Este léxico (según el título original en francés) o vocabulario, como se tradujo en español, es un compendio enciclopédico de los principales términos del mundo del arte. Aquí editamos la traducción de José Ramón Mélida, y anota más de 600 voces. La obra va adornada con una gran cantidad de ilustraciones originales del propio J. Adeline.
Pese a que nunca salió de su tierra natal en los Países Bajos, Rembrandt van Rijn (1606-1669) cambió el curso del arte occidental con su extensísimo repertorio de pinturas, dibujos y grabados. Su prolífica obra abarca escenas religiosas, históricas y seculares, así como una de las más extraordinarias series de retratos y autorretratos de la historia.La textura, la luz y un agudo poder de observación son las características que identifican al maestro. Como repentinas y asombrosas apariciones en una oscura calle, los personajes brillan en fondos oscuros y profundos, fruto de una reproducción física y psicológica sumamente fiel y detallada. Ya sean figuras bíblicas o mitológicas, poderosos mecenas o conciudadanos, a todos ellos les confiere no sólo meticulosos rasgos faciales sino también la fuerza intrigante de los pensamientos y los sentimientos, de forma que incluso las narraciones de tiempos antiguos como el pasaje bíblico de David y Batseba alcanzan un nuevo nivel de drama humano. Rembrandt también fue el autor de una crónica de su propio rostro, desde su juventud hasta el año de su fallecimiento, compuesta por la serie más extensa de autorretratos jamás creada.Su ascenso coincidió con la eclosión de la Edad de Oro neerlandesa, época de prosperidad en los Países Bajos. Contó con el estímulo de ricos mecenas, pero, ante todo, lo impulsaba una profunda fascinación por las personas. En este libro repasamos algunas de las pinturas, grabados y dibujos clave de Rembrandt para presentar sus técnicas, inspiraciones y logros excepcionales. Desde el estilo barroco de El festín de Baltasar hasta la fama mundial de La ronda de noche, descubrimos un mundo de tonos ricos y profundos, un talento magistral para el dibujo y una extraordinaria sensibilidad por la condición humana.
Quan és un nen, la seva mare li diu: «Si et fas soldat, arribaràs a general. I si et fas capellà, seràs Papa.» Anys més tard, Picasso explicarà: «Vaig decidir ser pintor, i em vaig convertir en Picasso.» És a dir, l'artista per excel·lència del segle XX. En té prou amb un quadre, Les senyoretes d'Avinyó, per revolucionar la pintura moderna. Serà el gran mestre del cubisme, però també pintarà llenços a favor de la pau. En aquestes pàgines descobriràs aquestes i d'altres històries d'un pintor que mai no va deixar de ser jove.
Este libro explora la obra de artistas que trataron de mantener las expandidas posibilidades que se habían abierto para la pintura y la escultura a través de lo que se llamó el cubismo en París, entre 1911 y 1914. Esta pequeña comunidad de artistas se negó a trabajar en otro registro y a producir propaganda bélica. Rechazaron olvidar el entusiasmo de 1911-14, y mantuvieron la fe en su independencia como individuos, en una primera guerra tecnológica y mecanicista que amenazó con privar a cada soldado de primera línea de su propia humanidad, condenando, incluso a los extranjeros, a una ?guerra total ?. La gran mayoría de los jóvenes franceses se movilizaron, por lo que los artistas que permanecían en París eran o extranjeros, o demasiado viejos, o no aptos para el combate. Pablo Picasso, entonces llamado el inventor del cubismo, seguía siendo la figura de referencia, junto a sus compañeros españoles Juan Gris y María Blanchard, el mexicano Diego Rivera, el italiano Gino Severini, y el escultor lituano Jacques Lipchitz. Christopher Green es profesor emérito de Historia del Arte en el Courtauld Institute of Art, Londres. Entre sus publicaciones recientes figura Picasso: Architecture and Vertigo (New Haven y Londres, 2005).
