Un regalo para los sentidos en un libro que hará las delicias de los aficionados a la pintura, pues contiene hasta mil obras maestras en un recorrido fascinante por la historia del arte con reproducciones de cada cuadro y textos aclaratorios.
Este catálogo publicado con motivo de la exposición Bruce Conner. Todo es cierto revisa la trayectoria y el impacto de una figura peculiar. Conner (1933-2008) está considerado como uno de los artistas más importantes de la escena underground norteamericana de la segunda mitad del siglo XX. Lo periférico en Conner no parece ser solo consecuencia de una postura estética determinada, sino la gran premisa conceptual de su obra: el hábitat natural donde intenta establecerse moral y políticamente.Ocho años después de su muerte, el Museo Reina Sofía ha trabajado en estrecha colaboración con el San Francisco Museum of Modern Art para presentar en Madrid esta exposición, que brinda al espectador la posibilidad de acercarse a la obra de Conner a través del assemblage, el dibujo, la pintura, el collage, la fotografía o el cine.
A través de su estilo decorativo inconfundible, el artista checo y maestro del art nouveau Alfons Mucha (1860-1939) definió la estética de fin de siglo. Sus sugerentes composiciones de motivos ornamentales, flores y bellas mujeres de evocadoras tonalidades melocotón, oro, ocre y oliva se convirtieron en paradigmas de los años de la Belle Époque.La obra de Mucha dejó su impronta en las ilustraciones, los carteles, las postales y los anuncios de su época. Sus llamativos carteles de la actriz Sarah Bernhardt se hicieron especialmente famosos. Junto a su delicada obra decorativa, Mucha también enarboló fuertes convicciones políticas. A través de su monumental ciclo Epopeya eslava expresó su apoyo incondicional al paneslavismo, que propugnaba la independencia política de las naciones checa y eslava del Imperio austrohúngaro.Este libro, realizado con la colaboración de la Fundación Mucha, ilustra las obras principales y presenta todas las facetas artísticas de Mucha, desde motivos decorativos hasta ilustraciones de libros, pasando por carteles, fotografías y pinturas monumentales.
Leonardo da Vinci (1452-1519), que llenó un cuaderno tras otro con bosquejos, inventos y teorías, no solo es uno de los dibujantes más excepcionales de la historia del arte, sino también un genio y un visionario que anticipó algunos de los mayores descubrimientos del progreso humano, en ocasiones siglos antes de su realización material.Desde las arterias más pequeñas del corazón humano hasta las remotas constelaciones del universo, Leonardo comprendió que la naturaleza y la ciencia estaban inequívocamente conectadas. Sus campos de investigación y su inventiva abarcaban la filosofía, la anatomía, la geología y las matemáticas, desde las leyes de la óptica, la gravitación, el calor y la luz hasta la construcción de una máquina voladora.Leonardo llevó la pintura más allá de la Edad Media con obras como La última cena y la famosísima La Gioconda (o la Mona Lisa), al representar no solo la apariencia física, sino también una cautivadora profundidad e intriga psicológica que continúan atrayendo a multitud de visitantes a París, Milán, Washington, Londres y Roma fascinados por estas obras maestras.Este libro ofrece una recopilación de las obras más destacadas de Leonardo, un genio de una curiosidad infinita, una imaginación febril y una capacidad artística sublime del que a menudo se ha dicho que «no tenía suficientes mundos para conquistar ni suficientes vidas para vivir» (Alan Woods).
