El arte de los casi cinco siglos que duró la Edad Media estuvieron dominados por dos estilos que también fueron movimientos artísticos, el románico y el gótico. El primero, heredero de la tradición latina, el segundo, fruto de la evolución del anterior hacia una mayor elevación, ligereza y luminosidad, pero ambos portadores de una intensa espiritualidad. Ambos nacieron en lo que actualmente es Francia, pero se extendieron por todo el orbe cristiano por las mismas rutas que el comercio y las peregrinaciones. Uno y otras salpicaron los paisajes y las ciudades de iglesias, castillos y, sobre todo, de gigantescas catedrales, que se convirtieron en verdaderos epítomes de todas las artes. El potente misticismo de la escultura románica, la esbeltez de las catedrales góticas, los ciclos pictóricos italianos, el lenguaje innovador de los grandes maestros, todos incitan a descubrir la fascinación y la vitalidad del arte medieval.
¿Podemos creer y crear mitos hoy, en el siglo XXI, cuando el ser humano parece haber llegado a un punto culminante de su desarrollo científico y tecnológico? Si es así, ¿estos mitos se circunscriben a determinados ámbitos de nuestra cultura y sociedad, como el arte y la literatura, o por el contrario podemos hablar de la existencia de un pensamiento mítico propio del hombre de todas las épocas, incluida la nuestra?Desde una concepción del mito alejada de la dominante en la cultura occidental tras Platón (el mito como algo falso e irracional, propio de mentes primitivas o infantiles y solamente presente en la literatura y las artes), y heredera de todos aquellos autores que, en los márgenes del pensamiento racionalista (el Humanismo filológico italiano, Gracián, Vico, el Romanticismo alemán, la Filosofía Simbólica del siglo XX), han concebido el mito como el resultado de un tipo de pensamiento retórico-mítico connatural al hombre; la presente obra trata de evidenciar la presencia de mitos en nuestra cultura y sociedad actuales, así como en los discursos que las conforman. Para ello, se ha partido de la dimensión discursiva del mito (el mito como discurso retórico e ideológico) y establecido la diferenciación entre un mito persuasivo que sigue activo socialmente y no identificamos como mito y un mito literario culturalmente arraigado e identificado como tal. Con el objetivo de mostrar la existencia de elementos míticos en todo tipo de discursos actuales, sean estos artístico-literarios o no, este utillaje teórico-metodológico se ha aplicado al análisis de cuatro tipos de discurso: un discurso literario con fines religiosos (Las crónicas de Narnia, de C. S. Lewis), un discurso filosófico (La tumba de Antígona, de María Zambrano), discursos políticos (los pronunciados por George W. Bush sobre el 11 de septiembre de 2001) y discursos científicos (La enfermedad y sus metáforas y El sida y sus metáforas, de Susan Sontag).
El ratón Pérez tiene un trabajo agotador: recoger cada noche los dientes que se les caen a todos los niños y niñas. Esta noche, está especialmente cansado y su hijo, el ratoncito, se propone ayudarle con todas esas máquinas tecnológicas que su papá no entiende: -¿App? ¿Enlace? ¿GPS? Hijo, qué raro hablas -dice Ratón-. Eres muy moderno para mí. -Tengo una idea -dice Ratoncito-, ¿por qué no me dejas ir a mí esta noche y te demuestro lo bien que funciona? Al final de la noche, una sorpresa espera al ratoncito Pérez. Ana Galán nació en Oviedo, pasó su infancia y gran parte de su juventud en Madrid. En 1989 fue a vivir a Nueva York donde empezó su carrera como autora, editora y traductora de libros. Marta Sedano:Nací en Madrid, España en 1954. Aunque estudié Relaciones Públicas en el Mary Ward College de Madrid siempre he trabajado en el mundo de la moda. En 1996 creé mi propia empresa y fue al cerrar esta en 2009 cuando, por fin, podía dedicarme plenamente a mi pasión: la ilustración de cuentos para niños. Estudié ilustración en Arteneo, Escuela de Artes Visuales y Esdip, Escuela Superior de Dibujo Profesional. Me encanta aprender y he asistido a numerosos talleres de ilustración infantil con David Weisner, Pablo Amargo, Paloma Corral, Central Saint Martins-University of The Arts de Londres, etc.
