Destacado pintor de la tradición barroca española, junto a El Greco,Velázquez y Zurbarán, José Ribera fue el más tenebrista de todos ellos y el primero en ser llamado «artista y grabador». Su primer estilo, unas veces inspirado en Caravaggio y otras en el método empleado por Guido Reni, refleja indicios del estudio de los maestros españoles y venecianos. Junto a enormes y predominantes sombras, Ribera siempre confirió una gran fuerza al colorido local. A principios de la década de 1630, su estilo se alejó de los fuertes contrastes de luz y oscuridad para adoptar una iluminación más difusa y dorada. En esta obra, Javier Portús, jefe de Conservación de Pintura Española (hasta 1700) del Museo del Prado, nos presenta la trayectoria de Ribera desde una nueva perspectiva, centrando su investigación en los primeros años del artista, que son los que los historiadores de arte menos han abordado hasta la fecha.
Dos son las cuestiones relacionadas entre sí que este libro analiza. La primera muestra que la gramática y la retórica de una lengua pueden condicionar sustancialmente nuestra manera de describir y, por tanto, de percibir las imágenes y otras experiencias visuales. La segunda analiza concretamente la idea de «composición» pictórica la aportación humanística de mayor interés en este campo concebida por Alberti, Baxandall sostiene que la noción según la cual existe una «composición» pictórica surgió de la condición del humanista y no solamente de la situación de la pintura en el siglo XV.
Pablo Picasso (1881-1973) es, sin duda, el artista más prolífico e influyente del recién clausurado siglo XX. Las diversas etapas que la crítica y los historiadores han querido ver en su dilatada trayectoria han ayudado más a la clasificación que al análisis y a la interpretación de su obra. Abandonando el uso tradicional de la materia como sujeto para obtener variedad y significado, Picasso la redujo gradualmente a un puñado de motivos estandarizados y usó un amplio abanico de diferentes estilos como principales medios para comunicar ideas y sentimientos. En definitiva, en Picasso, estilo es significado; su proteica y cambiante naturaleza encontró su expresión en la variedad estilística y en la constante experimentación. A largo de su extenso ensayo, Josep Palau Fabre va desgranando las claves de un periodo (1927-1939) y de un artista plenamente consciente de la complejidad de su tiempo y de la atemporalidad del verdadero arte: «Repetidamente se me pregunta acerca de la evolución de mi pintura. Para mí no hay pasado y futuro en el arte. Si una obra de arte no puede vivir siempre en el presente, no debe ser considerada como tal. El arte de los griegos, de los egipcios, de los grandes pintores que vivieron en otros tiempos, no es un arte del pasado, quizás está más vivo hoy de lo que estuvo nunca».
El escultor Alberto Giacometti, de origen suizo (1901?1966), es conocido sobre todo por sus bronces de figuras fantasmales y descarnadas, que han hecho de él una figura clave de la escultura del siglo XX. Esta impresionante monografía recopila los penetrantes ensayos que Véronique Wiesinger, directora de la Fundación Alberto y Annette Giacometti de París, le ha dedicado durante casi una década. Al contrario que los estudiosos que centran sus análisis en la denominada crisis de la Segunda Guerra Mundial, Wiesinger cree que «la verdadera ruptura fue de naturaleza filosófica y no histórica, una ruptura de carácter constante y que está integrada en la obra. Existe una profunda unidad en el enfoque artístico de Giacometti, unidad que Michael Brenson subrayaba ya en 1974 cuando dedicó su tesis doctoral a la obra de Giacometti anterior a la Guerra, siendo además el primero en señalarla como elemento clave para interpretar el resto de la producción del artista. En efecto, resulta más fructífero considerar estas crisis como oscilaciones, giros y vueltas, movimientos pendulares o como momentos epifánicos. También hubo tiempos meseta para el artista, que dedicó a reelaborar y a integrar sus sucesivos descubrimientos sobre la percepción de la realidad». A través de ocho breves ensayos ilustrados, muy bien apoyados por notas biográficas, el libro revisa el conjunto de la trayectoria de Giacometti, desde sus relaciones con su padre a la importancia del tiempo y el espacio en su obra.