¿Por qué hubo tantos artistas suicidas, desde el Renacimiento al siglo XX? ¿Qué llevó a muchos creadores a autorretratarse de forma obsesiva, anticipándose en siglos al selfie del siglo XXI? ¿Qué redes sociales hubieran empleado los pintores del Barroco si hubieran vivido en nuestros días? ¿Por qué creó rechazo la representación del vello púbico femenino en milenios de historia? ¿Qué provoca el repudio de una obra de arte en un determinado contexto histórico y provoca su triunfo en un periodo posterior? ¿Qué mueve a alguien a atentar contra un cuadro o una escultura? ¿Por qué se silenciaron las facetas escabrosas de muchos creadores, sus tendencias violentas, sus engaños? ¿Qué impidió la representación de la realidad cuando se levantaba la bandera del decoro, ignorándose que Cristo fue crucificado desnudo, o que tuvo una infancia como la de otros niños? ¿Cuándo murió el arte? ¿Con el inodoro de Marcel Duchamp? ¿O con las heces enlatadas de Manzoni? La historia del Arte oculta numerosos aspectos, hechos omitidos y detalles silenciados que configuran esta enciclopedia paralela, en la que tienen cabida las mujeres olvidadas durante siglos, las enfermedades que sufrieron los creadores, o las mil y una circunstancias que suelen pasar desapercibidas en manuales que siguen manteniendo una concepción decimonónica, académica y parcial, del estudio del arte.
Hundiendo sus raíces en la tradición de la Antigüedad y del Renacimiento, Auguste Rodin (1840-1917) abrió el camino de la escultura moderna. Desde muy temprano se interesó en el movimiento, la expresión corporal, la influencia del azar y el atractivo de lo inacabado. Fueron estos elementos los que dieron forma y sensación de vida a obras tan famosas como El beso o El pensador. Elaborado en colaboración con el Musée Rodin, esta introducción de la serie Basic Art 2.0 de TASCHEN examina los años de formación de Rodin y las etapas clave de su carrera. Repasa la génesis de sus esculturas y monumentos desde los puntos de vista histórico y estético, y arroja luz sobre los vínculos entre sus diferentes obras. El lector se familiariza con las ideas del artista y su sistema de trabajo en el estudio: el modelado en arcilla, el paso del yeso al bronce o mármol, la ampliación de las formas y la composición de conjuntos, así como con la profunda sensualidad de sus dibujos eróticos.Rodin ha sido una fuente inagotable de inspiración para las generaciones que le siguieron. Su obra incorporó la innovación y la transgresión, pero sobre todo una pasión sin igual por trabajar con modelos reales y capturar la verdad de las formas y de la experiencia humana. Una edición bellamente ilustrada con textos de François Blanchetière que nos invita a descubrir, y a redescubrir, un legado de valor incalculable.
¿Vidente o alquimista, surrealista o moralista, católico o hereje, holandés o flamenco? Quinientos años después de la muerte de El Bosco en 1516 seguimos sin saber quién era Jheronimus Bosch, ni siquiera estamos seguros de su nombre. Y pese a ello, la obra de este mítico pintor sigue despertando admiración y asombro, al tiempo que se suceden las publicaciones de historiadores del arte, novelistas, teólogos, filólogos, psicólogos y filósofos que intentan explicarla. Durante la larga andadura previa a la exposición del V Centenario de Bosch en el Museo del Prado de Madrid, Henk Boom ha seguido el rastro de todas esas interpretaciones y controversias, y a través de diversas entrevistas y el estudio de archivos nos descubre una extraña historia rodeada de mística y misterio. Una controversia que acompaña a El Bosco desde hace ya cinco siglos.
Si el lector entra en la red y busca la palabra "Goya", se encontrará con más de doscientos títulos vivos en las más diversas lenguas sobre la obra del que muchos críticos consideran el primer pintor moderno. Entonces, ¿porqué este libro? ¿Otro más? No. El texto de Fred Licht, que presentamos aquí en estrecha relación con las ilustraciones seleccionadas de Goya y de sus referencias pictóricas, fue publicado en Estados Unidos hace más de veinte años. Naturalmente, esta versión nuestra está corregida y actualizada por el autor, tanto en lo que se refiere al texto como a las ilustraciones. Pero lo verdaderamente nuevo y atractivo de esta edición es la tesis que Licht nos ofrece en el capítulo "Goya en la tradición española", tesis que va a contracorriente de l os tópicos al uso: que Goya fue el primer artista moderno precisamente por sus raíces hispánicas, por español, por lo que tiene de específico y destiento la historia del Arte español, en la cual Licht se nos revela como un auténtico maestro. Como uno de esos grandes hispanistas anglosajones que nos han enseñado -y nos siguen enseñando- a nosotros, españoles, cosas acerca de nosotros mismos que nosotros, por un buen mazo de complejos histórico-culturales, no nos atrevemos a decir de nuestra historia. Un texto así requería un libro así.
