Las películas son un testimonio de la sociedad de ayer y de hoy. Cuando evocan el pasado lo hacen desde el presente en el que fueron concebidas, del mismo modo en que los espectadores vivimos en presente las películas que vemos sobre el pasado. Además, cuando retratan el presente, al poco tiempo se transforman en pasado. Por tanto, una de las posibles maneras de entender el cine es verlo como un conjunto de documentos visuales que pueden transformar-se en testimonios históricos. Sin embargo, la diversidad es grande: las películas están producidas con intenciones muy diferentes y dirigidas a distintos sectores de público. Desde el noticiario informativo y la película documental hasta el filmde pura ficción,las obras que se dan cita en este libro se han transformado en el espejo de una época, ya que evidencian cómo eran las personas que participaron en ellas y la sociedad en la que nacieron.
La expresión Guerra Fría, popularizada en 1947 por el periodista Walter Lippmann, alude al prolongado conflicto que enfrentó a la Unión de Repúblicas Socialistas Soviéticas y a Estados Unidos por la hegemonía mundial. Una pugna que se libró en los frentes político, económico, científico, militar y cultural, donde el cine desempeñó un gran papel. Las películas, de los más variados géneros y estilos fueron el mejor medio de persuasión para inculcar al espectador un orden simbólico que justificase la ideología de cada superpotencia. Pero, también, desafiando a la censura, y gracias a sus sofisticadas formas narrativas e iconográficas, el cine plasmó de manera certera las tensiones sociales y políticas de toda una época, proporcionándonos un documento histórico de primer orden protagonizado por personajes tan diversos como Iósif Stalin, Ronald Reagan, Lev Kuleshov, Sylvester Stallone, Nikita Jruschov, Billy Wilder, Grigoriy Chukhray, John Wayne, Alfred Hitchcock, John Le Carré o Steven Spielberg.
Una película histórica permite aproximarse al acontecimiento, a los personajes y a los problemas de la época narrada, pero también supone una importante fuente de información acerca de la visión que tuvieron sobre ese hecho histórico las autoridades del país productor. A su vez, su éxito o fracaso en la taquilla dice mucho acerca de la sintonía entre la opinión pública y la oficial. En esta nueva edición revisada y actualizada, José María Caparrós Lera, profesor de la Universidad de Barcelona, demuestra cómo a través de " El Gatopardo " , " Lo que el viento se llevó " , " ¡Viva Zapata! " , " Octubre " , " Bienvenido Míster Marshall " o " Muerte de un ciclista " podemos saber más de la Unificación italiana, la Guerra de Secesión, la Revolución mexicana o la rusa, y la España rural o urbana del franquismo. Articuladas en veinticinco capítulos que abarcan desde la Revolución francesa hasta la Guerra de Vietnam -o lo que es lo mismo, desde " La Marsellesa " hasta " Apocalypse Now " - y acompañadas de los correspondientes fotogramas, cronologías y breves estudios sobre el contexto de la época, las " 100 películas sobre Historia Contemporánea " aquí recogidas constituyen un magnífico ejemplo de las inmensas posibilidades de la utilización del cine como medio de enseñanza de la historia.
