La primera exposición en México del artista y activista Gustav Metzger (Nuremberg, Alemania, 1926) Debemos convertirnos en idealistas o morir en el Museo Jumex presentó obras que van de 1959 a las más recientes activaciones del 2015. El catálogo de la ex
Jorge siempre empezando. Su presencia está, hoy, casi limitada a la tradición oral; en estos últimos años han sido contadas las exposiciones de su obra escultórica y hace ya tiempo que su obra literaria ha desaparecido o ha sido sustituida por ediciones críticas, interpretativas Bien podría creerse que Jorge pertenece, más que a nuestra tradición más inmediata, a nuestro pre-indoeuropeo. Le imagino mirándonos, diagonalmente, sospechosa y avisadoramente Con la firme voluntad de poner a vuestra disposición estas pruebas de vida, de enfrentar su humanidad con su mito, ofrecemos este volumen que contiene alguna pequeña piedra que no había* junto con la promesa de poner a disposición de todos: sus textos, con el estricto contenido literario y exposición formal con que se editaron. Pilar Oteiza * Quiero dejarte esta pequeña piedra, esta pequeña piedra que no había entre todo lo que Tú hiciste; ahora esta piedra rompe tu soledad Pero he aquí que yo, desde esta pequeña piedra, te entiendo, te descubro y te reconozco y te agrego y te acompaño Pensando en Ti hago esta pequeña piedra. ¿Dónde está el río ahora, ese desesperado río que me empujaba hacia la muerte porque podía desocuparme de Ti? Jorge Oteiza, Androcanto y sigo EL MITO OTEIZA «De todos los misterios del universo, ninguno más profundo que el de la creación. Cada vez que surge algo que antes no había existido nos vence la sensación de que ha acontecido algo sobrenatural, de que ha estado obrando una fuerza sobrehumana, divina. Y nuestro respeto llega a su máximo, casi diría, se torna religioso, cuando aquello que aparece de repente no es cosa perecedera. Cuando no se desvanece como una flor, ni fallece como el hombre, sino que tiene fuerza para sobrevivir a nuestra propia época y a todos los tiempos por venir. A veces nos es dado asistir a ese milagro, y nos es dado en una esfera sola: en la del arte.» Stefan Zweig, El misterio de la creación artística (Conferencia pronunciada en Buenos Aires el 29 de octubre de 1940) El mismo Jorge Oteiza ha sido el creador de su propio mito. Escultor, poeta, teórico del arte, antropólogo, escritor, arquitecto, cineasta: todas sus actividades se legitiman en su praxis escultórica de donde surgen y hacia donde se dirigen. Cuando después de ganar la Bienal de Sao Paulo decide abandonar la escultura, su actividad humana se centra en ser un hombre de acción e intervenir en el País Vasco en cualquier institución que él cree precisar con su presencia o su opinión. En 1963 la aparición del Quousque tandem ! supone un revulsivo para el ambiente cultural vasco. Yo tenía quince años cuando lo leí y para mí, como para tantos otros, supuso una revelación tanto de nuestro país, como de la teoría estética. Desde entonces nada fue igual en el panorama cultural vasco, desde entonces todos hemos conocido a Oteiza alguna vez en persona. Apreciábamos su energía, su palabra, sus gestos. Pretendía que el hombre era un enfermo o no era un hombre y que su curación era la creación artística, que lo defiende y le protege. Estas páginas continuaron en Ejercicios espirituales en un túnel aparecido más tarde por culpa de la censura de Fraga Iribarne. Pues bien, en 1995 el escultor reunió diversos materiales (artículos, declaraciones, textos de catálogos) en un orden no cronológico, sin carácter de exhaustividad, que entregó al editor de Pamiela, para que se publicara en un volumen con el título de Mentalidad vasca y es el que el lector tiene en sus manos. En la primera parte el lector observará en estos trabajos ideas que luego se desarrollarán en el Quousque tandem ! y que se encuadran en el conflicto entre sociedad y creador. En Oteiza hay una contradicción entre instituciones (museos, organismos públicos) e individuo: por un