El arte contemporáneo necesita explicaciones"", leemos en la presentación de estas 51 entrevistas realizadas por Fietta Jarque a artistas contemporáneos de la talla de Joseph Beuys, Marina Abramovic, Andrés Serrano, Alfredo Jaar, Sol LeWitt, Helmut Newton, Wolf Vostell y Cindy Sherman. Para explicar el arte - después de tantas evidencias sociológicas sobre cómo condicionan las obras el mercado, los museos, las bienales y ferias, los medios y los públicos-, ¿el camino volvería a ser detenernos en la subjetividad de los artistas? En efecto, más allá de la confesión privada o la declaración pública, en Cómo piensan los artistas Fietta Jarque articula verdaderos ""autorretratos hablados"" donde la subjetividad se muestra como un territorio complejo de verdades y ficciones, de maneras artísticas y procesos creativos. En este libro, el delicado y eficaz arte de la entrevista operado por Fietta Jarque sobre los más diversos proyectos y obras, personalidades y utopías, desconcierta los lugares comunes de la interpretación del arte contemporáneo, aportando, entre tanto gesto de especialización, un expediente inédito de la sensibilidad artística.""El arte contemporáneo necesita explicaciones"", leemos en la presentación de estas 51 entrevistas realizadas por Fietta Jarque a artistas contemporáneos de la talla de Joseph Beuys, Marina Abramovic, Andrés Serrano, Alfredo Jaar, Sol LeWitt, Helmut Newton, Wolf Vostell y Cindy Sherman. Para explicar el arte - después de tantas evidencias sociológicas sobre cómo condicionan las obras el mercado, los museos, las bienales y ferias, los medios y los públicos-, ¿el camino volvería a ser detenernos en la subjetividad de los artistas? En efecto, más allá de la confesión privada o la declaración pública, en Cómo piensan los artistas Fietta Jarque articula verdaderos ""autorretratos hablados"" donde la subjetividad se muestra como un territorio complejo de verdades y ficciones, de maneras artísticas y procesos creativos. En este libro, el delicado y eficaz arte de la entrevista operado por Fietta Jarque sobre los más diversos proyectos y obras, personalidades y utopías, desconcierta los lugares comunes de la interpretación del arte contemporáneo, aportando, entre tanto gesto de especialización, un expediente inédito de la sensibilidad artística
Artista multidisciplinar, Hiroshi Sugimoto trabaja con la escultura, la arquitectura, la instalación y la fotografía, campo, este último, en el que está considerado como uno de los más importantes autores de la escena internacional. Su obra se encuentra en colecciones como las del Metropolitan Museum y el Museum of Modern Art de Nueva York, el Smithsonian de Washington o la National Gallery y la Tate Gallery de Londres. Este catálogo ofrece una entrevista al artista realizada por Philip Larratt-Smith, comisario de la muestra, que supone una significativa fuente documental para la comprensión del arte de Sugimoto al recoger esenciales claves interpretativas de su obra.
Esta exposición propone examinar, a través de una selección de 80 obras maestras, los orígenes y la evolución del divisionismo de la mano de sus principales protagonistas, entre los que se encuentran Giovanni Segantini, Giuseppe Pellizza da Volpedo, Giaccomo Balla, Angelo Morbelli, Umberto Boccioni, Gino Severini y Carlo Carrà. Estos artistas influyeron en la renovación del arte italiano entre finales de siglo XIX y principios del siglo XX y en la aparición de la vanguardia futurista. La muestra ha sido organizada en colaboración con el Mart, Museo di arte moderna e contemporanea di Trento e Rovereto, y cuenta con préstamos de numerosas colecciones particulares e instituciones internacionales.
The masterful drawings of Pablo Picasso are used to teach animal recognition in this artful, read-aloud board book. Birds & Other Animals takes children through Picasso's series of single-line animal drawings, beginning and ending with various kinds of birds. The cleverly whimsical charm of Picasso's sketches keeps readers engaged, while the accompanying text enriches the experience with conversational commentary. Readers will not only broaden their visual definitions of which animals are which, but also grow familiar with fine art in this relevant and relatable third title in the 'First Concepts with Fine Artists' series. Includes a read-aloud 'about the artist'
La instalación, el videoarte, la performance, los cuadros sin marco o las esculturas sin pedestal, la desaparición del criterio de belleza y la despersonalización de las obras, los nuevos criterios de admisión y la rapidez del reconocimiento, la prioridad dada a la originalidad y al juego con los límites del arte, la diversidad de materiales y la intencionada fragilidad de algunas propuestas, el peso de las explicaciones y la importancia de las ferias y las bienales, el auge del mercado del arte y de los museos públicos: todas éstas son algunas de las muchas características propias del arte contemporáneo que configuran un mundo sumamente coherente, y radicalmente distinto a las formas de arte hasta ahora conocidas.