"Cuando la pintura es un arte" muestra una selección de ochenta extraordinarias obras de arte de todo el mundo, y analiza qué es lo que las hace tan extraordinarias, ( Miguel Ángel, Wermeer, Hopper,?) en las que se han incluido también unas pocas esculturas debido a su valor en la historia del arte. Andy Pankhurst y Lucinda Hawksley revelarán al lector las cualidades únicas y destacables de estas obras clave.
Durante décadas, José Luis Pérez Ocaña ha sido una figura totalmente ignorada por la historiografía del arte español. Más presente en periódicos de la época que en las galerías y en las revistas de arte, cabría preguntarse si recuperar a Ocaña hoy como artista queerno es sino deshistorizarlo,imponiendo genealogías y nociones que, más que revelar, ocultan los contextos de producción discursiva, artística y política del posfranquismo, pero también de la contracultura.Cuando Andy Warhol es encumbrado por el Museum of Modern Art, dos años después de su muerte, en 1989, como uno de los artistas más emblemáticos del arte norteamericano, Douglas Crimp se pregunta, forzando a la historiografía del arte a mirar de frente a los estudios culturales y queer, «¿cuál es el Warhol que merecemos?». Hoy podemos preguntarnos: ¿cuál es el Ocaña que merecemos? Esta monografía es el primer trabajo sistemático dedicado a Ocaña y, como apunta Pedro G. Romero, responsable de la edición, un intento por «resituar algunos comportamientos que se han escapado con demasiada frecuencia al ámbito artístico para aparecer como meros hechos socioculturales».
Pese a que el mundo del Arte y el Derecho tradicionalmente se nos han presentado como ámbitos alejados el uno el otro, lo cierto es que hoy el sistema jurídico condiciona como nunca la creación artística, su difusión, conservación y comercialización. La conocida aversión y desinterés de los artistas y demás operadores del mercado del arte por el derecho choca en nuestros días con una realidad aplastante: la normativa jurídica en los países occidentales ha crecido tanto, como consecuencia de lo que ya en 1977 el profesor de Yale Grant Gilmore calificó como , que hoy no es posible obviarla por nadie, ni tampoco por los protagonistas del mundo del arte. No es posible, pero tampoco es inteligente, pues en la medida en que el arte ha cobrado una mayor importancia económica en nuestra sociedad, son muy numerosos los ataques que en sus derechos e intereses culturales y económicos sufren los artistas, los museos, las instituciones culturales, los coleccionistas, los Estados y la sociedad en general. Consecuente con esta nueva realidad, la colección de la Fundació Gala-Salvador Dalí se creó en el año 2011 con la voluntad de promover un conocimiento sobre temas legales y económicos que pueda ser útil a todos los estamentos e instituciones mencionados, y que contribuya la protección, conservación, divulgación y prestigio del patrimonio artístico de todos los ciudadanos. Milton Esterow, ARTnews Michael Findlay, marchante de arte de prestigio internacional, es director de Acquavella Galleries en Nueva York, conocido por las grandes exposiciones de maestros de la pintura de los siglos XIX y XX, como las de Pablo Picasso, Georges Braque, James Rosenquist y Lucian Freud. Nacido en Escocia, comenzó su carrera en Nueva York en 1964, donde fue pionero de la legendaria galería SoHo y presentó importantes exposiciones individuales de artistas entonces desconocidos como John Baldessari, Stephen Mueller, Sean Scully o Hannah Wilke. En 1984 se incorporó a Christie's como responsable de pintura impresionista y moderna y más tarde fue nombrado Director Internacional de Arte y miembro de consejo de administración hasta el año 2000.
Dos siglos llaman a la puerta es, al tiempo que un homenaje a la labor historiográfica y novelística de Ramón Solís, un balance sobre las reflexiones y debates a que han dado lugar los ocho congresos doceañistas organizados por la Universidad de Cádiz.