lado, está la negación de su función y por otro, la necesidad de su existencia para el conocimiento de la obra. En la segunda parte el lector encontrará estudios de creadores cercanos a él por una u otra razón y en los que se desvela su gran capacidad como crítico de arte. Con estos trabajos se renueva la publicación de los escritos de Oteiza, sin que haya terminado la investigación sobre ellos, que continúa. Heidegger a quien Oteiza consideraba profesor definía al hombre como un ser-para-la-muerte. Malraux le replicó y ¿por qué no contra-la-muerte? Entre estas dos definiciones contradictorias transcurrió la vida de Oteiza, y por ende, su legado, que podríamos titular de la negación a la utopía. José Julián Bakedano
Descubra la historia de los movimientos artísticos desde las obras de la Antigua Grecia hasta el Renacimiento italiano, los prerrafaelistas y los maestros del impresionismo con una nueva edición de este clásico superventas. Descubra la historia de los movimientos artísticos desde las obras de la Antigua Grecia hasta el Renacimiento italiano, los prerrafaelistas y los maestros del impresionismo con una nueva edición de este clásico superventas. Con unos contenidos verdaderamente globales, Arte nos expone las obras maestras de más de 700 artistas entre los que se encuentran Leonardo da Vinci, Picasso o Van Gogh. Es una valiosísima obra de referencia para cualquier amante del arte, un libro que nos muestra visualmente las obras; todo, desde la pintura del Barroco italiano y el arte africano hasta la historia del arte contemporáneo. Descubra las claves de los movimientos artísticos más prominentes, incluidos sus orígenes e influencias, y siga la línea temporal de sus obras más valiosas. Inspírese con los detalles de cada materia tratada y con los métodos utilizados por cada artista para crear sus obras maestras, y explore siglos, culturas y países al embarcarse en este definitivo viaje artístico a través del tiempo. Creada en colaboración con Bridgeman, la mayor biblioteca de arte del mundo, Arte. La historia visual definitiva es una obra que todo el mundo debetener en su colección de libros.
Ejercicios de ocupación es el quinto título de la colección Cuerpo de Letra, centrada en los estudios sobre la danza y el pensamiento contemporáneos. Además de recuperar dos textos de autores que han sido claves en el desarrollo del discurso sobre los afectos durante las últimas décadas (Brian Massumi y Eve Kosofsky Sedgwick), se presentan una serie de artículos escritos específicamente para este volumen desde la teoría y la práctica artística. Estos textos pretenden relanzar el debate alrededor de los afectos en relación con el momento presente. Recuperar la consciencia de cómo nuestros cuerpos son ocupados y son capaces de ocupar otros nos permite pensar formas de hacer y vivir que no reproduzcan la asimilación tautológica entre realidad y capitalismo. Debido a que el lenguaje también es afectivo, Ejercicios de ocupación adquiere a veces un tono poético. Se trata de un conjunto de textos rítmicos, anómalos y vibracionales. Contribuciones de Mary Zournazi, Brian Massumi, Eve Kosofsky Sedgwick, Bartolomé Ferrando, Ixiar Rozas, Paula Caspão, Bojana Kunst, Isabel de Naverán, Aimar Pérez Galí, Itziar Okariz, Idoia Zabaleta, Pedro G. Romero, Mireia Sallarès, Quim Pujol. Una colaboración con MERCAT DE LES FLORS. INSTITUT DEL TEATRE
Catálogo de la exposición celebrada en el Museo Nacional Reina Sofía, octubre 2014-febrero 2015. La noción de un "saber realmente útil" surge a principios del siglo XIX junto con la conciencia obrera acerca de una necesidad de auto-educación. En las décadas de 1820 y 1830, las organizaciones obreras del Reino Unido introdujeron esta frase para describir un cuerpo de saberes que abarcaba varias disciplinas "no prácticas" tales como la política, la economía y la filosofía, en oposición a los "saberes útiles" pregonados por los patronos, quienes tiempo antes empezaron a aumentar la inversión en el avance de sus empresas a través