la exposición geografía física y humana, comisariada por estrella de diego, presenta un recorrido por la obra de la artista brasileña anna bella geiger (río de janeiro, 1933), una figura imprescindible en la historia del arte conceptual brasileño y en el
Martín Chirino se consideraba 'un estoico apasionado', convencido de que 'sin pasión no hay vida', y 'un solitario errante y cosmopolita', con el exclusivo límite al nomadismo perpetuo -Canarias, Nueva York, París, Madrid...- del taller, ubicuo y casi portátil, que 'es, tal vez, mi único y verdadero hogar'. Martín Chirino. La memoria esculpida. Conversaciones con Antonio Puente es la biografía artística e intelectual, y sobre todo humana, de uno de los artistas españoles contemporáneos con mayor proyección internacional. Por espacio de tres años, se sucedieron las conversaciones entre el escultor Martín Chirino y el escritor y periodista Antonio Puente, tanto en su residencia canaria como en su casa madrileña de Morata de Tajuña. Desde el privilegio de la lúcida longevidad, Chirino desgrana aquí la evolución de su pensamiento sobre la vida en general y el arte en particular; un valioso testimonio cruzado que, a partir de su origen insular, tan determinante en su obra, se extiende a tres continentes: África, clave en la primera etapa de su formación; América, donde residió -a orillas del río Hudson, en Nueva York-, y Europa, de cuyas vanguardias bebió para erigirse en aventajado representante del grupo El Paso, 'un oasis de informalismo en el páramo de la posguerra española'. A modo de legado, aseveró: 'Yo soy el hombre que, gracias a su obra, está hecho de una sola pieza. Pero también lleno de dudas'.
Este libro quiere ser una pequeña historia cotidiana de Sant Joan de les Abadesses, a través de imágenes de la vida del pueblo a lo largo de todo un año. La combinación de lo viejo con lo nuevo y la asimilación de unas tradiciones hacen de Sant Joan de les Abadesses una ciudad con identidad propia y un sello único.Las fotografías de Xavier Pladellorens son flashes vitales, pequeñas instantáneas de momentos de sus habitantes. Cada fotografía tiene un sabor propio y nos descubre un matiz que hasta ahora no nos habíamos detenido a admirar.
A lo largo de su trayectoria Lluís LLongueras ha experimentado con diferentes dedicaciones artísticas, pero es sobre todo la escultura el ámbito en el que se muestra más sólido e insistente.Este libro de Francesc Miralles tiene el doble valor de ponernos al alcance el sentido de su producción escultórica y de ilustrarnos sobre la esfera como elemento vinculado al arte, la cultura, la historia, la ciencia y el pensamiento.
Crítica en acto recoge un conjunto de intervenciones y textos críticos sobre arte y artistas españoles contemporáneos. El propósito del libro es doble: 1) Por un lado, se trata de llamar la atención sobre la necesidad del juicio crítico, elaborado con argumentación y con presupuestos teóricos sólidos, como uno de los componentes fundamentales del universo moderno del arte. El libro incide en la escasez y falta de desarrollo de la crítica de arte en España y su progresiva sustitución por textos meramente descriptivos, por crónicas, que no llegan a establecer el necesario diálogo teórico y de comunicación con las obras y los artistas y con los públicos. Se pretende subrayar también algo que habitualmente no se suele tener en cuenta: la debilidad de la disciplina en España es, junto a otros, uno de los factores que explican la falta de visibilidad internacional del arte español contemporáneo. 2) Es necesario destacar, por otro lado, que el libro no pretende ser una visión orgánica o pretendidamente completa del arte español contemporáneo. Es, al contrario, una reunión de intervenciones críticas que responden a distintas motivaciones. Pero, con su carácter parcial, permitirá conocer algunas de las figuras más relevantes del arte de nuestro tiempo y algunas de las tendencias más dinámicas del mismo en España. Y, con ello, contribuir a su mejor visibilidad, tanto nacional como internacional.
