Cuando solo es un niño, su madre le dice: «Si te haces soldado, llegarás a general. Y si te haces cura, serás Papa.» Años más tarde, Picasso explicará: «Decidí ser pintor, y me convertí en Picasso.» Es decir, el artista por excelencia del siglo XX. Le basta un solo cuadro, Las señoritas de Aviñón, para revolucionar la pintura moderna. Será el gran maestro del cubismo, pero también pintará lienzos a favor de la paz. En estas páginas descubrirás estas y otras historias de un pintor que nunca dejó de ser joven.
Componer el plural es el sexto título de la colección Cuerpo de Letra, centrada en los estudios sobre la danza y el pensamiento contemporáneos. Este libro recoge ensayos, experimentos artísticos y sociales que nos invitan a entrenarnos en lo plural y a pensarnos como cuerpos políticos: desde el encuentro íntimo a propuestas multitudinarias, de la protesta a la fiesta, de prácticas asamblearias a una política del habitar, y que exploran cuestiones como las dinámicas, los ritmos, las afirmaciones, las manifestaciones, las articulaciones y las formas de constituirse del nosotros. Pero el libro mismo es también una especie de laboratorio para lo diverso, en el que cada uno de los ensayos de teoría política, de teoría de las artes escénicas y de reflexiones de artistas encuentra un espacio propio, conformando una pluralidad de perspectivas sobre un problema crucial: cómo pensar las transformaciones políticas actuales desde la idea de cuerpo colectivo. Victoria Pérez Royo es profesora de Estética y Teoría de las Artes en la Universidad de Zaragoza y co-directora del Máster en Práctica Escénica y Cultura Visual (UCLM, Museo Reina Sofía). Diego Agulló (Madrid, 1980) ha estudiado filosofía. En 2005 se trasladó a Berlin, donde inició su incursión en las artes escénicas. A partir de numerosas colaboraciones ha ido desarrollando ?en los márgenes del diletantismo y el profesionalismo? una práctica que se centra en los conceptos de cuerpo y evento.
Una historia artística del periodo gótico realizada por un gran especialista. El libro incluye los epígrafes siguientes: La visión gótica, Las condiciones de la creación, La búsqueda de un estilo, La explosión del arte gótico, El gótico de la invención y El gótico de los príncipes y de los burgueses. Las especiales características de la colección, la calidad científica del texto y la abundancia de la documentación gráfica ofrecida, que incluye multitud de ilustraciones en color y blanco y negro y un extenso apéndice de mas de cien páginas reservado al análisis en fichas (con plantas, alzados y secciones anejas) monumento por monumento, constituye en conjunto una obra imprescindible.
Este libro es una excelente síntesis del arte español, desde la Prehistoria hasta nuestros días. En todos los casos son estudios profundos y documentados de las distintas etapas artísticas, de los movimientos que las crearon, de los artistas y sus obras más destacadas, tanto de obras pictóricas como escultóricas, arquitectónicas y urbanísticas. Todos los autores son Catedráticos y profesores de las universidades españolas y de alguna de los Estados Unidos, los cuales han escrito un manual de arte fundamental y necesario, claro y de fácil manejo, con rigor histórico y acompañado de cerca de mil imágenes de las obras pictóricas, escultóricas, vistas de monumentos, catedrales, edificios, planos, mapas, plantas y alzados, y finalmente acompañado de un índice de lugares, artistas y obras con más de 5.000 voces.
Una fruta, una canasta, un reloj. Objetos simples representados en un grabado egipcio, un pasaje de Joyce o una pintura de Van Gogh. Este es el punto de partida de un ensayo que aborda la fascinación que muchos pintores han sentido por el bodegón y su influencia a lo largo de la historia del arte. En estas cuatro meditaciones, Davenport entrelaza historia del arte y crítica para analizar las funciones simbólicas del objeto en las múltiples forma de su representación. Y en esta presencia continuada aparece la figura del artista como un guía que dota de sentido a las caóticas expresiones del devenir cotidiano e indica a la sociedad las rutas de nuevos destinos.
En el disseny d'aquesta guia la imatge té un poder clau i obre, pel seu contingu t i el seu tractament, una línia de publicacions molt fàcil d'utilitzar per tote s les persones que vulguin disposar de claus d'interpretació i de comprensió de les obres del museu. S'hi destaquen de manera contundent algunes les obres que c onstitueixen les peces més emblemàtiques de les col·leccions d'art romànic. Així , el visitant que llegeixi aquesta guia tindrà a les seves mans una petita selec ció del millor patrimoni artístic de Catalunya.