¿Qué ocurre en el western cuando el héroe duda, cuestiona su acción, reflexiona, y la muerte y el tiempo empiezan a pesar sobre él? ¿Qué sucede cuando Shakespeare llega a Tombstone e irrumpe en el género? En torno a estas preguntas, puestas en imágenes de forma pregnante y bella en "My Darling Clementine" (1946), de John Ford, gravita el libro que el lector tiene entre las manos. Efectivamente, en "My Darling Clementine", la duda ontológica y ética (también existencial) por excelencia se hace presente para mostrar una transformación en el westerner tradicional, que vislumbra y asume el horizonte de lo trágico. A partir de esa brecha central se puede releer toda la historia del género: sus precedentes los primeros síntomas, vagos indicios, el proceso de transformación del héroe y del género y sus puntos extremos, liminares. Esa es la propuesta: Una historia del western hecha de imágenes que asumen y relanzan imágenes anteriores, que cargan con la historia y los espectros en ellas depositados, y que trabajan a partir de su resurgencia. El horizonte del western, entonces, serviría como modelo para entender una posible manera de leer los géneros cinematográficos. En ellos los cineastas trabajan a partir de unos códigos pero, si tienen algo que decir, deben operar en su fronteras, a partir de los límites posibles marcados, para reconfigurarlos, ampliarlos, extenderlos, forzarlos o destruirlos a cada vez. De esta manera se construye una historia del cine enraizada en una historia cultural, de las ideas y del imaginario, que entiende las imágenes no únicamente como documentos del pasado sino como entidades vivas, cargadas de secretos y zonas oscuras, que son pensadas de maneras distintas en cada período de la historia.
Un divertido y agitado viaje al gráfico, excesivo y delirante universo de esas películas de culto que han causado un gran impacto en la cultura popular. Esta exhaustiva y rigurosa obra de referencia es tanto una magnífica introducción para el novicio como una saludable inmersión nostálgica para el aficionado.
La idea de que una película sea capaz de inducir cambios en la realidad por medio de sus imágenes mágicas está en el corazón de la obra de cineastas experimentales como Maya Deren, Harry Smith y sobretodo Keneth Anger, seguidor de la filosofía mágika de Aleister Crowley. Mucho antes que estos creadores, los cineastas alemanes del periodo mudo, como Murnau, Lang, Henrik Galeen y otros ya habían empleado el montaje, como el mago usa los hechizos y abracadabras propios de su oficio, para dotar al cine de esa dimensión esotérica. Sus obras más famosas, Nosferatu (1922), Metrópolis (1927), El gabinete del Dr. Caligari (1920), El Golem (1920) o El estudiante de Praga (1926) son auténticas joyas malditas del cine que han dado lugar a numerosas especulaciones. Jesús Palacios, crítico y escritor sobradamente conocido por los aficionados al cine y la literatura de terror en nuestro país, escarba en este Hollywood maldito en una serie de películas «genuinamente» malditas aquellas que, no solo durante el rodaje sino a menudo tras su estreno, han provocado y se han visto rodeadas de fenómenos extraños, inexplicables y trágicos, centrándose en las más famosas e infames de la historia del cine en general y de Hollywood en particular. La erudición de Jesús Palacios nos desvelará que películas como Nosferatu, La semilla del diablo (1968), El exorcista (1973), La profecía (1976), Poltergeist (1982), o El cuervo (1994), cuya leyenda negra resulta estar en perfecta sintonía con sus contenidos, parecen tener sorprendentes e innegables conexiones entre ellas. El lector puede considerar este Hollywood maldito como una suerte de ampliación y actualización de aquel otro ensayo, Satán en Hollywood, publicado hace diecisiete años por la editorial Valdemar y germen de esta nueva obra.
Podemos entender mucho mejor las tecnologías, el cine entre ellas, conectándolas con su contexto histórico y con sus condicionantes económicos, políticos, sociales y culturales. Así, muchas películas, y sin duda las películas sobre tecnología, son espacios privilegiados para imaginar y entender tanto esos contextos como los miedos, las incertidumbres y las esperanzas sociales en un lugar y un momento histórico determinados, en relación a nociones tan importantes como el progreso de la humanidad y los futuros posibles. Este libro recoge 50 películas clave que propician la reflexiónsobre la tecnología existente (del presente o del pasado), que proponen una visión sobre el futuro a través de la tecnología (conectando la anticipación con la proyección de las preocupaciones sociales del presente) o que centran su mirada en el cine como tecnología. En su conjunto, todas esas películas forman un mosaico de historias sobre una de las historias más humanas posibles.