El Bosco ya era famoso en su tiempo por sus pinturas y creaciones fantásticas. Hoy en día se ha convertido en sinónimo de imágenes fantasmagóricas. Y a la hora de interpretar sus enigmáticas pinturas algunos remiten al simbolismo de la alquimia o sugieren la pertenencia a cultos paganos secretos. Otros tratan de entender sus mundos visuales a través de explicaciones exotéricas mientras que algunos otros intentan decodificarlos a través de métodos de psicología y de psicoanálisis. La vida y el trabajo de El Bosco están excepcionalmente bien documentadas. En este libro, Nils Büttner recorre la trayectoria de un pintor que trabajó para los círculos más altos de nobles y cortesanos y analiza su obra en el contexto de la cultura contemporánea. Este trabajo nuevo y concienzudo se publica en el quinto centenario de la muerte de El Bosco.
Con sus escaleras imposibles o sus mosaicos hechos de pájaros, el artista holandés M.C. Escher (1898-1972) creó un lenguaje gráfico único de rompecabezas, patrones singulares y pautas matemáticas. Denso, complejo y construido sobre principios intrincados, su trabajo, decorativo y lúdico al mismo tiempo, juega continuamente con las ilusiones ópticas y las limitaciones de la percepción sensorial. Para matemáticos y científicos, Escher fue un genio. Para los hippies, un pionero del arte psicodélico.Nacido en Leeuwarden (Holanda) en 1898, las primeras obras de Escher se centraron en la naturaleza y los paisajes, que expuso regularmente en Holanda y con las que obtuvo un cierto reconocimiento internacional. Sin embargo, fue durante un viaje al palacio de la Alhambra, en Granada (España), en la década de 1920, cuando Escher encontró el camino a seguir. Dibujando los motivos decorativos nazaríes, Escher quedó cautivado por la composición e interdependencia de sus formas.Trabajando principalmente con litografías y xilografías, Escher pasó a explorar la relación entre forma, figura y espacio con un entusiasmo casi obsesivo. Se recreaba en los puntos de vista peculiares, la variedad de perspectivas, en la transición de la bidimensionalidad del papel al volumen ilusorio y en intricados rompecabezas matemáticos, como la cinta de Moebius, un bucle aparentemente infinito que se retuerce y vuelve sobre sí mismo en una contorsión de imposibilidad física.Este libro introductorio de la serie Basic Art 2.0 de TASCHEN se adentra en la brillante mente de Escher a través de sus obras clave, fruto de su continua investigación acerca de la imagen y la percepción. En el camino esperan peces mutando en pájaros, lagartijas que parecen escaparse de la página, reflexiones magistrales, laberintos infinitos y algunas de las imágenes más alucinantes del arte del siglo XX.
Comparta y envíe el sensual y brillante arte de Gustav Klimt con esta colección de 25 tarjetas postales ilustradas con obras como el icónico Retrato de Adele Bloch-Bauer I o El beso.