Los ensayos sobre arte de Arthur C. Danto, a la vez elegantes y revolucionarios, son la mejor radiografía posible sobre el discurrir de las artes visuales en el mundo de hoy. Y en La madonna del futuro, Danto lleva al lector a la encrucijada en la que coinciden todos los vectores del arte contemporáneo: la pintura tradicional, el pop art, la mezcla de géneros y las instalaciones; las relaciones entre el arte y la filosofía; los especialistas que aterrizan en ese mundo bien provistos de teorías y los aficionados que sólo confían en su propia mirada... En sus comentarios, Danto se centra indistintamente en la obra de los maestros del pasado (Vermeer, Tiepolo), en los grandes pintores de la modernidad (Dalí, De Kooning, Kline, Rothko, Johns) y en los descendientes de Andy Warhol que aún dominan la escena neoyorquina. Si Nietzsche tituló uno de sus ensayos ?Cómo se filosofa a martillazos?, estos ensayos de Danto son una verdadera lección sobre cómo ejercer la crítica de arte con una pluma, es decir, con respeto y consideración no sólo hacia los artistas, sino también hacia la propia naturaleza del arte en general.
Guía completa de técnicas de pintura al óleo con orientaciones minuciosamente detalladas para su aplicación. Ofrece consejos prácticos sobre lienzos, madera y medios de pintura alentando al artista para que explore nuevas técnicas y posibilidades. Presenta una galería de pinturas de conocidos artistas que ilustran los estilos y técnicas individuales. Técnicas descritas: Trazo del pincel Frotado Texturas Empaste Correcciones Prepintado Alla prima Rascado Puntillismo Esgrafiado Húmedo sobre húmedo Con los dedos Graso sobre magro etc.
Antonio López is a realistit painter and, such as, aspires to create a faithful pictorical testimony of the world around him - the city in wich he lives, the intimate spaces and insifnificant objects of his personal envirement.
Pintor de obras monumentales en su primera época principalmente dedicadas a los salones y a las exposiciones nacionales, Joaquín Sorolla (Valencia, 1863- 1923) desarrolló muy pronto un estilo propio de pintura al aire libre que, sin tener conexiones estilísticas con la escuela de Barbizon, participaba de cada uno de sus postulados, lo que le convierte en el pintor impresionista español por antonomasia. Es a partir de 1900 cuando se entrega por completo a esta práctica, pintando paisajes, vistas de ciudades, estudios de la naturaleza, marinas y escenas de jardín y de playa, con una facilidad extraordinaria para la captación de los efectos de la luz. Joaquín Sorolla es, sin duda, una obra esencial y la más completa referencia bibliográfica sobre el artista valenciano, en la que se recoge, además del profundo ensayo de Blanca Pons-Sorolla, cerca de trescientas ilustraciones de sus obras más importantes.
Con una estructura clara año a año, los autores presentan más de un centenar de artículos que, centrados en un acontecimiento crucial la creación de una obra seminal, la publicación de un texto importante o la inauguración de una exposición fundamental, por ejemplo contienen un gran volumen de información sobre el arte desde 1900 hasta nuestros días. Se exploran en profundidad todos los puntos de inflexión y los avances clave de la modernidad y la posmodernidad, sin olvidar las frecuentes reacciones modernas que proponían visiones alternativas del arte y del mundo. Cada uno de los autores ha escrito una introducción en la que se ocupa de las metodologías en boga en la historia del arte, informando y aumentando el grado de comprensión del lector en lo tocante a su práctica actual. La estructura flexible y las numerosas referencias cruzadas permiten que éste trace su propio camino a lo largo del siglo y siga cualquiera de las muchas narraciones que se despliegan en el libro, ya sea la historia de un medio como la pintura, el desarrollo del arte en un país determinado, la influencia de un movimiento como el Surrealismo o la aparición de un corpus estilístico o conceptual como la abstracción o el Minimalismo. El texto está ilustrado con más de seiscientas obras canónicas (y anticanónicas) del siglo, la mayoría en color. Recuadros con información sobre acontecimientos, lugares y personajes clave, así como un glosario y una amplia bibliografía, completan este excepcional volumen. Además de las introducciones a sus enfoques teóricos, los autores también han tomado parte en dos mesas redondas una situada a mediados de siglo, la otra al final del libro en las que se discuten algunas de las cuestiones planteadas por las décadas precedentes, al tiempo que dirigen su mirada al arte del futuro. Destinada a convertirse en la referencia sobre la materia, «Arte desde 1900» es una lectura esencial para cualquier persona que quiera comprender las complejidades del arte en el mundo contemporáneo.