Decía Godard que el cine no es un arte que filme la vida, sino que está entre el arte y la vida, y ese puente entre los dos juegos de reglas queda paradigmáticamente representado por un género que, como el Anillo Único, puede gobernarlos a todos: el musical. Desde el mismísimo origen del cine sonoro, los musicales han sido esenciales para el séptimo arte. Han creado estrellas, levantado y hundido estudios, servido como impulso artístico y como mero espectáculo, se han pasado de moda y han resucitado. Pero, sobre todo, han dejado en sus espectadores un rastro de canciones y bailes que perdura mucho más allá del tiempo que pasan en la sala de proyección. Este libro incluye un repaso por la historia del cine musical occidental, explora los mecanismos particulares del género y analiza 50 películas que pueden explicar su evolución a través de las décadas. Como exclamaba Roy Scheider entre el arte y Bob Fosse: It's showtime!
mucho se ha escrito sobre el legendario nuevo hollywood de la década de los setenta, pero al tiempo que martin scorsese, steven spielberg y francis ford coppola rodaban sus primeros clásicos cinematográficos, un universo paralelo de cineastas alumbraba l
La presente obra se interroga sobre el fenómeno utópico y sobre la estela que ha dejado en el cine. Acuñado por Tomás Moro en 1516, el término " utopía " ha inspirado el arte, la literatura y la música occidentales de todo tiempo y lugar. El ensueño de la sociedad perfecta ha generado una poderosa fascinación sobre el imaginario colectivo, y esto justifica el interés que el cine ha mostrado por estos paisajes imaginarios, tanto en su vertiente positiva como en la negativa. A través de sus representaciones cinematográficas, este trabajo define el concepto de utopía y reconoce sus fronteras. Desde la República platónica hasta el Walden Dos de Skinner, y desde Shangri-La hasta Tomorrowland, el estudio aborda una completa historia de la utopía tal como ha sido modelada por el cine, pero asimismo traza una pequeña historia del cine a través de sus concepciones utópicas.
Al pensar en las estrellas de Hollywood, todos nos hacemos las mismas preguntas: ¿Se divorciarán Warren Beatty y Annette Bening? ¿Volverán Brad Pitt y Angelina Jolie? ¿Era Cary Grant homosexual o bisexual? ¿Abusó realmente Woody Allen de su hija adoptiva, como sostenía Mia Farrow? ¿Por qué Tom Cruise parece abducido por la iglesia de la cienciología y, lo más importante, qué opinaba de ello Nicole Kidman? ¿Qué tenía Mercedes Acosta para que Greta Garbo y Marlene Dietrich se fijaran en ella? Esta es la historia de diez romances de Hollywood, contada de tal forma que podáis usarla como tema de conversación en la próxima cita a ciegas que tengáis, que seguramente precederá a vuestra próxima relación y a la consiguiente ruptura tormentosa. Que no se diga con este libro que no creemos en el amor. «A Mia Farrow le encantaría cruzar el Amazonas en canoa o subir al monte Kilimanjaro y yo no me acercaría en la vida a ninguno de esos sitios. Ha criado a nueve hijos sin ningún trauma y nunca ha tenido un termómetro en casa, mientras que yo me tengo que tomar la temperatura cada dos horas». Woody Allen ¿Qué llevó a Tom Cruise a romper de manera súbita su matrimonio de diez años con Nicole Kidman? ¿Y a qué aludía con su posterior declaración a la prensa?: «Ella sabe por qué». La historia del cine de Hollywood es también la historia de sus romances más sonados. Una historia envuelta en misterios y secretos de toda índole, que Mario Parra desvela en este libro con oficio e ironía.