No es sólo que en los cuadros de Zuloaga, como en los de Velázquez, el hombre lo sea todo; es que el paisaje mismo es una prolongación del hombre. Aquellos austeros paisajes, aquellos campos y aquellos lugares y pueblos, son humanos. Y no hechos por el hombre, no obra de las manos del hombre, sino concebidos, vistos, soñados por el hombre.
Catálogo de la exposición William Morris y el movimiento Arts and Crafts en Gran Bretaña que, por primera vez, se muestra en Cataluña presentando obras maestras de este movimiento artístico, ligado al diseño y a las artes decorativas, que nació en Gran Bretaña alrededor de 1880 y se desarrolló hasta la I Guerra Mundial. Se extendió rápidamente a través de América y Europa hasta llegar a Japón. Su máximo ideólogo fue el artista y escritor William Morris (1834-1896) y tomó su nombre del Arts and Crafts Exhibition Society, fundada en Londres en 1887.
Este libro aborda el estudio de las imágenes de vanitas en el barroco hispano desde una perspectiva culturalista. La vanitas es como un puzzle cuyas piezas provienen de otros ámbitos temáticos próximos: la idea de la brevedad de la vida, la fugacidad del tiempo, la certeza de la muerte, el menosprecio del mundo, la vida como una peregrinación, el desprecio de las riquezas o la melancolía son algunas de las piezas de ese mosaico que constituyen la vanitas. Por ello se propone un estudio global e interpretativo del tema en el ámbito barroco hispano capaz de afrontar sus complejidades y variedades conceptuales, tratando de enlazar los diversos temas que convergen en ella y lanzando una interpretación novedosa: la vanitas y el desengaño son una cuestión de la mirada. Se trata de una exaltación de la mirada como vehículo para el conocimiento y el saber ya que el discurso de la vanitas despliega una serie de metáforas en las que la visualidad desempeña un papel protagonista. Dicho protagonismo hace que el discurso de la vanitas ponga en escena una retórica visual. El desengaño propone una interpretación del mundo que descansa en el uso de la mirada, pues su sentido y significado se articula en una retórica que es eminentemente visual, una retórica que vehicula sus conceptos a través de la visualidad y, por lo tanto, proyectados a la mirada. La mirada es, en definitiva, el instrumento para el desengaño.
El arte de los casi cinco siglos que duró la Edad Media estuvieron dominados por dos estilos que también fueron movimientos artísticos, el románico y el gótico. El primero, heredero de la tradición latina, el segundo, fruto de la evolución del anterior hacia una mayor elevación, ligereza y luminosidad, pero ambos portadores de una intensa espiritualidad. Ambos nacieron en lo que actualmente es Francia, pero se extendieron por todo el orbe cristiano por las mismas rutas que el comercio y las peregrinaciones. Uno y otras salpicaron los paisajes y las ciudades de iglesias, castillos y, sobre todo, de gigantescas catedrales, que se convirtieron en verdaderos epítomes de todas las artes. El potente misticismo de la escultura románica, la esbeltez de las catedrales góticas, los ciclos pictóricos italianos, el lenguaje innovador de los grandes maestros, todos incitan a descubrir la fascinación y la vitalidad del arte medieval.
¿Podemos creer y crear mitos hoy, en el siglo XXI, cuando el ser humano parece haber llegado a un punto culminante de su desarrollo científico y tecnológico? Si es así, ¿estos mitos se circunscriben a determinados ámbitos de nuestra cultura y sociedad, como el arte y la literatura, o por el contrario podemos hablar de la existencia de un pensamiento mítico propio del hombre de todas las épocas, incluida la nuestra?Desde una concepción del mito alejada de la dominante en la cultura occidental tras Platón (el mito como algo falso e irracional, propio de mentes primitivas o infantiles y solamente presente en la literatura y las artes), y heredera de todos aquellos autores que, en los márgenes del pensamiento racionalista (el Humanismo filológico italiano, Gracián, Vico, el Romanticismo alemán, la Filosofía Simbólica del siglo XX), han concebido el mito como el resultado de un tipo de pensamiento retórico-mítico connatural al hombre; la presente obra trata de evidenciar la presencia de mitos en nuestra cultura y sociedad actuales, así como en los discursos que las conforman. Para ello, se ha partido de la dimensión discursiva del mito (el mito como discurso retórico e ideológico) y establecido la diferenciación entre un mito persuasivo que sigue activo socialmente y no identificamos como mito y un mito literario culturalmente arraigado e identificado como tal. Con el objetivo de mostrar la existencia de elementos míticos en todo tipo de discursos actuales, sean estos artístico-literarios o no, este utillaje teórico-metodológico se ha aplicado al análisis de cuatro tipos de discurso: un discurso literario con fines religiosos (Las crónicas de Narnia, de C. S. Lewis), un discurso filosófico (La tumba de Antígona, de María Zambrano), discursos políticos (los pronunciados por George W. Bush sobre el 11 de septiembre de 2001) y discursos científicos (La enfermedad y sus metáforas y El sida y sus metáforas, de Susan Sontag).