Cuando solo es un niño, su madre le dice: «Si te haces soldado, llegarás a general. Y si te haces cura, serás Papa.» Años más tarde, Picasso explicará: «Decidí ser pintor, y me convertí en Picasso.» Es decir, el artista por excelencia del siglo XX. Le basta un solo cuadro, Las señoritas de Aviñón, para revolucionar la pintura moderna. Será el gran maestro del cubismo, pero también pintará lienzos a favor de la paz. En estas páginas descubrirás estas y otras historias de un pintor que nunca dejó de ser joven.
Componer el plural es el sexto título de la colección Cuerpo de Letra, centrada en los estudios sobre la danza y el pensamiento contemporáneos. Este libro recoge ensayos, experimentos artísticos y sociales que nos invitan a entrenarnos en lo plural y a pensarnos como cuerpos políticos: desde el encuentro íntimo a propuestas multitudinarias, de la protesta a la fiesta, de prácticas asamblearias a una política del habitar, y que exploran cuestiones como las dinámicas, los ritmos, las afirmaciones, las manifestaciones, las articulaciones y las formas de constituirse del nosotros. Pero el libro mismo es también una especie de laboratorio para lo diverso, en el que cada uno de los ensayos de teoría política, de teoría de las artes escénicas y de reflexiones de artistas encuentra un espacio propio, conformando una pluralidad de perspectivas sobre un problema crucial: cómo pensar las transformaciones políticas actuales desde la idea de cuerpo colectivo. Victoria Pérez Royo es profesora de Estética y Teoría de las Artes en la Universidad de Zaragoza y co-directora del Máster en Práctica Escénica y Cultura Visual (UCLM, Museo Reina Sofía). Diego Agulló (Madrid, 1980) ha estudiado filosofía. En 2005 se trasladó a Berlin, donde inició su incursión en las artes escénicas. A partir de numerosas colaboraciones ha ido desarrollando ?en los márgenes del diletantismo y el profesionalismo? una práctica que se centra en los conceptos de cuerpo y evento.
Una historia artística del periodo gótico realizada por un gran especialista. El libro incluye los epígrafes siguientes: La visión gótica, Las condiciones de la creación, La búsqueda de un estilo, La explosión del arte gótico, El gótico de la invención y El gótico de los príncipes y de los burgueses. Las especiales características de la colección, la calidad científica del texto y la abundancia de la documentación gráfica ofrecida, que incluye multitud de ilustraciones en color y blanco y negro y un extenso apéndice de mas de cien páginas reservado al análisis en fichas (con plantas, alzados y secciones anejas) monumento por monumento, constituye en conjunto una obra imprescindible.
Este libro es una excelente síntesis del arte español, desde la Prehistoria hasta nuestros días. En todos los casos son estudios profundos y documentados de las distintas etapas artísticas, de los movimientos que las crearon, de los artistas y sus obras más destacadas, tanto de obras pictóricas como escultóricas, arquitectónicas y urbanísticas. Todos los autores son Catedráticos y profesores de las universidades españolas y de alguna de los Estados Unidos, los cuales han escrito un manual de arte fundamental y necesario, claro y de fácil manejo, con rigor histórico y acompañado de cerca de mil imágenes de las obras pictóricas, escultóricas, vistas de monumentos, catedrales, edificios, planos, mapas, plantas y alzados, y finalmente acompañado de un índice de lugares, artistas y obras con más de 5.000 voces.
Una fruta, una canasta, un reloj. Objetos simples representados en un grabado egipcio, un pasaje de Joyce o una pintura de Van Gogh. Este es el punto de partida de un ensayo que aborda la fascinación que muchos pintores han sentido por el bodegón y su influencia a lo largo de la historia del arte. En estas cuatro meditaciones, Davenport entrelaza historia del arte y crítica para analizar las funciones simbólicas del objeto en las múltiples forma de su representación. Y en esta presencia continuada aparece la figura del artista como un guía que dota de sentido a las caóticas expresiones del devenir cotidiano e indica a la sociedad las rutas de nuevos destinos.
En el disseny d'aquesta guia la imatge té un poder clau i obre, pel seu contingu t i el seu tractament, una línia de publicacions molt fàcil d'utilitzar per tote s les persones que vulguin disposar de claus d'interpretació i de comprensió de les obres del museu. S'hi destaquen de manera contundent algunes les obres que c onstitueixen les peces més emblemàtiques de les col·leccions d'art romànic. Així , el visitant que llegeixi aquesta guia tindrà a les seves mans una petita selec ció del millor patrimoni artístic de Catalunya.