Los estudios convencionales sobre el románico catalán no hacen justicia a la esencia de este arte. Por esta razón Diether Rudloff junto junto con la valoración artística de las obras, nos ofrece un estudio absolutamente nuevo sobre los valores y la esencia del románico en Cataluña. Su visión se orienta hacia un goetheanismo cognitivo moderno, matizado por las ideas de Rudolf Steiner, que entiende las diferentes etapas históricas de la conciencia humana como expresión de la metamorfosis de una conciencia espiritual permanente. Entre las diversas tipologías analizadas destacan los monasterios, con sus magníficos claustros (Sant Fruitós, Elna, La catedral de Girona, Ripoll, L Estany, Santes Creus), pero también la escultura, los códices y las pinturas murales, como las de Sant Climent de Taull o las de Sta. Maria d Esterri d Aneu, que en la actualidad se encuentran en gran parte en los museos de Barcelona y de Vic.
Tanto como profesor como pintor Wassily Kandinsky (1869-1944) jugó un papel determinante en el desarrollo del arte moderno . Influido profundamente por la música Kandinsky pintó sus primeras composiciones abstractas durante su período en Bavaria (1906-1914), y su intensivo uso del color y de la forma ha influido tanto a sus contemporáneos como a las generaciones posteriores. Max bill que prologa esta monografía, fue estudiante en la Bauhaus en los años veinte, y editor de la primera colección de escritos de Kandinsky y la profesora Carola Giedion-Welcker ha escrito uno de los más esenciales ensayos sobre el artista.
La influencia de Marcel Duchamp 1887-1968 figura central en el arte del siglo XX, ha sido crucial para el desarrollo del Surrealismo y el Arte Conceptual.. Hermano del artista Raymond Duchamp Villon y hermanastro del pintor Jacques Villon, Duchamp empezó
NUEVO FORMATO. Aldous Huxley, uno de los intelectuales más osados de nuestro tiempo, recoge en este libro dos artículos acerca de las drogas alucinógenas y su influencia en diversas manifestaciones artísticas, de la pintura a la literatura. A través de la documentación disponible en los años cincuenta y del testimonio de médicos y científicos que habían experimentado con las drogas, Huxley relata la historia del peyotl, su consideración social en las viejas culturas americanas y narra sus propias experiencias con alucinógenos. Una obra fundamental en el debate sobre las drogas.
Esta nueva colección de guías de bolsillo trilingües, que comprende una exhaustiva documentación actualizada, abarca desde los volúmenes dedicados a museos, fundaciones y salas de exposición hasta las esculturas destinadas a los espacios públicos, pasando por el aclamado volumen en torno a la arquitectura contemporánea (1979-2010). Barcelona, Guía de Arquitectura Moderna 1929-1979 es una aproximación a un período muy complejo de la historia reciente de Barcelona. La primera década analiza la época más heroica del Movimiento Moderno, incluidas la Exposición Internacional de 1929, con el célebre Pabellón de Alemania concebido por Mies van der Rohe, y la experiencia del GATCPAC, un grupo de jóvenes arquitectos encabezados por Josep Lluís Sert. La dictadura franquista supuso en un primer momento la vuelta al estancamiento clasicista y, más tarde, una apertura formal favorecida por el desarrollo económico y los movimientos demográficos.
Después del fin del arte recoge las ?Mellone Lectures in the Fine Arts? pronunciadas por Arthur C. Danto en el año 1995. En alguno de sus textos, Arthur Danto ya había situado el fin del arte exactamente en los años sesenta. Sin embargo, y a pesar de esta afirmación radical, ha continuado efectuando una crítica radical de la naturaleza del arte en nuestro tiempo. Después del fin del arte presenta la primera reformulación a gran escala de esa intuición de Danto y muestra cómo, tras el eclipse del expresionismo abstracto, el arte se ha desviado irrevocablemente del curso narrativo que Vassari definió para él en el Renacimiento, de modo que lo que debe hacerse es señalar el camino hacia un nuevo tipo de crítica que resulte capaz de ayudarnos a entender el arte en esta era posthistórica: un tiempo en el que, por ejemplo, las teorías tradicionales no pueden explicar la diferencia entre una obra de Andy Warhol y el producto comercial en el que se inspira. Se trata, pues, de plasmar una serie de consideraciones, tan rigurosas como amenas, sobre los más relevantes temas estéticos y filosóficos con respecto al arte que, a su vez, reflejan a la perfección el pensamiento de uno de los observadores más atentos de la escena estética actual. En este libro, pues, se reúnen, entre otras muchas cosas, el pop, el «arte del pueblo», el futuro de los museos y la contribución teórica de un hombre como Clement Greenberg que hace ya mucho tiempo explicó el sentido de la modernidad sobre una base crítica fundamentada en la estética para esbozar una nueva historia del arte que va desde la tradición mimética (la idea de que el arte es una fiel representación de la realidad) hasta los manifiestos de la época moderna (en los que el arte se define como la filosofía del artista). La conclusión es que ya no es posible aplicar las nociones tradicionales de la estética al arte contemporáneo, sino que hay que centrarse en una filosofía de la crítica de arte que pueda arrojar luz con la que quizá sea la característica más sorprendente del arte contemporáneo: que todo es posible.