he aquí un lúcido y oportuno recordatorio sobre aquellas cosas que tan a menudo parecen haber sido olvidadas en las consideraciones artísticas, como la importancia de la belleza, el misterio o la profundidad. tras décadas de hipocresía y pretenciosidad
Redescubierto a finales del siglo XIX, la obra de Vermeer (1632-1675) no ha dejado desde entonces de sorprendernos por la excepcionalidad que representa con respecto a sus contemporáneos holandeses, a su siglo y a la historia de la pintura en su conjunto. La perfección que todos le reconocen es todavía un enigma: ¿cómo, por qué, en qué condiciones, rodeado por quiénes pintó Vermeer esas escenas silenciosas? Vermeer. Obra completa responde a estos interrogantes desde perspectivas diversas y complementarias: el pintor y escritor Gilles Aillaud nos ofrece un ensayo conciso y depurado de la obra de Vermeer; John Michael Montias nos aproxima a sus principales acontecimientos biográficos, a sus orígenes sociales, su entorno familiar, sus bienes, sus contactos con la pintura de su tiempo, su ciudad; y Albert Blankert trata de comprender la originalidad de Vermeer y de situarla en su contexto histórico, analizando sus influencias y sus similitudes. Estas aportaciones se completan con la reproducción de todas sus obras muchas de ellas en detalle una antología crítica, y exhaustivas bibliografía y cronología.
Los estudios convencionales sobre el románico catalán no hacen justicia a la esencia de este arte. Por esta razón Diether Rudloff junto junto con la valoración artística de las obras, nos ofrece un estudio absolutamente nuevo sobre los valores y la esencia del románico en Cataluña. Su visión se orienta hacia un goetheanismo cognitivo moderno, matizado por las ideas de Rudolf Steiner, que entiende las diferentes etapas históricas de la conciencia humana como expresión de la metamorfosis de una conciencia espiritual permanente. Entre las diversas tipologías analizadas destacan los monasterios, con sus magníficos claustros (Sant Fruitós, Elna, La catedral de Girona, Ripoll, L Estany, Santes Creus), pero también la escultura, los códices y las pinturas murales, como las de Sant Climent de Taull o las de Sta. Maria d Esterri d Aneu, que en la actualidad se encuentran en gran parte en los museos de Barcelona y de Vic.
Este libro del arte ofrece múltiples e interesantes aspectos, no sólo porque señala los métodos y los materiales que empleaban entonces los pintores de la escuela de Giotto y nos proporciona preciosos datos sobre cuestiones técnicas de la época, sino también porque es el primero escrito con carácter especial para la pintura.
Este libro propone una nueva mirada a la ciudad, al tiempo que abre inusuales espacios vinculados al ámbito cultural. El entorno urbano se nos ofrece repleto de mensajes, de elementos que pueden resultar muy atractivos si los observamos desde perspectivas renovadas, fronterizas, sugerentes, creativas. Se reivindica aquí el caminar como práctica estética, el paseo como argumento cultural. Siguiendo la ruta de las letras encontramos trayectorias que nos conducen al arte, al patrimonio, a la literatura, a la fotografía, y muy especialmente hacia el contexto educativo. El autor ilustra con fotografías cada uno de los aspectos que van construyendo estas telarañas complejas, asuntos sociales que acaban teniendo en nuestras vidas un profundo calado emotivo, ya que participan de cada momento de nuestros recorridos sensitivos. Una invitación al paseo tipográfico.
Este libro es una guía completa para explorar todas las posibilidades creativas de la joyería y sus materiales. Además de información sobre el trabajo con metales, tanto preciosos como no preciosos, incluye técnicas empleadas con materiales naturales como la madera, el hueso, el nácar y el cuero, materiales tradicionales como la porcelana y el vidrio y otros más modernos como los acrílicos, resinas, cauchos, cemento y papel. Gracias a sus instrucciones paso a paso y a sus más de 400 muestras y fotografías a todo color, los joyeros de cualquier nivel conseguirán efectos asombrosos y maximizarán el impacto de sus creaciones.
Inédito en castellano hasta la fecha, este volumen muestra una selección personal del propio Antonio Saura que abarca todas sus grandes series (pintura, ilustración y grabado). 371 obras y más de 400 páginas, con textos y comentarios que igualmente fueron escritos y ordenados de tal modo por el artista para esta edición. Coeditada con Archives Antonio Saura, la fundación que gestiona junto a su familia, los derechos de las obras del pintor.