de la financiación de la educación de los obreros en habilidades y disciplinas "pertinentes" como la ingeniería, la física, la química o las matemáticas. En esta referencia a las olvidadas luchas de clase del capitalismo temprano, el título de la exposición sugiere una indagación en un "saber realmente útil" desde una perspectiva contemporánea.La muestra intenta posicionar la noción de pedagogía crítica como un elemento crucial en las luchas colectivas, así como investigar la tensión entre la emancipación individual y la emancipación social a través de la educación, en ejemplos tanto históricos como actuales, y su relación con formas organizativas capaces de liderar una resistencia unificada a la reproducción del capital. Al hacerlo, la exposición insiste en el uso colectivo de recursos, acciones y experimentos públicos, bien olvidados o bajo amenaza de erradicación, tomando el museo como lugar pedagógico dedicado al análisis de formas artísticas interconectadas con relaciones sociales reales o deseadas
Alvar Aalto (1898-1976) fue el arquitecto finlandés más prestigioso del siglo pasado y padre del Movimiento Moderno escandinavo. En una ocasión dijo: Dios creó el papel con la finalidad de bocetar arquitectura sobre él. Todo lo demás, al menos para mí, es hacer mal uso del papel. La modernidad de Aalto estribada en la utilización de materiales naturales, colores cálidos y líneas ondulantes, razón por la que se le considera también un notable exponente del incipiente Diseño Orgánico. De su faceta como diseñador al margen de la arquitectura son igualmente apreciados los jarrones, las lámparas, los artículos de cristal y los muebles de contrachapado curvado y laminado (promovidos y producidos a través de Artek, empresa de diseño de la que fue cofundador). Entre sus piezas emblemáticas figuran el jarrón Savoy, la silla Paimio y la lámpara Beehive (Colmena). Esta monografía en torno a los diseños de mobiliario de Alvar Aalto es una importantísima aportación bibliográfica para el estudio del influyente arquitecto y diseñador.
Conocidos sobre todo por su contribución a la arquitectura, al diseño de mobiliario, al diseño industrial, al cine y la fotografía , Charles y Ray Eames se cuentan entre los diseñadores norteamericanos más célebres del siglo XX. En 1946 Evan Products inició la fabricación de los muebles en contrachapado de los Eames. Su mítica silla de contrachapado moldeado fue designada como la silla del siglo por la ingluyente crítica de arquitectura Esther McCoy. En 1949, Charles y Ray diseñaron y construyeron su domicilio particular en Pacific Palissades, el diseño y el imaginativo uso de los materiales convirtió la casa en la meca de arquitectos y diseñadores internacionales. Después de la guerra los Eames continuaron creando nuevos diseños de muebles, como las sillas de fibra de vidrio 1950, el famoso sillón con reposapiés 1956, el taburete Time Life 1960, el sofá 3473 en 1964 y los asientos de los aeropuertos Dulles y O Hare, un modelo que todavía se utiliza en multitud de salas de espera de todo el planeta.
?Si algún día te perdieses en el bosquem busca el camino que lleva al Sembar protector, el que brilla como el oro en la noche. [Fragmento de La Noche del Sembar Luminoso] Distintas visiones de los árboles, representadas con intrincados dibujos, llenan las páginas de este asombroso libro de arte sobre la tradición de la tribu Gond, arraigada en la India Central. Habitantes de los bosques desde tiempo remoto, los Gond sostienen que los árboles son el eje de la vida: durante el día realizan un arduo trabajo ofreciéndonos sombra, cobijo y alimento; pero por la noche, cuando los visitantes diurnos se marchan, son los espíritus los que se nos revelan. Estos espíritus luminosos están magníficamente plasmados en ?La vida nocturna de los árboles?.
La presente obra trata de ofrecer una visión de conjunto de las ideas existentes en la España de los siglos XVI al XVIII, con las necesarias referencias al mundo americano, sobre los animales.