Eileen Gray (1878-1976) es considerada una de las diseñadoras de muebles y arquitectas más relevantes de la primera mitad del siglo XX. Su trabajo inspiró a multitud de creadores del modernismo y el art déco. Se hizo un lugar en un ambiente mayoritariamente masculino, primero como artista de la laca, después diseñando muebles y, finalmente, como arquitecta. A lo largo de su trayectoria permaneció alejada de los movimientos y corrientes arquitectónicas de la época, como el De Stijl, constituido en Holanda, o la organización Congrès Internationaux d?Architecture Moderne, fundada en Suiza, que formalizó los principios arquitectónicos del movimiento moderno. Sus diseños resultaban tan distintos y novedosos como su forma de trabajar mediante la cual incorporó el trabajo de la laca con lujo en el estilo internacional. Algunos de los diseñadores adscritos a este movimiento, como Le Corbusier, Charlotte Perriand y Mies van der Rohe, admiraron su trabajo y compartieron muchos de sus ideales.La silla Bibendum, donde la piel voluptuosa se combina con una estructura de acero tubular, y la mesa carretilla E.1027, realizada mediante una combinación elegante de vidrio y acero, son ahora iconos del estilo internacional. Si se traduce al hombre individual con sus deseos, sus pasiones y sus gustos, se traducirá lo mejor de la vida social y el orden colectivo. El arte está fundado en la costumbre, pero no en la costumbre fugaz o, más bien, artificial que crea la moda. Lo que hace falta es dar al objeto la forma que mejor convenga al gesto espontáneo o al reflejo instintivo que por su destino le corresponde. EILEEN GRAY
la exposición geografía física y humana, comisariada por estrella de diego, presenta un recorrido por la obra de la artista brasileña anna bella geiger (río de janeiro, 1933), una figura imprescindible en la historia del arte conceptual brasileño y en el
Martín Chirino se consideraba 'un estoico apasionado', convencido de que 'sin pasión no hay vida', y 'un solitario errante y cosmopolita', con el exclusivo límite al nomadismo perpetuo -Canarias, Nueva York, París, Madrid...- del taller, ubicuo y casi portátil, que 'es, tal vez, mi único y verdadero hogar'. Martín Chirino. La memoria esculpida. Conversaciones con Antonio Puente es la biografía artística e intelectual, y sobre todo humana, de uno de los artistas españoles contemporáneos con mayor proyección internacional. Por espacio de tres años, se sucedieron las conversaciones entre el escultor Martín Chirino y el escritor y periodista Antonio Puente, tanto en su residencia canaria como en su casa madrileña de Morata de Tajuña. Desde el privilegio de la lúcida longevidad, Chirino desgrana aquí la evolución de su pensamiento sobre la vida en general y el arte en particular; un valioso testimonio cruzado que, a partir de su origen insular, tan determinante en su obra, se extiende a tres continentes: África, clave en la primera etapa de su formación; América, donde residió -a orillas del río Hudson, en Nueva York-, y Europa, de cuyas vanguardias bebió para erigirse en aventajado representante del grupo El Paso, 'un oasis de informalismo en el páramo de la posguerra española'. A modo de legado, aseveró: 'Yo soy el hombre que, gracias a su obra, está hecho de una sola pieza. Pero también lleno de dudas'.
Este libro quiere ser una pequeña historia cotidiana de Sant Joan de les Abadesses, a través de imágenes de la vida del pueblo a lo largo de todo un año. La combinación de lo viejo con lo nuevo y la asimilación de unas tradiciones hacen de Sant Joan de les Abadesses una ciudad con identidad propia y un sello único.Las fotografías de Xavier Pladellorens son flashes vitales, pequeñas instantáneas de momentos de sus habitantes. Cada fotografía tiene un sabor propio y nos descubre un matiz que hasta ahora no nos habíamos detenido a admirar.