Héroe rebelde del expresionismo abstracto, Jackson Pollock (1912-1956) iluminó a lo largo de su vida el panorama artístico de Estados Unidos cual pirotécnico. Canalizando ideas de fuentes tan dispares como Picasso y el surrealismo mexicano, rechazó las convenciones existentes en aras de concebir un modo personal de mirar, interpretar y expresarse.Las obras más famosas de Pollock son sus pinturas realizadas mediante la técnica del dripping, en la que dejaba gotear y vertía pintura esmaltada sobre el lienzo sirviéndose de instrumentos variopintos, desde palos a jeringas, pasando por pinceles endurecidos y hasta fragmentos de cristal. Las salpicaduras resultantes rebosan energía y sustituyen el refinamiento del caballete y el pincel por algo, en conjunto, más inmediato, vívido y físico. Para evitar que el espectador buscara elementos figurativos en sus lienzos, Pollock optó por no titularlos y simplemente los identificaba de manera neutral con un número.Conocido por ser un hombre huraño y volátil que batallaba con el alcoholismo, casado con la también artista expresionista abstracta Lee Krasner, Pollock, que falleció en un accidente de coche cuando sólo tenía 44 años, es un fascinante referente creativo y un pionero del arte. Esta introducción esencial sobre el artista explora tanto su trabajo como su fama para entender el valor de algunas de las que ya son obras maestras esenciales en la historia moderna y su condición de icono cultural.
Picasso dijo de Dalí que era "un motor fueraborda que nunca deja de funcionar". El propio Dalí se creía a sí mismo un genio, con derecho a llevar a la práctica cuantas locuras le venían a la cabeza. Pintor, escultor, escritor, cineasta, Salvador Dalí (1904-1989) fue uno de los grandes exhibicionistas y excéntricos del siglo XX, y la polémica le acompañó siempre dondequiera que se encontrase. Fue uno de los primeros en aplicar los postulados de Sigmund Freud y el psicoanálisis a la pintura, abordando para ello el subconsciente con una sensibilidad y una imaginación extraordinarias.Este volumen recoge el conjunto de la obra pictórica de Salvador Dalí. Tras muchos años de investigación, Robert Descharnes y Gilles Néret han conseguido por fin dar con todos los cuadros del prolífico artista. Muchas de las obras resultaron inaccesibles durante años; tantas, en realidad, que casi la mitad de las obras que ilustran el libro apenas se conocen.
Un regalo para los sentidos en un libro que hará las delicias de los aficionados a la pintura, pues contiene hasta mil obras maestras en un recorrido fascinante por la historia del arte con reproducciones de cada cuadro y textos aclaratorios.
Este catálogo publicado con motivo de la exposición Bruce Conner. Todo es cierto revisa la trayectoria y el impacto de una figura peculiar. Conner (1933-2008) está considerado como uno de los artistas más importantes de la escena underground norteamericana de la segunda mitad del siglo XX. Lo periférico en Conner no parece ser solo consecuencia de una postura estética determinada, sino la gran premisa conceptual de su obra: el hábitat natural donde intenta establecerse moral y políticamente.Ocho años después de su muerte, el Museo Reina Sofía ha trabajado en estrecha colaboración con el San Francisco Museum of Modern Art para presentar en Madrid esta exposición, que brinda al espectador la posibilidad de acercarse a la obra de Conner a través del assemblage, el dibujo, la pintura, el collage, la fotografía o el cine.
A través de su estilo decorativo inconfundible, el artista checo y maestro del art nouveau Alfons Mucha (1860-1939) definió la estética de fin de siglo. Sus sugerentes composiciones de motivos ornamentales, flores y bellas mujeres de evocadoras tonalidades melocotón, oro, ocre y oliva se convirtieron en paradigmas de los años de la Belle Époque.La obra de Mucha dejó su impronta en las ilustraciones, los carteles, las postales y los anuncios de su época. Sus llamativos carteles de la actriz Sarah Bernhardt se hicieron especialmente famosos. Junto a su delicada obra decorativa, Mucha también enarboló fuertes convicciones políticas. A través de su monumental ciclo Epopeya eslava expresó su apoyo incondicional al paneslavismo, que propugnaba la independencia política de las naciones checa y eslava del Imperio austrohúngaro.Este libro, realizado con la colaboración de la Fundación Mucha, ilustra las obras principales y presenta todas las facetas artísticas de Mucha, desde motivos decorativos hasta ilustraciones de libros, pasando por carteles, fotografías y pinturas monumentales.