El ratón Pérez tiene un trabajo agotador: recoger cada noche los dientes que se les caen a todos los niños y niñas. Esta noche, está especialmente cansado y su hijo, el ratoncito, se propone ayudarle con todas esas máquinas tecnológicas que su papá no entiende: -¿App? ¿Enlace? ¿GPS? Hijo, qué raro hablas -dice Ratón-. Eres muy moderno para mí. -Tengo una idea -dice Ratoncito-, ¿por qué no me dejas ir a mí esta noche y te demuestro lo bien que funciona? Al final de la noche, una sorpresa espera al ratoncito Pérez. Ana Galán nació en Oviedo, pasó su infancia y gran parte de su juventud en Madrid. En 1989 fue a vivir a Nueva York donde empezó su carrera como autora, editora y traductora de libros. Marta Sedano:Nací en Madrid, España en 1954. Aunque estudié Relaciones Públicas en el Mary Ward College de Madrid siempre he trabajado en el mundo de la moda. En 1996 creé mi propia empresa y fue al cerrar esta en 2009 cuando, por fin, podía dedicarme plenamente a mi pasión: la ilustración de cuentos para niños. Estudié ilustración en Arteneo, Escuela de Artes Visuales y Esdip, Escuela Superior de Dibujo Profesional. Me encanta aprender y he asistido a numerosos talleres de ilustración infantil con David Weisner, Pablo Amargo, Paloma Corral, Central Saint Martins-University of The Arts de Londres, etc.
El arte contemporáneo necesita explicaciones"", leemos en la presentación de estas 51 entrevistas realizadas por Fietta Jarque a artistas contemporáneos de la talla de Joseph Beuys, Marina Abramovic, Andrés Serrano, Alfredo Jaar, Sol LeWitt, Helmut Newton, Wolf Vostell y Cindy Sherman. Para explicar el arte - después de tantas evidencias sociológicas sobre cómo condicionan las obras el mercado, los museos, las bienales y ferias, los medios y los públicos-, ¿el camino volvería a ser detenernos en la subjetividad de los artistas? En efecto, más allá de la confesión privada o la declaración pública, en Cómo piensan los artistas Fietta Jarque articula verdaderos ""autorretratos hablados"" donde la subjetividad se muestra como un territorio complejo de verdades y ficciones, de maneras artísticas y procesos creativos. En este libro, el delicado y eficaz arte de la entrevista operado por Fietta Jarque sobre los más diversos proyectos y obras, personalidades y utopías, desconcierta los lugares comunes de la interpretación del arte contemporáneo, aportando, entre tanto gesto de especialización, un expediente inédito de la sensibilidad artística.""El arte contemporáneo necesita explicaciones"", leemos en la presentación de estas 51 entrevistas realizadas por Fietta Jarque a artistas contemporáneos de la talla de Joseph Beuys, Marina Abramovic, Andrés Serrano, Alfredo Jaar, Sol LeWitt, Helmut Newton, Wolf Vostell y Cindy Sherman. Para explicar el arte - después de tantas evidencias sociológicas sobre cómo condicionan las obras el mercado, los museos, las bienales y ferias, los medios y los públicos-, ¿el camino volvería a ser detenernos en la subjetividad de los artistas? En efecto, más allá de la confesión privada o la declaración pública, en Cómo piensan los artistas Fietta Jarque articula verdaderos ""autorretratos hablados"" donde la subjetividad se muestra como un territorio complejo de verdades y ficciones, de maneras artísticas y procesos creativos. En este libro, el delicado y eficaz arte de la entrevista operado por Fietta Jarque sobre los más diversos proyectos y obras, personalidades y utopías, desconcierta los lugares comunes de la interpretación del arte contemporáneo, aportando, entre tanto gesto de especialización, un expediente inédito de la sensibilidad artística
Artista multidisciplinar, Hiroshi Sugimoto trabaja con la escultura, la arquitectura, la instalación y la fotografía, campo, este último, en el que está considerado como uno de los más importantes autores de la escena internacional. Su obra se encuentra en colecciones como las del Metropolitan Museum y el Museum of Modern Art de Nueva York, el Smithsonian de Washington o la National Gallery y la Tate Gallery de Londres. Este catálogo ofrece una entrevista al artista realizada por Philip Larratt-Smith, comisario de la muestra, que supone una significativa fuente documental para la comprensión del arte de Sugimoto al recoger esenciales claves interpretativas de su obra.