A lo largo de su trayectoria Lluís LLongueras ha experimentado con diferentes dedicaciones artísticas, pero es sobre todo la escultura el ámbito en el que se muestra más sólido e insistente.Este libro de Francesc Miralles tiene el doble valor de ponernos al alcance el sentido de su producción escultórica y de ilustrarnos sobre la esfera como elemento vinculado al arte, la cultura, la historia, la ciencia y el pensamiento.
Crítica en acto recoge un conjunto de intervenciones y textos críticos sobre arte y artistas españoles contemporáneos. El propósito del libro es doble: 1) Por un lado, se trata de llamar la atención sobre la necesidad del juicio crítico, elaborado con argumentación y con presupuestos teóricos sólidos, como uno de los componentes fundamentales del universo moderno del arte. El libro incide en la escasez y falta de desarrollo de la crítica de arte en España y su progresiva sustitución por textos meramente descriptivos, por crónicas, que no llegan a establecer el necesario diálogo teórico y de comunicación con las obras y los artistas y con los públicos. Se pretende subrayar también algo que habitualmente no se suele tener en cuenta: la debilidad de la disciplina en España es, junto a otros, uno de los factores que explican la falta de visibilidad internacional del arte español contemporáneo. 2) Es necesario destacar, por otro lado, que el libro no pretende ser una visión orgánica o pretendidamente completa del arte español contemporáneo. Es, al contrario, una reunión de intervenciones críticas que responden a distintas motivaciones. Pero, con su carácter parcial, permitirá conocer algunas de las figuras más relevantes del arte de nuestro tiempo y algunas de las tendencias más dinámicas del mismo en España. Y, con ello, contribuir a su mejor visibilidad, tanto nacional como internacional.
Los estudios convencionales sobre el románico catalán no hacen justicia a la esencia de este arte. Por esta razón Diether Rudloff junto junto con la valoración artística de las obras, nos ofrece un estudio absolutamente nuevo sobre los valores y la esencia del románico en Cataluña. Su visión se orienta hacia un goetheanismo cognitivo moderno, matizado por las ideas de Rudolf Steiner, que entiende las diferentes etapas históricas de la conciencia humana como expresión de la metamorfosis de una conciencia espiritual permanente. Entre las diversas tipologías analizadas destacan los monasterios, con sus magníficos claustros (Sant Fruitós, Elna, La catedral de Girona, Ripoll, L Estany, Santes Creus), pero también la escultura, los códices y las pinturas murales, como las de Sant Climent de Taull o las de Sta. Maria d Esterri d Aneu, que en la actualidad se encuentran en gran parte en los museos de Barcelona y de Vic.
Tanto como profesor como pintor Wassily Kandinsky (1869-1944) jugó un papel determinante en el desarrollo del arte moderno . Influido profundamente por la música Kandinsky pintó sus primeras composiciones abstractas durante su período en Bavaria (1906-1914), y su intensivo uso del color y de la forma ha influido tanto a sus contemporáneos como a las generaciones posteriores. Max bill que prologa esta monografía, fue estudiante en la Bauhaus en los años veinte, y editor de la primera colección de escritos de Kandinsky y la profesora Carola Giedion-Welcker ha escrito uno de los más esenciales ensayos sobre el artista.
La influencia de Marcel Duchamp 1887-1968 figura central en el arte del siglo XX, ha sido crucial para el desarrollo del Surrealismo y el Arte Conceptual.. Hermano del artista Raymond Duchamp Villon y hermanastro del pintor Jacques Villon, Duchamp empezó
NUEVO FORMATO. Aldous Huxley, uno de los intelectuales más osados de nuestro tiempo, recoge en este libro dos artículos acerca de las drogas alucinógenas y su influencia en diversas manifestaciones artísticas, de la pintura a la literatura. A través de la documentación disponible en los años cincuenta y del testimonio de médicos y científicos que habían experimentado con las drogas, Huxley relata la historia del peyotl, su consideración social en las viejas culturas americanas y narra sus propias experiencias con alucinógenos. Una obra fundamental en el debate sobre las drogas.