El País del Sol Naciente ha ejercido un poder seductor sobre Occidente. Desde hace más de cuatrocientos años, se han sucedido encuentros y desencuentros, pero siempre caracterizados por un halo de fascinación, en ocasiones casi hipnótica. Sin embargo, muchas veces esta fascinación ha propiciado la aparición de tópicos que han dificultado el entendimiento de la cultura japonesa. Así, dentro del imaginario colectivo, Japón ha quedado reducido a geishas, samuráis y pagodas. Pero Japón es mucho más. Es una cultura compleja, que esconde mucho más de lo que se percibe a simple vista, y que hay que saber mirar. La singularidad de Japón ha quedado reflejada a través de las cincuenta películas que presentamos, que no son otra cosa más que una selección de títulos que recomponen, muy sucintamente, la historia de un país, de una cultura y de una cinematografía.
Cine y navegación. Los 7 mares en 70 películas es un libro que une las dos profesiones de su autor, Fernando de Cea: la de marino y la de crítico de cine. Contiene una selección de reseñas de las mejores películas sobre navegación, con comentarios, datos históricos y curiosidades propias del entorno marítimo. Una obra que gustará a los aficionados al cine y a la historia, pero que también atraerá enormemente a quienes les interese todo lo relacionado con la mar. Un trabajo actual que aborda cintas clásicas y modernas; películas que van desde El capitán Blood, El motín del Caine o Capitanes intrépidos hasta Piratas del Caribe, Capitán Phillips o Master and Commander. Centrado en 70 de las cintas más representativas del género, pero con referencias a más de 500 películas. Una obra tan original que apenas existen libros publicados sobre el tema y, desde luego, ningún ensayo tan riguroso, ameno y documentado como el que ahora se brinda al lector. «El cine ha expresado su fascinación por todo lo que tiene que ver con la mar y los océanos, tal como demuestran los cientos de películas que han tratado el tema desde los comienzos del cinematógrafo hasta nuestros días. No es de extrañar que un medio de divulgación tan popular como el cine se encargue de dar a conocer los secretos que esconde un ámbito tan desconocido como la mar. Que una fábrica de sueños ofrezca al espectador, que se encuentra a salvo, sentado cómodamente en su butaca, la posibilidad de ser partícipe de aventuras, de ser testigo de la historia o de sufrir calamidades navegando virtualmente por el océano».
Respuestas cinematográficas a la crisis económica española en el siglo XXI es un volumen que recoge estudios críticos sobre la representación fílmica de la reciente crisis económica en España y Latinoamérica. Los ensayos examinan el impacto social de la recesión financiera desde distintos aspectos, como la burbuja inmobiliaria y la especulación, los desahucios, el desempleo, la inmigración y la emigración forzada, así como la crisis de identidad que afecta no solo a los jóvenes, sino a la sociedad española en su conjunto. Dicha temática se analiza a través de diversos formatos (largometrajes, cortometrajes y documentales) para invitar al lector a la reflexión y a posibles nuevos replanteamientos de las estructuras político-sociales vigentes.
Descubra todo lo que siempre quiso saber de la película que cambió el cine. Esta impresionante perspectiva entre bambalinas de 2001: Una odisea en el espacio ayuda a conocer mejor a los actores principales, diseñadores de producción y expertos en efectos especiales que, junto a la prodigiosa mente de Stanley Kubrick y Arthur C. Clarke, revolucionaron el género de ciencia-ficción y el arte del cine.Disponible hasta el momento como parte de la exitosa edición de coleccionista de varios volúmenes, esta completa recopilación gráfica incluye fotografías tomadas delante y detrás de las cámaras, bocetos, diseños de decorados y material publicitario de los archivos de Kubrick. Este asombroso material visual, con numerosos desplegables, desvela los meticulosos métodos de dirección de Kubrick, además de los misterios y el magnetismo de una película enorme en su alcance y compleja en su interés humano.Escrita y documentada durante varios años por Piers Bizony, periodista especializado en tecnología, efectos especiales y espacio exterior, esta completa recopilación es una gran muestra de amor y un homenaje a una obra maestra de la cultura del siglo xx.