Leonardo da Vinci (1452-1519), que llenó un cuaderno tras otro con bosquejos, inventos y teorías, no solo es uno de los dibujantes más excepcionales de la historia del arte, sino también un genio y un visionario que anticipó algunos de los mayores descubrimientos del progreso humano, en ocasiones siglos antes de su realización material.Desde las arterias más pequeñas del corazón humano hasta las remotas constelaciones del universo, Leonardo comprendió que la naturaleza y la ciencia estaban inequívocamente conectadas. Sus campos de investigación y su inventiva abarcaban la filosofía, la anatomía, la geología y las matemáticas, desde las leyes de la óptica, la gravitación, el calor y la luz hasta la construcción de una máquina voladora.Leonardo llevó la pintura más allá de la Edad Media con obras como La última cena y la famosísima La Gioconda (o la Mona Lisa), al representar no solo la apariencia física, sino también una cautivadora profundidad e intriga psicológica que continúan atrayendo a multitud de visitantes a París, Milán, Washington, Londres y Roma fascinados por estas obras maestras.Este libro ofrece una recopilación de las obras más destacadas de Leonardo, un genio de una curiosidad infinita, una imaginación febril y una capacidad artística sublime del que a menudo se ha dicho que «no tenía suficientes mundos para conquistar ni suficientes vidas para vivir» (Alan Woods).
¿Por qué hubo tantos artistas suicidas, desde el Renacimiento al siglo XX? ¿Qué llevó a muchos creadores a autorretratarse de forma obsesiva, anticipándose en siglos al selfie del siglo XXI? ¿Qué redes sociales hubieran empleado los pintores del Barroco si hubieran vivido en nuestros días? ¿Por qué creó rechazo la representación del vello púbico femenino en milenios de historia? ¿Qué provoca el repudio de una obra de arte en un determinado contexto histórico y provoca su triunfo en un periodo posterior? ¿Qué mueve a alguien a atentar contra un cuadro o una escultura? ¿Por qué se silenciaron las facetas escabrosas de muchos creadores, sus tendencias violentas, sus engaños? ¿Qué impidió la representación de la realidad cuando se levantaba la bandera del decoro, ignorándose que Cristo fue crucificado desnudo, o que tuvo una infancia como la de otros niños? ¿Cuándo murió el arte? ¿Con el inodoro de Marcel Duchamp? ¿O con las heces enlatadas de Manzoni? La historia del Arte oculta numerosos aspectos, hechos omitidos y detalles silenciados que configuran esta enciclopedia paralela, en la que tienen cabida las mujeres olvidadas durante siglos, las enfermedades que sufrieron los creadores, o las mil y una circunstancias que suelen pasar desapercibidas en manuales que siguen manteniendo una concepción decimonónica, académica y parcial, del estudio del arte.
Hundiendo sus raíces en la tradición de la Antigüedad y del Renacimiento, Auguste Rodin (1840-1917) abrió el camino de la escultura moderna. Desde muy temprano se interesó en el movimiento, la expresión corporal, la influencia del azar y el atractivo de lo inacabado. Fueron estos elementos los que dieron forma y sensación de vida a obras tan famosas como El beso o El pensador. Elaborado en colaboración con el Musée Rodin, esta introducción de la serie Basic Art 2.0 de TASCHEN examina los años de formación de Rodin y las etapas clave de su carrera. Repasa la génesis de sus esculturas y monumentos desde los puntos de vista histórico y estético, y arroja luz sobre los vínculos entre sus diferentes obras. El lector se familiariza con las ideas del artista y su sistema de trabajo en el estudio: el modelado en arcilla, el paso del yeso al bronce o mármol, la ampliación de las formas y la composición de conjuntos, así como con la profunda sensualidad de sus dibujos eróticos.Rodin ha sido una fuente inagotable de inspiración para las generaciones que le siguieron. Su obra incorporó la innovación y la transgresión, pero sobre todo una pasión sin igual por trabajar con modelos reales y capturar la verdad de las formas y de la experiencia humana. Una edición bellamente ilustrada con textos de François Blanchetière que nos invita a descubrir, y a redescubrir, un legado de valor incalculable.