Poco después de la publicación de La ola en inglés, recibí un correo electrónico del propietario de una librería del Reino Unido acerca de la ilustración de la página anterior. «Estamos un poco confundidos por las ilustraciones a doble página de este libro, parece como si faltaran parte de la niña y de las gaviotas. ¿Es así? Lo hemos comprobado con el proveedor, con el distribuidor y con otra librería y en todos los casos los ejemplares son iguales que nuestra copia. Así pues, ¿es que nosotros no lo hemos entendido o es un fallo de imprenta? ¿...era un fallo de imprenta? Abrimos un libro ilustrado. Contemplamos el sueño que hay «dentro» del libro. Sin embargo, de un modo u otro, nos afecta la forma del libro, la textura del papel, la dirección en la que pasamos las páginas. Los aspectos físicos del libro pueden limitar la imaginación del artista pero, por otro lado, también pueden convertirse en un buen punto de partida para dar rienda suelta a la imaginación. Después de sumergirnos en un libro y volver a salir de él como quien sale de un sueño, el libro en tanto que objeto parece bastante distinto. Cuando abrimos un libro, las dos páginas que quedan expuestas ante nosotros se convierten en un amplio espacio. De hecho, son dos espacios separados con sus respectivos márgenes, pero el lector tiende a ignorar el pliegue central mientras lee. Hay una regla tácita en edición según la cual los ilustradores deben evitar dibujar en el centro de las dobles páginas para no interferir en la lectura. Pero ¿qué ocurre si se ignora esa regla? Álbum ilustrado sin texto, comentarios de Suzy Lee http://barbarafioreeditora.tumblr.com/post/87083495679/album-ilustrado-sin-texto-comentarios-de-suzy-lee
· Un recorrido por la obra más íntima de este polifacético artista (arquitecto fundamentalmente) donde se reproducen a tamaño real cuadernos de dibujos y algunas fotografías de sus impresiones de la naturaleza. · Sus modelos pueden ser zanjas o lugares de abandono y destrucción donde encuentra simetrías, paralelismos y texturas que plasma desde una luz quebrada para hablar de la inconstancia y lo precario. · Inland es un viaje tierra adentro, una aventura en búsqueda de la naturaleza. · Acompaña la exposición antológica del artista que inaugura en octubre de 2014 en el Museo de Arte Contemporáneo Esteban Vicente de Segovia.
La primera exposición en México del artista y activista Gustav Metzger (Nuremberg, Alemania, 1926) Debemos convertirnos en idealistas o morir en el Museo Jumex presentó obras que van de 1959 a las más recientes activaciones del 2015. El catálogo de la ex
Jorge siempre empezando. Su presencia está, hoy, casi limitada a la tradición oral; en estos últimos años han sido contadas las exposiciones de su obra escultórica y hace ya tiempo que su obra literaria ha desaparecido o ha sido sustituida por ediciones críticas, interpretativas
Bien podría creerse que Jorge pertenece, más que a nuestra tradición más inmediata, a nuestro pre-indoeuropeo. Le imagino mirándonos, diagonalmente, sospechosa y avisadoramente
Con la firme voluntad de poner a vuestra disposición estas pruebas de vida, de enfrentar su humanidad con su mito, ofrecemos este volumen que contiene alguna
pequeña piedra que no había* junto con la promesa de poner a disposición de todos: sus textos, con el estricto contenido literario y exposición formal con que se editaron. Pilar Oteiza * Quiero dejarte esta pequeña piedra, esta pequeña piedra que no había entre todo lo que Tú hiciste; ahora esta piedra rompe tu soledad
Pero he aquí que yo, desde esta pequeña piedra, te entiendo, te descubro y te reconozco y te agrego y te acompaño
Pensando en Ti hago esta pequeña piedra. ¿Dónde está el río ahora, ese desesperado río que me empujaba hacia la muerte porque podía desocuparme de Ti?