El pensamiento de Jacques Rancière se ha convertido en los últimos años en una de las referencias centrales para el mundo del arte. Su sentido de la estética y la política es utilizado por un gran número de discursos artísticos contemporáneos, y su vocabulario es empleado constantemente por parte de críticos, comisarios, artistas, historiadores o, incluso, museólogos, hasta el punto de que, en la actualidad, sea prácticamente imposible leer un texto sobre arte contemporáneo que no aluda a términos como desacuerdo, emancipación, imagen intolerable, pensatividad, régimen estético, reparto de lo sensible, magisterio de la ignorancia, la parte de los sin parte, comunidad de iguales Y es precisamente en ese contexto en el que un libro como el que aquí se presenta tiene sentido y pertinencia. Un libro que resiste ante la banalización y la epidemia de las palabras mágicas y que aboga por la complejidad y el análisis serio y meditado de un pensamiento, el de Rancière, que de ninguna manera puede ser reducido a las apenas tres cuatro líneas justificativas que tiene en los textos críticos. Miguel Á. Hernández Navarro (Profesor de Historia del Arte Contemporáneo en la Universidad de Murcia, escritor y crítico de arte)
Estudia la relación palabra/imagen en la literatura y el arte latinoamericano del siglo XX. Analiza así, entre otras, la obra de Xul Solar, las imágenes de don Quijote creadas por Guadalupe Posada y títulos de Borges y Vargas Llosa.
A lo largo de los siglos los artistas se han visto sucesivamente ensalzados y olvidados, encumbrados a la fama u omitidos en el discurso de la historia del arte. Nuevas modas, el cambio de las corrientes historiográficas o investigaciones reveladoras enaltecen a creadores hasta entonces en el olvido y apartan de los focos a otros que gozaron de gran éxito años atrás. Este ensayo aporta nueva luz sobre muchos de estos autores y así es posible redescubrirlos gracias a los dieciocho especialistas nacionales e internacionales que participan.
Destacado pintor de la tradición barroca española, junto a El Greco,Velázquez y Zurbarán, José Ribera fue el más tenebrista de todos ellos y el primero en ser llamado «artista y grabador». Su primer estilo, unas veces inspirado en Caravaggio y otras en el método empleado por Guido Reni, refleja indicios del estudio de los maestros españoles y venecianos. Junto a enormes y predominantes sombras, Ribera siempre confirió una gran fuerza al colorido local. A principios de la década de 1630, su estilo se alejó de los fuertes contrastes de luz y oscuridad para adoptar una iluminación más difusa y dorada. En esta obra, Javier Portús, jefe de Conservación de Pintura Española (hasta 1700) del Museo del Prado, nos presenta la trayectoria de Ribera desde una nueva perspectiva, centrando su investigación en los primeros años del artista, que son los que los historiadores de arte menos han abordado hasta la fecha.
Dos son las cuestiones relacionadas entre sí que este libro analiza. La primera muestra que la gramática y la retórica de una lengua pueden condicionar sustancialmente nuestra manera de describir y, por tanto, de percibir las imágenes y otras experiencias visuales. La segunda analiza concretamente la idea de «composición» pictórica la aportación humanística de mayor interés en este campo concebida por Alberti, Baxandall sostiene que la noción según la cual existe una «composición» pictórica surgió de la condición del humanista y no solamente de la situación de la pintura en el siglo XV.