Las películas son un testimonio de la sociedad de ayer y de hoy. Cuando evocan el pasado lo hacen desde el presente en el que fueron concebidas, del mismo modo en que los espectadores vivimos en presente las películas que vemos sobre el pasado. Además, cuando retratan el presente, al poco tiempo se transforman en pasado. Por tanto, una de las posibles maneras de entender el cine es verlo como un conjunto de documentos visuales que pueden transformar-se en testimonios históricos. Sin embargo, la diversidad es grande: las películas están producidas con intenciones muy diferentes y dirigidas a distintos sectores de público. Desde el noticiario informativo y la película documental hasta el filmde pura ficción,las obras que se dan cita en este libro se han transformado en el espejo de una época, ya que evidencian cómo eran las personas que participaron en ellas y la sociedad en la que nacieron.
La expresión Guerra Fría, popularizada en 1947 por el periodista Walter Lippmann, alude al prolongado conflicto que enfrentó a la Unión de Repúblicas Socialistas Soviéticas y a Estados Unidos por la hegemonía mundial. Una pugna que se libró en los frentes político, económico, científico, militar y cultural, donde el cine desempeñó un gran papel. Las películas, de los más variados géneros y estilos fueron el mejor medio de persuasión para inculcar al espectador un orden simbólico que justificase la ideología de cada superpotencia. Pero, también, desafiando a la censura, y gracias a sus sofisticadas formas narrativas e iconográficas, el cine plasmó de manera certera las tensiones sociales y políticas de toda una época, proporcionándonos un documento histórico de primer orden protagonizado por personajes tan diversos como Iósif Stalin, Ronald Reagan, Lev Kuleshov, Sylvester Stallone, Nikita Jruschov, Billy Wilder, Grigoriy Chukhray, John Wayne, Alfred Hitchcock, John Le Carré o Steven Spielberg.
Una película histórica permite aproximarse al acontecimiento, a los personajes y a los problemas de la época narrada, pero también supone una importante fuente de información acerca de la visión que tuvieron sobre ese hecho histórico las autoridades del país productor. A su vez, su éxito o fracaso en la taquilla dice mucho acerca de la sintonía entre la opinión pública y la oficial. En esta nueva edición revisada y actualizada, José María Caparrós Lera, profesor de la Universidad de Barcelona, demuestra cómo a través de " El Gatopardo " , " Lo que el viento se llevó " , " ¡Viva Zapata! " , " Octubre " , " Bienvenido Míster Marshall " o " Muerte de un ciclista " podemos saber más de la Unificación italiana, la Guerra de Secesión, la Revolución mexicana o la rusa, y la España rural o urbana del franquismo. Articuladas en veinticinco capítulos que abarcan desde la Revolución francesa hasta la Guerra de Vietnam -o lo que es lo mismo, desde " La Marsellesa " hasta " Apocalypse Now " - y acompañadas de los correspondientes fotogramas, cronologías y breves estudios sobre el contexto de la época, las " 100 películas sobre Historia Contemporánea " aquí recogidas constituyen un magnífico ejemplo de las inmensas posibilidades de la utilización del cine como medio de enseñanza de la historia.