Jorge Oteiza, Androcanto y sigo EL MITO OTEIZA «De todos los misterios del universo, ninguno más profundo que el de la creación. Cada vez que surge algo que antes no había existido nos vence la sensación de que ha acontecido algo sobrenatural, de que ha estado obrando una fuerza sobrehumana, divina. Y nuestro respeto llega a su máximo, casi diría, se torna religioso, cuando aquello que aparece de repente no es cosa perecedera. Cuando no se desvanece como una flor, ni fallece como el hombre, sino que tiene fuerza para sobrevivir a nuestra propia época y a todos los tiempos por venir. A veces nos es dado asistir a ese milagro, y nos es dado en una esfera sola: en la del arte.» Stefan Zweig, El misterio de la creación artística (Conferencia pronunciada en Buenos Aires el 29 de octubre de 1940) El mismo Jorge Oteiza ha sido el creador de su propio mito. Escultor, poeta, teórico del arte, antropólogo, escritor, arquitecto, cineasta: todas sus actividades se legitiman en su praxis escultórica de donde surgen y hacia donde se dirigen. Cuando después de ganar la Bienal de Sao Paulo decide abandonar la escultura, su actividad humana se centra en ser un hombre de acción e intervenir en el País Vasco en cualquier institución que él cree precisar con su presencia o su opinión. En 1963 la aparición del Quousque tandem
! supone un revulsivo para el ambiente cultural vasco. Yo tenía quince años cuando lo leí y para mí, como para tantos otros, supuso una revelación tanto de nuestro país, como de la teoría estética. Desde entonces nada fue igual en el panorama cultural vasco, desde entonces todos hemos conocido a Oteiza alguna vez en persona. Apreciábamos su energía, su palabra, sus gestos. Pretendía que el hombre era un enfermo o no era un hombre y que su curación era la creación artística, que lo defiende y le protege. Estas páginas continuaron en Ejercicios espirituales en un túnel aparecido más tarde por culpa de la censura de Fraga Iribarne. Pues bien, en 1995 el escultor reunió diversos materiales (artículos, declaraciones, textos de catálogos) en un orden no cronológico, sin carácter de exhaustividad, que entregó al editor de Pamiela, para que se publicara en un volumen con el título de Mentalidad vasca y es el que el lector tiene en sus manos. En la primera parte el lector observará en estos trabajos ideas que luego se desarrollarán en el Quousque tandem
! y que se encuadran en el conflicto entre sociedad y creador. En Oteiza hay una contradicción entre instituciones (museos, organismos públicos) e individuo: por un lado, está la negación de su función y por otro, la necesidad de su existencia para el conocimiento de la obra. En la segunda parte el lector encontrará estudios de creadores cercanos a él por una u otra razón y en los que se desvela su gran capacidad como crítico de arte. Con estos trabajos se renueva la publicación de los escritos de Oteiza, sin que haya terminado la investigación sobre ellos, que continúa. Heidegger a quien Oteiza consideraba profesor definía al hombre como un ser-para-la-muerte. Malraux le replicó y ¿por qué no contra-la-muerte? Entre estas dos definiciones contradictorias transcurrió la vida de Oteiza, y por ende, su legado, que podríamos titular de la negación a la utopía. José Julián Bakedano
Descubra la historia de los movimientos artísticos desde las obras de la Antigua Grecia hasta el Renacimiento italiano, los prerrafaelistas y los maestros del impresionismo con una nueva edición de este clásico superventas. Descubra la historia de los movimientos artísticos desde las obras de la Antigua Grecia hasta el Renacimiento italiano, los prerrafaelistas y los maestros del impresionismo con una nueva edición de este clásico superventas. Con unos contenidos verdaderamente globales, Arte nos expone las obras maestras de más de 700 artistas entre los que se encuentran Leonardo da Vinci, Picasso o Van Gogh. Es una valiosísima obra de referencia para cualquier amante del arte, un libro que nos muestra visualmente las obras; todo, desde la pintura del Barroco italiano y el arte africano hasta la historia del arte contemporáneo. Descubra las claves de los movimientos artísticos más prominentes, incluidos sus orígenes e influencias, y siga la línea temporal de sus obras más valiosas. Inspírese con los detalles de cada materia tratada y con los métodos utilizados por cada artista para crear sus obras maestras, y explore siglos, culturas y países al embarcarse en este definitivo viaje artístico a través del tiempo. Creada en colaboración con Bridgeman, la mayor biblioteca de arte del mundo, Arte. La historia visual definitiva es una obra que todo el mundo debetener en su colección de libros.