Pablo Picasso (1881-1973) es, sin duda, el artista más prolífico e influyente del recién clausurado siglo XX. Las diversas etapas que la crítica y los historiadores han querido ver en su dilatada trayectoria han ayudado más a la clasificación que al análisis y a la interpretación de su obra. Abandonando el uso tradicional de la materia como sujeto para obtener variedad y significado, Picasso la redujo gradualmente a un puñado de motivos estandarizados y usó un amplio abanico de diferentes estilos como principales medios para comunicar ideas y sentimientos. En definitiva, en Picasso, estilo es significado; su proteica y cambiante naturaleza encontró su expresión en la variedad estilística y en la constante experimentación. A largo de su extenso ensayo, Josep Palau Fabre va desgranando las claves de un periodo (1927-1939) y de un artista plenamente consciente de la complejidad de su tiempo y de la atemporalidad del verdadero arte: «Repetidamente se me pregunta acerca de la evolución de mi pintura. Para mí no hay pasado y futuro en el arte. Si una obra de arte no puede vivir siempre en el presente, no debe ser considerada como tal. El arte de los griegos, de los egipcios, de los grandes pintores que vivieron en otros tiempos, no es un arte del pasado, quizás está más vivo hoy de lo que estuvo nunca».
El escultor Alberto Giacometti, de origen suizo (1901?1966), es conocido sobre todo por sus bronces de figuras fantasmales y descarnadas, que han hecho de él una figura clave de la escultura del siglo XX. Esta impresionante monografía recopila los penetrantes ensayos que Véronique Wiesinger, directora de la Fundación Alberto y Annette Giacometti de París, le ha dedicado durante casi una década. Al contrario que los estudiosos que centran sus análisis en la denominada crisis de la Segunda Guerra Mundial, Wiesinger cree que «la verdadera ruptura fue de naturaleza filosófica y no histórica, una ruptura de carácter constante y que está integrada en la obra. Existe una profunda unidad en el enfoque artístico de Giacometti, unidad que Michael Brenson subrayaba ya en 1974 cuando dedicó su tesis doctoral a la obra de Giacometti anterior a la Guerra, siendo además el primero en señalarla como elemento clave para interpretar el resto de la producción del artista. En efecto, resulta más fructífero considerar estas crisis como oscilaciones, giros y vueltas, movimientos pendulares o como momentos epifánicos. También hubo tiempos meseta para el artista, que dedicó a reelaborar y a integrar sus sucesivos descubrimientos sobre la percepción de la realidad». A través de ocho breves ensayos ilustrados, muy bien apoyados por notas biográficas, el libro revisa el conjunto de la trayectoria de Giacometti, desde sus relaciones con su padre a la importancia del tiempo y el espacio en su obra.
"Cuando la pintura es un arte" muestra una selección de ochenta extraordinarias obras de arte de todo el mundo, y analiza qué es lo que las hace tan extraordinarias, ( Miguel Ángel, Wermeer, Hopper,?) en las que se han incluido también unas pocas esculturas debido a su valor en la historia del arte. Andy Pankhurst y Lucinda Hawksley revelarán al lector las cualidades únicas y destacables de estas obras clave.
Durante décadas, José Luis Pérez Ocaña ha sido una figura totalmente ignorada por la historiografía del arte español. Más presente en periódicos de la época que en las galerías y en las revistas de arte, cabría preguntarse si recuperar a Ocaña hoy como artista queerno es sino deshistorizarlo,imponiendo genealogías y nociones que, más que revelar, ocultan los contextos de producción discursiva, artística y política del posfranquismo, pero también de la contracultura.Cuando Andy Warhol es encumbrado por el Museum of Modern Art, dos años después de su muerte, en 1989, como uno de los artistas más emblemáticos del arte norteamericano, Douglas Crimp se pregunta, forzando a la historiografía del arte a mirar de frente a los estudios culturales y queer, «¿cuál es el Warhol que merecemos?». Hoy podemos preguntarnos: ¿cuál es el Ocaña que merecemos? Esta monografía es el primer trabajo sistemático dedicado a Ocaña y, como apunta Pedro G. Romero, responsable de la edición, un intento por «resituar algunos comportamientos que se han escapado con demasiada frecuencia al ámbito artístico para aparecer como meros hechos socioculturales».