¿Vidente o alquimista, surrealista o moralista, católico o hereje, holandés o flamenco? Quinientos años después de la muerte de El Bosco en 1516 seguimos sin saber quién era Jheronimus Bosch, ni siquiera estamos seguros de su nombre. Y pese a ello, la obra de este mítico pintor sigue despertando admiración y asombro, al tiempo que se suceden las publicaciones de historiadores del arte, novelistas, teólogos, filólogos, psicólogos y filósofos que intentan explicarla. Durante la larga andadura previa a la exposición del V Centenario de Bosch en el Museo del Prado de Madrid, Henk Boom ha seguido el rastro de todas esas interpretaciones y controversias, y a través de diversas entrevistas y el estudio de archivos nos descubre una extraña historia rodeada de mística y misterio. Una controversia que acompaña a El Bosco desde hace ya cinco siglos.
Si el lector entra en la red y busca la palabra "Goya", se encontrará con más de doscientos títulos vivos en las más diversas lenguas sobre la obra del que muchos críticos consideran el primer pintor moderno. Entonces, ¿porqué este libro? ¿Otro más? No. El texto de Fred Licht, que presentamos aquí en estrecha relación con las ilustraciones seleccionadas de Goya y de sus referencias pictóricas, fue publicado en Estados Unidos hace más de veinte años. Naturalmente, esta versión nuestra está corregida y actualizada por el autor, tanto en lo que se refiere al texto como a las ilustraciones. Pero lo verdaderamente nuevo y atractivo de esta edición es la tesis que Licht nos ofrece en el capítulo "Goya en la tradición española", tesis que va a contracorriente de l os tópicos al uso: que Goya fue el primer artista moderno precisamente por sus raíces hispánicas, por español, por lo que tiene de específico y destiento la historia del Arte español, en la cual Licht se nos revela como un auténtico maestro. Como uno de esos grandes hispanistas anglosajones que nos han enseñado -y nos siguen enseñando- a nosotros, españoles, cosas acerca de nosotros mismos que nosotros, por un buen mazo de complejos histórico-culturales, no nos atrevemos a decir de nuestra historia. Un texto así requería un libro así.
El Bosco ya era famoso en su tiempo por sus pinturas y creaciones fantásticas. Hoy en día se ha convertido en sinónimo de imágenes fantasmagóricas. Y a la hora de interpretar sus enigmáticas pinturas algunos remiten al simbolismo de la alquimia o sugieren la pertenencia a cultos paganos secretos. Otros tratan de entender sus mundos visuales a través de explicaciones exotéricas mientras que algunos otros intentan decodificarlos a través de métodos de psicología y de psicoanálisis. La vida y el trabajo de El Bosco están excepcionalmente bien documentadas. En este libro, Nils Büttner recorre la trayectoria de un pintor que trabajó para los círculos más altos de nobles y cortesanos y analiza su obra en el contexto de la cultura contemporánea. Este trabajo nuevo y concienzudo se publica en el quinto centenario de la muerte de El Bosco.