¿Qué ocurre en el western cuando el héroe duda, cuestiona su acción, reflexiona, y la muerte y el tiempo empiezan a pesar sobre él? ¿Qué sucede cuando Shakespeare llega a Tombstone e irrumpe en el género? En torno a estas preguntas, puestas en imágenes de forma pregnante y bella en "My Darling Clementine" (1946), de John Ford, gravita el libro que el lector tiene entre las manos. Efectivamente, en "My Darling Clementine", la duda ontológica y ética (también existencial) por excelencia se hace presente para mostrar una transformación en el westerner tradicional, que vislumbra y asume el horizonte de lo trágico. A partir de esa brecha central se puede releer toda la historia del género: sus precedentes los primeros síntomas, vagos indicios, el proceso de transformación del héroe y del género y sus puntos extremos, liminares. Esa es la propuesta: Una historia del western hecha de imágenes que asumen y relanzan imágenes anteriores, que cargan con la historia y los espectros en ellas depositados, y que trabajan a partir de su resurgencia. El horizonte del western, entonces, serviría como modelo para entender una posible manera de leer los géneros cinematográficos. En ellos los cineastas trabajan a partir de unos códigos pero, si tienen algo que decir, deben operar en su fronteras, a partir de los límites posibles marcados, para reconfigurarlos, ampliarlos, extenderlos, forzarlos o destruirlos a cada vez. De esta manera se construye una historia del cine enraizada en una historia cultural, de las ideas y del imaginario, que entiende las imágenes no únicamente como documentos del pasado sino como entidades vivas, cargadas de secretos y zonas oscuras, que son pensadas de maneras distintas en cada período de la historia.
Un divertido y agitado viaje al gráfico, excesivo y delirante universo de esas películas de culto que han causado un gran impacto en la cultura popular. Esta exhaustiva y rigurosa obra de referencia es tanto una magnífica introducción para el novicio como una saludable inmersión nostálgica para el aficionado.
La idea de que una película sea capaz de inducir cambios en la realidad por medio de sus imágenes mágicas está en el corazón de la obra de cineastas experimentales como Maya Deren, Harry Smith y sobretodo Keneth Anger, seguidor de la filosofía mágika de Aleister Crowley. Mucho antes que estos creadores, los cineastas alemanes del periodo mudo, como Murnau, Lang, Henrik Galeen y otros ya habían empleado el montaje, como el mago usa los hechizos y abracadabras propios de su oficio, para dotar al cine de esa dimensión esotérica. Sus obras más famosas, Nosferatu (1922), Metrópolis (1927), El gabinete del Dr. Caligari (1920), El Golem (1920) o El estudiante de Praga (1926) son auténticas joyas malditas del cine que han dado lugar a numerosas especulaciones. Jesús Palacios, crítico y escritor sobradamente conocido por los aficionados al cine y la literatura de terror en nuestro país, escarba en este Hollywood maldito en una serie de películas «genuinamente» malditas aquellas que, no solo durante el rodaje sino a menudo tras su estreno, han provocado y se han visto rodeadas de fenómenos extraños, inexplicables y trágicos, centrándose en las más famosas e infames de la historia del cine en general y de Hollywood en particular. La erudición de Jesús Palacios nos desvelará que películas como Nosferatu, La semilla del diablo (1968), El exorcista (1973), La profecía (1976), Poltergeist (1982), o El cuervo (1994), cuya leyenda negra resulta estar en perfecta sintonía con sus contenidos, parecen tener sorprendentes e innegables conexiones entre ellas. El lector puede considerar este Hollywood maldito como una suerte de ampliación y actualización de aquel otro ensayo, Satán en Hollywood, publicado hace diecisiete años por la editorial Valdemar y germen de esta nueva obra.
Podemos entender mucho mejor las tecnologías, el cine entre ellas, conectándolas con su contexto histórico y con sus condicionantes económicos, políticos, sociales y culturales. Así, muchas películas, y sin duda las películas sobre tecnología, son espacios privilegiados para imaginar y entender tanto esos contextos como los miedos, las incertidumbres y las esperanzas sociales en un lugar y un momento histórico determinados, en relación a nociones tan importantes como el progreso de la humanidad y los futuros posibles. Este libro recoge 50 películas clave que propician la reflexiónsobre la tecnología existente (del presente o del pasado), que proponen una visión sobre el futuro a través de la tecnología (conectando la anticipación con la proyección de las preocupaciones sociales del presente) o que centran su mirada en el cine como tecnología. En su conjunto, todas esas películas forman un mosaico de historias sobre una de las historias más humanas posibles.