Este léxico (según el título original en francés) o vocabulario, como se tradujo en español, es un compendio enciclopédico de los principales términos del mundo del arte. Aquí editamos la traducción de José Ramón Mélida, y anota más de 600 voces. La obra va adornada con una gran cantidad de ilustraciones originales del propio J. Adeline.
Pese a que nunca salió de su tierra natal en los Países Bajos, Rembrandt van Rijn (1606-1669) cambió el curso del arte occidental con su extensísimo repertorio de pinturas, dibujos y grabados. Su prolífica obra abarca escenas religiosas, históricas y seculares, así como una de las más extraordinarias series de retratos y autorretratos de la historia.La textura, la luz y un agudo poder de observación son las características que identifican al maestro. Como repentinas y asombrosas apariciones en una oscura calle, los personajes brillan en fondos oscuros y profundos, fruto de una reproducción física y psicológica sumamente fiel y detallada. Ya sean figuras bíblicas o mitológicas, poderosos mecenas o conciudadanos, a todos ellos les confiere no sólo meticulosos rasgos faciales sino también la fuerza intrigante de los pensamientos y los sentimientos, de forma que incluso las narraciones de tiempos antiguos como el pasaje bíblico de David y Batseba alcanzan un nuevo nivel de drama humano. Rembrandt también fue el autor de una crónica de su propio rostro, desde su juventud hasta el año de su fallecimiento, compuesta por la serie más extensa de autorretratos jamás creada.Su ascenso coincidió con la eclosión de la Edad de Oro neerlandesa, época de prosperidad en los Países Bajos. Contó con el estímulo de ricos mecenas, pero, ante todo, lo impulsaba una profunda fascinación por las personas. En este libro repasamos algunas de las pinturas, grabados y dibujos clave de Rembrandt para presentar sus técnicas, inspiraciones y logros excepcionales. Desde el estilo barroco de El festín de Baltasar hasta la fama mundial de La ronda de noche, descubrimos un mundo de tonos ricos y profundos, un talento magistral para el dibujo y una extraordinaria sensibilidad por la condición humana.
Quan és un nen, la seva mare li diu: «Si et fas soldat, arribaràs a general. I si et fas capellà, seràs Papa.» Anys més tard, Picasso explicarà: «Vaig decidir ser pintor, i em vaig convertir en Picasso.» És a dir, l'artista per excel·lència del segle XX. En té prou amb un quadre, Les senyoretes d'Avinyó, per revolucionar la pintura moderna. Serà el gran mestre del cubisme, però també pintarà llenços a favor de la pau. En aquestes pàgines descobriràs aquestes i d'altres històries d'un pintor que mai no va deixar de ser jove.
Este libro explora la obra de artistas que trataron de mantener las expandidas posibilidades que se habían abierto para la pintura y la escultura a través de lo que se llamó el cubismo en París, entre 1911 y 1914. Esta pequeña comunidad de artistas se negó a trabajar en otro registro y a producir propaganda bélica. Rechazaron olvidar el entusiasmo de 1911-14, y mantuvieron la fe en su independencia como individuos, en una primera guerra tecnológica y mecanicista que amenazó con privar a cada soldado de primera línea de su propia humanidad, condenando, incluso a los extranjeros, a una ?guerra total ?. La gran mayoría de los jóvenes franceses se movilizaron, por lo que los artistas que permanecían en París eran o extranjeros, o demasiado viejos, o no aptos para el combate. Pablo Picasso, entonces llamado el inventor del cubismo, seguía siendo la figura de referencia, junto a sus compañeros españoles Juan Gris y María Blanchard, el mexicano Diego Rivera, el italiano Gino Severini, y el escultor lituano Jacques Lipchitz. Christopher Green es profesor emérito de Historia del Arte en el Courtauld Institute of Art, Londres. Entre sus publicaciones recientes figura Picasso: Architecture and Vertigo (New Haven y Londres, 2005).