Los ensayos sobre arte de Arthur C. Danto, a la vez elegantes y revolucionarios, son la mejor radiografía posible sobre el discurrir de las artes visuales en el mundo de hoy. Y en La madonna del futuro, Danto lleva al lector a la encrucijada en la que coinciden todos los vectores del arte contemporáneo: la pintura tradicional, el pop art, la mezcla de géneros y las instalaciones; las relaciones entre el arte y la filosofía; los especialistas que aterrizan en ese mundo bien provistos de teorías y los aficionados que sólo confían en su propia mirada... En sus comentarios, Danto se centra indistintamente en la obra de los maestros del pasado (Vermeer, Tiepolo), en los grandes pintores de la modernidad (Dalí, De Kooning, Kline, Rothko, Johns) y en los descendientes de Andy Warhol que aún dominan la escena neoyorquina. Si Nietzsche tituló uno de sus ensayos ?Cómo se filosofa a martillazos?, estos ensayos de Danto son una verdadera lección sobre cómo ejercer la crítica de arte con una pluma, es decir, con respeto y consideración no sólo hacia los artistas, sino también hacia la propia naturaleza del arte en general.
Guía completa de técnicas de pintura al óleo con orientaciones minuciosamente detalladas para su aplicación. Ofrece consejos prácticos sobre lienzos, madera y medios de pintura alentando al artista para que explore nuevas técnicas y posibilidades. Presenta una galería de pinturas de conocidos artistas que ilustran los estilos y técnicas individuales. Técnicas descritas: Trazo del pincel Frotado Texturas Empaste Correcciones Prepintado Alla prima Rascado Puntillismo Esgrafiado Húmedo sobre húmedo Con los dedos Graso sobre magro etc.
Antonio López is a realistit painter and, such as, aspires to create a faithful pictorical testimony of the world around him - the city in wich he lives, the intimate spaces and insifnificant objects of his personal envirement.
Pintor de obras monumentales en su primera época principalmente dedicadas a los salones y a las exposiciones nacionales, Joaquín Sorolla (Valencia, 1863- 1923) desarrolló muy pronto un estilo propio de pintura al aire libre que, sin tener conexiones estilísticas con la escuela de Barbizon, participaba de cada uno de sus postulados, lo que le convierte en el pintor impresionista español por antonomasia. Es a partir de 1900 cuando se entrega por completo a esta práctica, pintando paisajes, vistas de ciudades, estudios de la naturaleza, marinas y escenas de jardín y de playa, con una facilidad extraordinaria para la captación de los efectos de la luz. Joaquín Sorolla es, sin duda, una obra esencial y la más completa referencia bibliográfica sobre el artista valenciano, en la que se recoge, además del profundo ensayo de Blanca Pons-Sorolla, cerca de trescientas ilustraciones de sus obras más importantes.
Con una estructura clara año a año, los autores presentan más de un centenar de artículos que, centrados en un acontecimiento crucial la creación de una obra seminal, la publicación de un texto importante o la inauguración de una exposición fundamental, por ejemplo contienen un gran volumen de información sobre el arte desde 1900 hasta nuestros días. Se exploran en profundidad todos los puntos de inflexión y los avances clave de la modernidad y la posmodernidad, sin olvidar las frecuentes reacciones modernas que proponían visiones alternativas del arte y del mundo. Cada uno de los autores ha escrito una introducción en la que se ocupa de las metodologías en boga en la historia del arte, informando y aumentando el grado de comprensión del lector en lo tocante a su práctica actual. La estructura flexible y las numerosas referencias cruzadas permiten que éste trace su propio camino a lo largo del siglo y siga cualquiera de las muchas narraciones que se despliegan en el libro, ya sea la historia de un medio como la pintura, el desarrollo del arte en un país determinado, la influencia de un movimiento como el Surrealismo o la aparición de un corpus estilístico o conceptual como la abstracción o el Minimalismo. El texto está ilustrado con más de seiscientas obras canónicas (y anticanónicas) del siglo, la mayoría en color. Recuadros con información sobre acontecimientos, lugares y personajes clave, así como un glosario y una amplia bibliografía, completan este excepcional volumen. Además de las introducciones a sus enfoques teóricos, los autores también han tomado parte en dos mesas redondas una situada a mediados de siglo, la otra al final del libro en las que se discuten algunas de las cuestiones planteadas por las décadas precedentes, al tiempo que dirigen su mirada al arte del futuro. Destinada a convertirse en la referencia sobre la materia, «Arte desde 1900» es una lectura esencial para cualquier persona que quiera comprender las complejidades del arte en el mundo contemporáneo.