Esta nueva colección de guías de bolsillo trilingües, que comprende una exhaustiva documentación actualizada, abarca desde los volúmenes dedicados a museos, fundaciones y salas de exposición hasta las esculturas destinadas a los espacios públicos, pasando por el aclamado volumen en torno a la arquitectura contemporánea (1979-2010). Barcelona, Guía de Arquitectura Moderna 1929-1979 es una aproximación a un período muy complejo de la historia reciente de Barcelona. La primera década analiza la época más heroica del Movimiento Moderno, incluidas la Exposición Internacional de 1929, con el célebre Pabellón de Alemania concebido por Mies van der Rohe, y la experiencia del GATCPAC, un grupo de jóvenes arquitectos encabezados por Josep Lluís Sert. La dictadura franquista supuso en un primer momento la vuelta al estancamiento clasicista y, más tarde, una apertura formal favorecida por el desarrollo económico y los movimientos demográficos.
Después del fin del arte recoge las ?Mellone Lectures in the Fine Arts? pronunciadas por Arthur C. Danto en el año 1995. En alguno de sus textos, Arthur Danto ya había situado el fin del arte exactamente en los años sesenta. Sin embargo, y a pesar de esta afirmación radical, ha continuado efectuando una crítica radical de la naturaleza del arte en nuestro tiempo. Después del fin del arte presenta la primera reformulación a gran escala de esa intuición de Danto y muestra cómo, tras el eclipse del expresionismo abstracto, el arte se ha desviado irrevocablemente del curso narrativo que Vassari definió para él en el Renacimiento, de modo que lo que debe hacerse es señalar el camino hacia un nuevo tipo de crítica que resulte capaz de ayudarnos a entender el arte en esta era posthistórica: un tiempo en el que, por ejemplo, las teorías tradicionales no pueden explicar la diferencia entre una obra de Andy Warhol y el producto comercial en el que se inspira. Se trata, pues, de plasmar una serie de consideraciones, tan rigurosas como amenas, sobre los más relevantes temas estéticos y filosóficos con respecto al arte que, a su vez, reflejan a la perfección el pensamiento de uno de los observadores más atentos de la escena estética actual. En este libro, pues, se reúnen, entre otras muchas cosas, el pop, el «arte del pueblo», el futuro de los museos y la contribución teórica de un hombre como Clement Greenberg que hace ya mucho tiempo explicó el sentido de la modernidad sobre una base crítica fundamentada en la estética para esbozar una nueva historia del arte que va desde la tradición mimética (la idea de que el arte es una fiel representación de la realidad) hasta los manifiestos de la época moderna (en los que el arte se define como la filosofía del artista). La conclusión es que ya no es posible aplicar las nociones tradicionales de la estética al arte contemporáneo, sino que hay que centrarse en una filosofía de la crítica de arte que pueda arrojar luz con la que quizá sea la característica más sorprendente del arte contemporáneo: que todo es posible.
Eileen Gray (1878-1976) es considerada una de las diseñadoras de muebles y arquitectas más relevantes de la primera mitad del siglo XX. Su trabajo inspiró a multitud de creadores del modernismo y el art déco. Se hizo un lugar en un ambiente mayoritariamente masculino, primero como artista de la laca, después diseñando muebles y, finalmente, como arquitecta. A lo largo de su trayectoria permaneció alejada de los movimientos y corrientes arquitectónicas de la época, como el De Stijl, constituido en Holanda, o la organización Congrès Internationaux d?Architecture Moderne, fundada en Suiza, que formalizó los principios arquitectónicos del movimiento moderno. Sus diseños resultaban tan distintos y novedosos como su forma de trabajar mediante la cual incorporó el trabajo de la laca con lujo en el estilo internacional. Algunos de los diseñadores adscritos a este movimiento, como Le Corbusier, Charlotte Perriand y Mies van der Rohe, admiraron su trabajo y compartieron muchos de sus ideales.La silla Bibendum, donde la piel voluptuosa se combina con una estructura de acero tubular, y la mesa carretilla E.1027, realizada mediante una combinación elegante de vidrio y acero, son ahora iconos del estilo internacional. Si se traduce al hombre individual con sus deseos, sus pasiones y sus gustos, se traducirá lo mejor de la vida social y el orden colectivo. El arte está fundado en la costumbre, pero no en la costumbre fugaz o, más bien, artificial que crea la moda. Lo que hace falta es dar al objeto la forma que mejor convenga al gesto espontáneo o al reflejo instintivo que por su destino le corresponde. EILEEN GRAY