Ejercicios de ocupación es el quinto título de la colección Cuerpo de Letra, centrada en los estudios sobre la danza y el pensamiento contemporáneos. Además de recuperar dos textos de autores que han sido claves en el desarrollo del discurso sobre los afectos durante las últimas décadas (Brian Massumi y Eve Kosofsky Sedgwick), se presentan una serie de artículos escritos específicamente para este volumen desde la teoría y la práctica artística. Estos textos pretenden relanzar el debate alrededor de los afectos en relación con el momento presente. Recuperar la consciencia de cómo nuestros cuerpos son ocupados y son capaces de ocupar otros nos permite pensar formas de hacer y vivir que no reproduzcan la asimilación tautológica entre realidad y capitalismo. Debido a que el lenguaje también es afectivo, Ejercicios de ocupación adquiere a veces un tono poético. Se trata de un conjunto de textos rítmicos, anómalos y vibracionales. Contribuciones de Mary Zournazi, Brian Massumi, Eve Kosofsky Sedgwick, Bartolomé Ferrando, Ixiar Rozas, Paula Caspão, Bojana Kunst, Isabel de Naverán, Aimar Pérez Galí, Itziar Okariz, Idoia Zabaleta, Pedro G. Romero, Mireia Sallarès, Quim Pujol. Una colaboración con MERCAT DE LES FLORS. INSTITUT DEL TEATRE
Catálogo de la exposición celebrada en el Museo Nacional Reina Sofía, octubre 2014-febrero 2015. La noción de un "saber realmente útil" surge a principios del siglo XIX junto con la conciencia obrera acerca de una necesidad de auto-educación. En las décadas de 1820 y 1830, las organizaciones obreras del Reino Unido introdujeron esta frase para describir un cuerpo de saberes que abarcaba varias disciplinas "no prácticas" tales como la política, la economía y la filosofía, en oposición a los "saberes útiles" pregonados por los patronos, quienes tiempo antes empezaron a aumentar la inversión en el avance de sus empresas a través de la financiación de la educación de los obreros en habilidades y disciplinas "pertinentes" como la ingeniería, la física, la química o las matemáticas. En esta referencia a las olvidadas luchas de clase del capitalismo temprano, el título de la exposición sugiere una indagación en un "saber realmente útil" desde una perspectiva contemporánea.La muestra intenta posicionar la noción de pedagogía crítica como un elemento crucial en las luchas colectivas, así como investigar la tensión entre la emancipación individual y la emancipación social a través de la educación, en ejemplos tanto históricos como actuales, y su relación con formas organizativas capaces de liderar una resistencia unificada a la reproducción del capital. Al hacerlo, la exposición insiste en el uso colectivo de recursos, acciones y experimentos públicos, bien olvidados o bajo amenaza de erradicación, tomando el museo como lugar pedagógico dedicado al análisis de formas artísticas interconectadas con relaciones sociales reales o deseadas
Alvar Aalto (1898-1976) fue el arquitecto finlandés más prestigioso del siglo pasado y padre del Movimiento Moderno escandinavo. En una ocasión dijo: Dios creó el papel con la finalidad de bocetar arquitectura sobre él. Todo lo demás, al menos para mí, es hacer mal uso del papel. La modernidad de Aalto estribada en la utilización de materiales naturales, colores cálidos y líneas ondulantes, razón por la que se le considera también un notable exponente del incipiente Diseño Orgánico. De su faceta como diseñador al margen de la arquitectura son igualmente apreciados los jarrones, las lámparas, los artículos de cristal y los muebles de contrachapado curvado y laminado (promovidos y producidos a través de Artek, empresa de diseño de la que fue cofundador). Entre sus piezas emblemáticas figuran el jarrón Savoy, la silla Paimio y la lámpara Beehive (Colmena). Esta monografía en torno a los diseños de mobiliario de Alvar Aalto es una importantísima aportación bibliográfica para el estudio del influyente arquitecto y diseñador.