Decía Godard que el cine no es un arte que filme la vida, sino que está entre el arte y la vida, y ese puente entre los dos juegos de reglas queda paradigmáticamente representado por un género que, como el Anillo Único, puede gobernarlos a todos: el musical. Desde el mismísimo origen del cine sonoro, los musicales han sido esenciales para el séptimo arte. Han creado estrellas, levantado y hundido estudios, servido como impulso artístico y como mero espectáculo, se han pasado de moda y han resucitado. Pero, sobre todo, han dejado en sus espectadores un rastro de canciones y bailes que perdura mucho más allá del tiempo que pasan en la sala de proyección. Este libro incluye un repaso por la historia del cine musical occidental, explora los mecanismos particulares del género y analiza 50 películas que pueden explicar su evolución a través de las décadas. Como exclamaba Roy Scheider entre el arte y Bob Fosse: It's showtime!
mucho se ha escrito sobre el legendario nuevo hollywood de la década de los setenta, pero al tiempo que martin scorsese, steven spielberg y francis ford coppola rodaban sus primeros clásicos cinematográficos, un universo paralelo de cineastas alumbraba l
La presente obra se interroga sobre el fenómeno utópico y sobre la estela que ha dejado en el cine. Acuñado por Tomás Moro en 1516, el término " utopía " ha inspirado el arte, la literatura y la música occidentales de todo tiempo y lugar. El ensueño de la sociedad perfecta ha generado una poderosa fascinación sobre el imaginario colectivo, y esto justifica el interés que el cine ha mostrado por estos paisajes imaginarios, tanto en su vertiente positiva como en la negativa. A través de sus representaciones cinematográficas, este trabajo define el concepto de utopía y reconoce sus fronteras. Desde la República platónica hasta el Walden Dos de Skinner, y desde Shangri-La hasta Tomorrowland, el estudio aborda una completa historia de la utopía tal como ha sido modelada por el cine, pero asimismo traza una pequeña historia del cine a través de sus concepciones utópicas.
Al pensar en las estrellas de Hollywood, todos nos hacemos las mismas preguntas: ¿Se divorciarán Warren Beatty y Annette Bening? ¿Volverán Brad Pitt y Angelina Jolie? ¿Era Cary Grant homosexual o bisexual? ¿Abusó realmente Woody Allen de su hija adoptiva, como sostenía Mia Farrow? ¿Por qué Tom Cruise parece abducido por la iglesia de la cienciología y, lo más importante, qué opinaba de ello Nicole Kidman? ¿Qué tenía Mercedes Acosta para que Greta Garbo y Marlene Dietrich se fijaran en ella? Esta es la historia de diez romances de Hollywood, contada de tal forma que podáis usarla como tema de conversación en la próxima cita a ciegas que tengáis, que seguramente precederá a vuestra próxima relación y a la consiguiente ruptura tormentosa. Que no se diga con este libro que no creemos en el amor. «A Mia Farrow le encantaría cruzar el Amazonas en canoa o subir al monte Kilimanjaro y yo no me acercaría en la vida a ninguno de esos sitios. Ha criado a nueve hijos sin ningún trauma y nunca ha tenido un termómetro en casa, mientras que yo me tengo que tomar la temperatura cada dos horas». Woody Allen ¿Qué llevó a Tom Cruise a romper de manera súbita su matrimonio de diez años con Nicole Kidman? ¿Y a qué aludía con su posterior declaración a la prensa?: «Ella sabe por qué». La historia del cine de Hollywood es también la historia de sus romances más sonados. Una historia envuelta en misterios y secretos de toda índole, que Mario Parra desvela en este libro con oficio e ironía.