Esta exposición propone examinar, a través de una selección de 80 obras maestras, los orígenes y la evolución del divisionismo de la mano de sus principales protagonistas, entre los que se encuentran Giovanni Segantini, Giuseppe Pellizza da Volpedo, Giaccomo Balla, Angelo Morbelli, Umberto Boccioni, Gino Severini y Carlo Carrà. Estos artistas influyeron en la renovación del arte italiano entre finales de siglo XIX y principios del siglo XX y en la aparición de la vanguardia futurista. La muestra ha sido organizada en colaboración con el Mart, Museo di arte moderna e contemporanea di Trento e Rovereto, y cuenta con préstamos de numerosas colecciones particulares e instituciones internacionales.
The masterful drawings of Pablo Picasso are used to teach animal recognition in this artful, read-aloud board book. Birds & Other Animals takes children through Picasso's series of single-line animal drawings, beginning and ending with various kinds of birds. The cleverly whimsical charm of Picasso's sketches keeps readers engaged, while the accompanying text enriches the experience with conversational commentary. Readers will not only broaden their visual definitions of which animals are which, but also grow familiar with fine art in this relevant and relatable third title in the 'First Concepts with Fine Artists' series. Includes a read-aloud 'about the artist'
La instalación, el videoarte, la performance, los cuadros sin marco o las esculturas sin pedestal, la desaparición del criterio de belleza y la despersonalización de las obras, los nuevos criterios de admisión y la rapidez del reconocimiento, la prioridad dada a la originalidad y al juego con los límites del arte, la diversidad de materiales y la intencionada fragilidad de algunas propuestas, el peso de las explicaciones y la importancia de las ferias y las bienales, el auge del mercado del arte y de los museos públicos: todas éstas son algunas de las muchas características propias del arte contemporáneo que configuran un mundo sumamente coherente, y radicalmente distinto a las formas de arte hasta ahora conocidas.
No es sólo que en los cuadros de Zuloaga, como en los de Velázquez, el hombre lo sea todo; es que el paisaje mismo es una prolongación del hombre. Aquellos austeros paisajes, aquellos campos y aquellos lugares y pueblos, son humanos. Y no hechos por el hombre, no obra de las manos del hombre, sino concebidos, vistos, soñados por el hombre.
Catálogo de la exposición William Morris y el movimiento Arts and Crafts en Gran Bretaña que, por primera vez, se muestra en Cataluña presentando obras maestras de este movimiento artístico, ligado al diseño y a las artes decorativas, que nació en Gran Bretaña alrededor de 1880 y se desarrolló hasta la I Guerra Mundial. Se extendió rápidamente a través de América y Europa hasta llegar a Japón. Su máximo ideólogo fue el artista y escritor William Morris (1834-1896) y tomó su nombre del Arts and Crafts Exhibition Society, fundada en Londres en 1887.
Este libro aborda el estudio de las imágenes de vanitas en el barroco hispano desde una perspectiva culturalista. La vanitas es como un puzzle cuyas piezas provienen de otros ámbitos temáticos próximos: la idea de la brevedad de la vida, la fugacidad del tiempo, la certeza de la muerte, el menosprecio del mundo, la vida como una peregrinación, el desprecio de las riquezas o la melancolía son algunas de las piezas de ese mosaico que constituyen la vanitas. Por ello se propone un estudio global e interpretativo del tema en el ámbito barroco hispano capaz de afrontar sus complejidades y variedades conceptuales, tratando de enlazar los diversos temas que convergen en ella y lanzando una interpretación novedosa: la vanitas y el desengaño son una cuestión de la mirada. Se trata de una exaltación de la mirada como vehículo para el conocimiento y el saber ya que el discurso de la vanitas despliega una serie de metáforas en las que la visualidad desempeña un papel protagonista. Dicho protagonismo hace que el discurso de la vanitas ponga en escena una retórica visual. El desengaño propone una interpretación del mundo que descansa en el uso de la mirada, pues su sentido y significado se articula en una retórica que es eminentemente visual, una retórica que vehicula sus conceptos a través de la visualidad y, por lo tanto, proyectados a la mirada. La mirada es, en definitiva, el instrumento para el desengaño.