he aquí un lúcido y oportuno recordatorio sobre aquellas cosas que tan a menudo parecen haber sido olvidadas en las consideraciones artísticas, como la importancia de la belleza, el misterio o la profundidad. tras décadas de hipocresía y pretenciosidad
Guía de mano de la exposición "ALFONSO Y LEONOR. REYES DE CASTILLA: VIII CENTENARIO"
Redescubierto a finales del siglo XIX, la obra de Vermeer (1632-1675) no ha dejado desde entonces de sorprendernos por la excepcionalidad que representa con respecto a sus contemporáneos holandeses, a su siglo y a la historia de la pintura en su conjunto. La perfección que todos le reconocen es todavía un enigma: ¿cómo, por qué, en qué condiciones, rodeado por quiénes pintó Vermeer esas escenas silenciosas? Vermeer. Obra completa responde a estos interrogantes desde perspectivas diversas y complementarias: el pintor y escritor Gilles Aillaud nos ofrece un ensayo conciso y depurado de la obra de Vermeer; John Michael Montias nos aproxima a sus principales acontecimientos biográficos, a sus orígenes sociales, su entorno familiar, sus bienes, sus contactos con la pintura de su tiempo, su ciudad; y Albert Blankert trata de comprender la originalidad de Vermeer y de situarla en su contexto histórico, analizando sus influencias y sus similitudes. Estas aportaciones se completan con la reproducción de todas sus obras muchas de ellas en detalle una antología crítica, y exhaustivas bibliografía y cronología.
Los estudios convencionales sobre el románico catalán no hacen justicia a la esencia de este arte. Por esta razón Diether Rudloff junto junto con la valoración artística de las obras, nos ofrece un estudio absolutamente nuevo sobre los valores y la esencia del románico en Cataluña. Su visión se orienta hacia un goetheanismo cognitivo moderno, matizado por las ideas de Rudolf Steiner, que entiende las diferentes etapas históricas de la conciencia humana como expresión de la metamorfosis de una conciencia espiritual permanente. Entre las diversas tipologías analizadas destacan los monasterios, con sus magníficos claustros (Sant Fruitós, Elna, La catedral de Girona, Ripoll, L Estany, Santes Creus), pero también la escultura, los códices y las pinturas murales, como las de Sant Climent de Taull o las de Sta. Maria d Esterri d Aneu, que en la actualidad se encuentran en gran parte en los museos de Barcelona y de Vic.
Este libro del arte ofrece múltiples e interesantes aspectos, no sólo porque señala los métodos y los materiales que empleaban entonces los pintores de la escuela de Giotto y nos proporciona preciosos datos sobre cuestiones técnicas de la época, sino también porque es el primero escrito con carácter especial para la pintura.
Este libro propone una nueva mirada a la ciudad, al tiempo que abre inusuales espacios vinculados al ámbito cultural. El entorno urbano se nos ofrece repleto de mensajes, de elementos que pueden resultar muy atractivos si los observamos desde perspectivas renovadas, fronterizas, sugerentes, creativas. Se reivindica aquí el caminar como práctica estética, el paseo como argumento cultural. Siguiendo la ruta de las letras encontramos trayectorias que nos conducen al arte, al patrimonio, a la literatura, a la fotografía, y muy especialmente hacia el contexto educativo. El autor ilustra con fotografías cada uno de los aspectos que van construyendo estas telarañas complejas, asuntos sociales que acaban teniendo en nuestras vidas un profundo calado emotivo, ya que participan de cada momento de nuestros recorridos sensitivos. Una invitación al paseo tipográfico.
Este libro es una guía completa para explorar todas las posibilidades creativas de la joyería y sus materiales. Además de información sobre el trabajo con metales, tanto preciosos como no preciosos, incluye técnicas empleadas con materiales naturales como la madera, el hueso, el nácar y el cuero, materiales tradicionales como la porcelana y el vidrio y otros más modernos como los acrílicos, resinas, cauchos, cemento y papel. Gracias a sus instrucciones paso a paso y a sus más de 400 muestras y fotografías a todo color, los joyeros de cualquier nivel conseguirán efectos asombrosos y maximizarán el impacto de sus creaciones.
Inédito en castellano hasta la fecha, este volumen muestra una selección personal del propio Antonio Saura que abarca todas sus grandes series (pintura, ilustración y grabado). 371 obras y más de 400 páginas, con textos y comentarios que igualmente fueron escritos y ordenados de tal modo por el artista para esta edición. Coeditada con Archives Antonio Saura, la fundación que gestiona junto a su familia, los derechos de las obras del pintor.