El País del Sol Naciente ha ejercido un poder seductor sobre Occidente. Desde hace más de cuatrocientos años, se han sucedido encuentros y desencuentros, pero siempre caracterizados por un halo de fascinación, en ocasiones casi hipnótica. Sin embargo, muchas veces esta fascinación ha propiciado la aparición de tópicos que han dificultado el entendimiento de la cultura japonesa. Así, dentro del imaginario colectivo, Japón ha quedado reducido a geishas, samuráis y pagodas. Pero Japón es mucho más. Es una cultura compleja, que esconde mucho más de lo que se percibe a simple vista, y que hay que saber mirar. La singularidad de Japón ha quedado reflejada a través de las cincuenta películas que presentamos, que no son otra cosa más que una selección de títulos que recomponen, muy sucintamente, la historia de un país, de una cultura y de una cinematografía.
Cine y navegación. Los 7 mares en 70 películas es un libro que une las dos profesiones de su autor, Fernando de Cea: la de marino y la de crítico de cine. Contiene una selección de reseñas de las mejores películas sobre navegación, con comentarios, datos históricos y curiosidades propias del entorno marítimo. Una obra que gustará a los aficionados al cine y a la historia, pero que también atraerá enormemente a quienes les interese todo lo relacionado con la mar. Un trabajo actual que aborda cintas clásicas y modernas; películas que van desde El capitán Blood, El motín del Caine o Capitanes intrépidos hasta Piratas del Caribe, Capitán Phillips o Master and Commander. Centrado en 70 de las cintas más representativas del género, pero con referencias a más de 500 películas. Una obra tan original que apenas existen libros publicados sobre el tema y, desde luego, ningún ensayo tan riguroso, ameno y documentado como el que ahora se brinda al lector. «El cine ha expresado su fascinación por todo lo que tiene que ver con la mar y los océanos, tal como demuestran los cientos de películas que han tratado el tema desde los comienzos del cinematógrafo hasta nuestros días. No es de extrañar que un medio de divulgación tan popular como el cine se encargue de dar a conocer los secretos que esconde un ámbito tan desconocido como la mar. Que una fábrica de sueños ofrezca al espectador, que se encuentra a salvo, sentado cómodamente en su butaca, la posibilidad de ser partícipe de aventuras, de ser testigo de la historia o de sufrir calamidades navegando virtualmente por el océano».
Respuestas cinematográficas a la crisis económica española en el siglo XXI es un volumen que recoge estudios críticos sobre la representación fílmica de la reciente crisis económica en España y Latinoamérica. Los ensayos examinan el impacto social de la recesión financiera desde distintos aspectos, como la burbuja inmobiliaria y la especulación, los desahucios, el desempleo, la inmigración y la emigración forzada, así como la crisis de identidad que afecta no solo a los jóvenes, sino a la sociedad española en su conjunto. Dicha temática se analiza a través de diversos formatos (largometrajes, cortometrajes y documentales) para invitar al lector a la reflexión y a posibles nuevos replanteamientos de las estructuras político-sociales vigentes.
Descubra todo lo que siempre quiso saber de la película que cambió el cine. Esta impresionante perspectiva entre bambalinas de 2001: Una odisea en el espacio ayuda a conocer mejor a los actores principales, diseñadores de producción y expertos en efectos especiales que, junto a la prodigiosa mente de Stanley Kubrick y Arthur C. Clarke, revolucionaron el género de ciencia-ficción y el arte del cine.Disponible hasta el momento como parte de la exitosa edición de coleccionista de varios volúmenes, esta completa recopilación gráfica incluye fotografías tomadas delante y detrás de las cámaras, bocetos, diseños de decorados y material publicitario de los archivos de Kubrick. Este asombroso material visual, con numerosos desplegables, desvela los meticulosos métodos de dirección de Kubrick, además de los misterios y el magnetismo de una película enorme en su alcance y compleja en su interés humano.Escrita y documentada durante varios años por Piers Bizony, periodista especializado en tecnología, efectos especiales y espacio exterior, esta completa recopilación es una gran muestra de amor y un homenaje a una obra maestra de la cultura del siglo xx.