Pese a que el mundo del Arte y el Derecho tradicionalmente se nos han presentado como ámbitos alejados el uno el otro, lo cierto es que hoy el sistema jurídico condiciona como nunca la creación artística, su difusión, conservación y comercialización. La conocida aversión y desinterés de los artistas y demás operadores del mercado del arte por el derecho choca en nuestros días con una realidad aplastante: la normativa jurídica en los países occidentales ha crecido tanto, como consecuencia de lo que ya en 1977 el profesor de Yale Grant Gilmore calificó como , que hoy no es posible obviarla por nadie, ni tampoco por los protagonistas del mundo del arte. No es posible, pero tampoco es inteligente, pues en la medida en que el arte ha cobrado una mayor importancia económica en nuestra sociedad, son muy numerosos los ataques que en sus derechos e intereses culturales y económicos sufren los artistas, los museos, las instituciones culturales, los coleccionistas, los Estados y la sociedad en general. Consecuente con esta nueva realidad, la colección de la Fundació Gala-Salvador Dalí se creó en el año 2011 con la voluntad de promover un conocimiento sobre temas legales y económicos que pueda ser útil a todos los estamentos e instituciones mencionados, y que contribuya la protección, conservación, divulgación y prestigio del patrimonio artístico de todos los ciudadanos. Milton Esterow, ARTnews Michael Findlay, marchante de arte de prestigio internacional, es director de Acquavella Galleries en Nueva York, conocido por las grandes exposiciones de maestros de la pintura de los siglos XIX y XX, como las de Pablo Picasso, Georges Braque, James Rosenquist y Lucian Freud. Nacido en Escocia, comenzó su carrera en Nueva York en 1964, donde fue pionero de la legendaria galería SoHo y presentó importantes exposiciones individuales de artistas entonces desconocidos como John Baldessari, Stephen Mueller, Sean Scully o Hannah Wilke. En 1984 se incorporó a Christie's como responsable de pintura impresionista y moderna y más tarde fue nombrado Director Internacional de Arte y miembro de consejo de administración hasta el año 2000.
Dos siglos llaman a la puerta es, al tiempo que un homenaje a la labor historiográfica y novelística de Ramón Solís, un balance sobre las reflexiones y debates a que han dado lugar los ocho congresos doceañistas organizados por la Universidad de Cádiz.
El pensamiento de Jacques Rancière se ha convertido en los últimos años en una de las referencias centrales para el mundo del arte. Su sentido de la estética y la política es utilizado por un gran número de discursos artísticos contemporáneos, y su vocabulario es empleado constantemente por parte de críticos, comisarios, artistas, historiadores o, incluso, museólogos, hasta el punto de que, en la actualidad, sea prácticamente imposible leer un texto sobre arte contemporáneo que no aluda a términos como desacuerdo, emancipación, imagen intolerable, pensatividad, régimen estético, reparto de lo sensible, magisterio de la ignorancia, la parte de los sin parte, comunidad de iguales
Y es precisamente en ese contexto en el que un libro como el que aquí se presenta tiene sentido y pertinencia. Un libro que resiste ante la banalización y la epidemia de las palabras mágicas y que aboga por la complejidad y el análisis serio y meditado de un pensamiento, el de Rancière, que de ninguna manera puede ser reducido a las apenas tres cuatro líneas justificativas que tiene en los textos críticos. Miguel Á. Hernández Navarro (Profesor de Historia del Arte Contemporáneo en la Universidad de Murcia, escritor y crítico de arte)
Estudia la relación palabra/imagen en la literatura y el arte latinoamericano del siglo XX. Analiza así, entre otras, la obra de Xul Solar, las imágenes de don Quijote creadas por Guadalupe Posada y títulos de Borges y Vargas Llosa.
A lo largo de los siglos los artistas se han visto sucesivamente ensalzados y olvidados, encumbrados a la fama u omitidos en el discurso de la historia del arte. Nuevas modas, el cambio de las corrientes historiográficas o investigaciones reveladoras enaltecen a creadores hasta entonces en el olvido y apartan de los focos a otros que gozaron de gran éxito años atrás. Este ensayo aporta nueva luz sobre muchos de estos autores y así es posible redescubrirlos gracias a los dieciocho especialistas nacionales e internacionales que participan.