Con sus escaleras imposibles o sus mosaicos hechos de pájaros, el artista holandés M.C. Escher (1898-1972) creó un lenguaje gráfico único de rompecabezas, patrones singulares y pautas matemáticas. Denso, complejo y construido sobre principios intrincados, su trabajo, decorativo y lúdico al mismo tiempo, juega continuamente con las ilusiones ópticas y las limitaciones de la percepción sensorial. Para matemáticos y científicos, Escher fue un genio. Para los hippies, un pionero del arte psicodélico.Nacido en Leeuwarden (Holanda) en 1898, las primeras obras de Escher se centraron en la naturaleza y los paisajes, que expuso regularmente en Holanda y con las que obtuvo un cierto reconocimiento internacional. Sin embargo, fue durante un viaje al palacio de la Alhambra, en Granada (España), en la década de 1920, cuando Escher encontró el camino a seguir. Dibujando los motivos decorativos nazaríes, Escher quedó cautivado por la composición e interdependencia de sus formas.Trabajando principalmente con litografías y xilografías, Escher pasó a explorar la relación entre forma, figura y espacio con un entusiasmo casi obsesivo. Se recreaba en los puntos de vista peculiares, la variedad de perspectivas, en la transición de la bidimensionalidad del papel al volumen ilusorio y en intricados rompecabezas matemáticos, como la cinta de Moebius, un bucle aparentemente infinito que se retuerce y vuelve sobre sí mismo en una contorsión de imposibilidad física.Este libro introductorio de la serie Basic Art 2.0 de TASCHEN se adentra en la brillante mente de Escher a través de sus obras clave, fruto de su continua investigación acerca de la imagen y la percepción. En el camino esperan peces mutando en pájaros, lagartijas que parecen escaparse de la página, reflexiones magistrales, laberintos infinitos y algunas de las imágenes más alucinantes del arte del siglo XX.
Comparta y envíe el sensual y brillante arte de Gustav Klimt con esta colección de 25 tarjetas postales ilustradas con obras como el icónico Retrato de Adele Bloch-Bauer I o El beso.
Héroe rebelde del expresionismo abstracto, Jackson Pollock (1912-1956) iluminó a lo largo de su vida el panorama artístico de Estados Unidos cual pirotécnico. Canalizando ideas de fuentes tan dispares como Picasso y el surrealismo mexicano, rechazó las convenciones existentes en aras de concebir un modo personal de mirar, interpretar y expresarse.Las obras más famosas de Pollock son sus pinturas realizadas mediante la técnica del dripping, en la que dejaba gotear y vertía pintura esmaltada sobre el lienzo sirviéndose de instrumentos variopintos, desde palos a jeringas, pasando por pinceles endurecidos y hasta fragmentos de cristal. Las salpicaduras resultantes rebosan energía y sustituyen el refinamiento del caballete y el pincel por algo, en conjunto, más inmediato, vívido y físico. Para evitar que el espectador buscara elementos figurativos en sus lienzos, Pollock optó por no titularlos y simplemente los identificaba de manera neutral con un número.Conocido por ser un hombre huraño y volátil que batallaba con el alcoholismo, casado con la también artista expresionista abstracta Lee Krasner, Pollock, que falleció en un accidente de coche cuando sólo tenía 44 años, es un fascinante referente creativo y un pionero del arte. Esta introducción esencial sobre el artista explora tanto su trabajo como su fama para entender el valor de algunas de las que ya son obras maestras esenciales en la historia moderna y su condición de icono cultural.
Picasso dijo de Dalí que era "un motor fueraborda que nunca deja de funcionar". El propio Dalí se creía a sí mismo un genio, con derecho a llevar a la práctica cuantas locuras le venían a la cabeza. Pintor, escultor, escritor, cineasta, Salvador Dalí (1904-1989) fue uno de los grandes exhibicionistas y excéntricos del siglo XX, y la polémica le acompañó siempre dondequiera que se encontrase. Fue uno de los primeros en aplicar los postulados de Sigmund Freud y el psicoanálisis a la pintura, abordando para ello el subconsciente con una sensibilidad y una imaginación extraordinarias.Este volumen recoge el conjunto de la obra pictórica de Salvador Dalí. Tras muchos años de investigación, Robert Descharnes y Gilles Néret han conseguido por fin dar con todos los cuadros del prolífico artista. Muchas de las obras resultaron inaccesibles durante años; tantas, en realidad, que casi la mitad de las obras que ilustran el libro apenas se conocen.