREY aparece aquí retratada en fotos de rodaje apenas publicadas, junto a otras directamente sacadas de su vida personal. Un libro que hará las delicias de sus numerosos fans.
Clint Eastwood estaba situado frente a tres especialistas. Tras él, cerca de la cámara, Sergio Leone. En el encuadre de la cámara, se veía en primer término la mano y cartuchera de Clint, y al fondo los tres pistoleros. Clint debía disparar y ellos caer muertos al suelo. Se rodaba en una de las localizaciones madrileñas muy frecuentadas por el western. Leone grita "Acción!" y Clint, dispara. Los tres especialistas caen al suelo. Sin embargo Leone no queda convencido. Él no ha escuchado tres disparos, tan sólo dos. Le dice a Clint que sólo ha disparado dos veces, y Clint, con parsimonia, contesta que ha disparado tres. El director ordena repetir el plano y se vuelve a montar la escena. "Clint, dispara!" grita nuevamente Leone. Y jura nuevamente escuchar únicamente dos disparos para tres muertos. En esta ocasión Clint, ya aburrido de la situación, abre el tambor del revólver y muestra la munición de fogueo. Efectivamente, había tres casquillos agujereados. Clint Eastwood hacía el tercer disparo tan rápido que se superponía con el sonido del anterior. Sin duda, el más rápido del oeste. Esta anécdota transcurre durante el rodaje de Por un puñado de dólares, la primera de las tres películas que conforman la llamada Trilogía del dólar de Leone. "Clint, dispara!. La Trilogía del dólar de Sergio Leone", este ameno y documentado libro que tienes en tus manos, repasa la gestación, rodaje y repercusión de Por un puñado de dólares, La muerte tenía un precio y El bueno, el feo y el malo, tres de los exponentes del género western más exitosos de la historia del cine.