Conocidos sobre todo por su contribución a la arquitectura, al diseño de mobiliario, al diseño industrial, al cine y la fotografía , Charles y Ray Eames se cuentan entre los diseñadores norteamericanos más célebres del siglo XX. En 1946 Evan Products inició la fabricación de los muebles en contrachapado de los Eames. Su mítica silla de contrachapado moldeado fue designada como la silla del siglo por la ingluyente crítica de arquitectura Esther McCoy. En 1949, Charles y Ray diseñaron y construyeron su domicilio particular en Pacific Palissades, el diseño y el imaginativo uso de los materiales convirtió la casa en la meca de arquitectos y diseñadores internacionales. Después de la guerra los Eames continuaron creando nuevos diseños de muebles, como las sillas de fibra de vidrio 1950, el famoso sillón con reposapiés 1956, el taburete Time Life 1960, el sofá 3473 en 1964 y los asientos de los aeropuertos Dulles y O Hare, un modelo que todavía se utiliza en multitud de salas de espera de todo el planeta.
?Si algún día te perdieses en el bosquem busca el camino que lleva al Sembar protector, el que brilla como el oro en la noche. [Fragmento de La Noche del Sembar Luminoso] Distintas visiones de los árboles, representadas con intrincados dibujos, llenan las páginas de este asombroso libro de arte sobre la tradición de la tribu Gond, arraigada en la India Central. Habitantes de los bosques desde tiempo remoto, los Gond sostienen que los árboles son el eje de la vida: durante el día realizan un arduo trabajo ofreciéndonos sombra, cobijo y alimento; pero por la noche, cuando los visitantes diurnos se marchan, son los espíritus los que se nos revelan. Estos espíritus luminosos están magníficamente plasmados en ?La vida nocturna de los árboles?.
La presente obra trata de ofrecer una visión de conjunto de las ideas existentes en la España de los siglos XVI al XVIII, con las necesarias referencias al mundo americano, sobre los animales.
Poco después de la publicación de La ola en inglés, recibí un correo electrónico del propietario de una librería del Reino Unido acerca de la ilustración de la página anterior. «Estamos un poco confundidos por las ilustraciones a doble página de este libro, parece como si faltaran parte de la niña y de las gaviotas. ¿Es así? Lo hemos comprobado con el proveedor, con el distribuidor y con otra librería y en todos los casos los ejemplares son iguales que nuestra copia. Así pues, ¿es que nosotros no lo hemos entendido o es un fallo de imprenta? ¿...era un fallo de imprenta? Abrimos un libro ilustrado. Contemplamos el sueño que hay «dentro» del libro. Sin embargo, de un modo u otro, nos afecta la forma del libro, la textura del papel, la dirección en la que pasamos las páginas. Los aspectos físicos del libro pueden limitar la imaginación del artista pero, por otro lado, también pueden convertirse en un buen punto de partida para dar rienda suelta a la imaginación. Después de sumergirnos en un libro y volver a salir de él como quien sale de un sueño, el libro en tanto que objeto parece bastante distinto. Cuando abrimos un libro, las dos páginas que quedan expuestas ante nosotros se convierten en un amplio espacio. De hecho, son dos espacios separados con sus respectivos márgenes, pero el lector tiende a ignorar el pliegue central mientras lee. Hay una regla tácita en edición según la cual los ilustradores deben evitar dibujar en el centro de las dobles páginas para no interferir en la lectura. Pero ¿qué ocurre si se ignora esa regla? Álbum ilustrado sin texto, comentarios de Suzy Lee http://barbarafioreeditora.tumblr.com/post/87083495679/album-ilustrado-sin-texto-comentarios-de-suzy-lee
· Un recorrido por la obra más íntima de este polifacético artista (arquitecto fundamentalmente) donde se reproducen a tamaño real cuadernos de dibujos y algunas fotografías de sus impresiones de la naturaleza. · Sus modelos pueden ser zanjas o lugares de abandono y destrucción donde encuentra simetrías, paralelismos y texturas que plasma desde una luz quebrada para hablar de la inconstancia y lo precario. · Inland es un viaje tierra adentro, una aventura en búsqueda de la naturaleza. · Acompaña la exposición antológica del artista que inaugura en octubre de 2014 en el Museo de Arte Contemporáneo Esteban Vicente de Segovia.