Guía completa de técnicas para acuarela con orientaciones minuciosamente detalladas para su aplicación. Técnicas descritas: Reservas - Pincel seco - Pintura con esponja - Borrones - Tinta y aguada - Salpicado - Veladuras - Contornos -Reservas - Extracción de pintura - Colores opacos - Húmedo sobre seco - Reservas con cera - Degradados - Húmedo sobre húmedo - etc.
Como la de tantos otros grandes artistas del siglo, la obra de Antoni Tàpies ha sido objeto a lo largo de los últimos años de un pormenorizado estudio que ha establecido la definitiva catalogación de su obra completa. Prólogo de Jacques Dupin.
El libro de Educación plástica y visual para los alumnos primer ciclo ESO está adaptado a los contenidos curriculares que definen esta materia. La presentación de contenidos es amplia y está profusamente ilustrada. Se incluyen además actividades y ejercicios que, planteados en el desarrollo de las unidades, facilitan la adquisición de contenidos por parte de los alumnos. Las unidades terminan con dos apartados muy interesantes: Lenguajes y Taller. En el primero, se profundiza en el conocimiento de algunos aspectos menos usuales del lenguaje visual pero no por ello menos interesantes, y en el segundo, los alumnos aprenderán a utilizar distintas técnicas y materiales usados en la creación de imágenes.
La carpeta de ejercicios que complementa al libro de texto de Educación plástica y visual 3.º ESO, sigue la línea planteada por los autores para este material en primer ciclo, por tanto está diseñada para la aplicación correcta de los conceptos aprendidos en las diferentes unidades didácticas desarrolladas en el libro del alumno. En la línea del 'saber ver, saber hacer', el libro y la carpeta cubrirán ampliamente ambos objetivos. Gracias a la carpeta, el alumno no tiene que preocuparse de conseguir las láminas para realizar los ejercicios del curso, aspecto éste que entendemos que facilitará considerablemente el desarrollo del trabajo en el aula. En cada lámina aparecen impresos los enunciados correspondientes, y se indican los materiales necesarios y el proceso técnico a seguir. Las láminas se presentan en una carpeta que sirve para preservar, transportar y archivar los ejercicios.
El verdadero descubrimiento de lo que era y representaba la pintura de Diego Rodríguez de Silva Velázquez (1599-1660) fue ya obra del siglo XIX. Las colecciones pictóricas del patrimonio real pasaron a ser propiedad nacional y quedaron integradas en el Museo del Prado, fundado en 1819. Paralelamente, su obra fue redescubierta por Goya, sobre el cual iba a tener gran influencia, como más tarde la tuvo sobre Manet que le nombró «pintor de pintores» y el impresionismo en general. La trayectoria de Velázquez puede ser considerada como una constante investigación de la relación entre la pintura y la naturaleza, en la que la pincelada toma el papel principal. A medida que la desarrolló, logró un naturalismo físico y psicológico sin precedentes con pinceladas progresivamente más pronunciadas y más elegantes, consiguiendo efectos milagrosos de ilusión con una técnica condensada y asombrosa, basada más en la deducción que en la elaboración del detalle. La síntesis de la vida y la obra de Velázquez que el profesor Santiago Alcolea i Gil realiza en este libro ofrece al lector una amplia panorámica de uno de los creadores más señalados de la pintura universal.
Mark Rothko nació en 1903 en la Zona de Residencia habilitada para los judíos en el antiguo Imperio ruso y a los 10 años emigró a Estados Unidos. Será su decisión de convertirse en artista lo que marque una nueva fase en su vida. En apenas un par de décadas, Rothko dio forma a lo que iba a ser la marca distintiva de su obra. Siempre proclive al enfrentamiento con el establishment, el pintor consagró la última década de su vida a la ejecución de un proyecto transgresor: la capilla Rothko, situada en Houston (Texas). La fascinante biografía de Cohen-Solal relata la increíble historia de un joven inmigrante de Dvinsk que acabaría siendo uno de los agentes cruciales en la transformación del mundo del arte.
Investigación centrada en las primeras sociedades del Paleolítico que habitaron el Campo de Gibraltar, concretando el estudio en las sociedades que poblaron las cercanías del Río Palmores.
El objetivo principal de este trabajo es conocer a los individuos que formaron parte de las élites locales y que marcaron el devenir de la ciudad de Cádiz durante la Baja Edad Media. Se analizan sus relaciones familiares y las actividades que realizaron para conocer, así, a aquellos que fueron parte activa de la historia bajomedieval de la bahía gaditana.
Hasta la instalación de su pieza de luz-sólida de 1973 Line Describing a Cone en la exposición Into The Light de Chrissie Iles en el Whitney en el año 2001, Anthony McCall (Inglaterra, 1946) fue un artista del que se conocían dos o tres obras muy documentadas: su arte era inmediatamente reconocible, incluso canónica, pero rara vez se había experimentado de primera mano. Esta monografía, cuidadosamente diseñada y producida sobre el artista anglo-americano pretende poner al descubierto el imaginario que subyace a su trabajo, desde Landscape for Fire (1972) hasta la presentación de su última obra Coming About (2016). A lo largo de las imágenes y las palabras del artista, el libro reivindica la independencia de espíritu de McCall y nos ayuda a apreciar la riqueza y la complejidad de su trabajo. Además, el libro recoge, por primera vez, todos los proyectos públicos que el artista ha desarrollado en la última década.
Una fita essencial de lestètica Vassili Kandinski (1866-1944) és una figura imprescindible de la història de lart contemporani en qualitat de difusor i de promotor del primer moviment dart abstracte. Va ser membre de Der Blaue Reiter i de lescola de la Bauhaus, dos dels moviments creatius més importants i més reconeguts de lart modern. De lespiritual en lart és el seu text més conegut i més traduït (mai abans, però, al català), i és on lautor elabora i analitza la pràctica de labstracció no figurativa. Lobjectiu de Kandinski és que el lector desenvolupi la seva capacitat de captar allò que és espiritual en les coses materials i abstractes, amb un estil literari impecable que avança pels meandres de la filosofia i de la reflexió estètica amb claredat i amb uns referents sensorials i pictòrics accessibles: de fet, el gran poder comunicatiu del text és un dels trets que més ha contribuït a consolidar-lo com una influència indiscutible en la història de lart.
Pablo Picasso (1881-1973) es, sin duda, el artista más prolífico e influyente del recién clausurado siglo XX. Las diversas etapas que la crítica y los historiadores han querido ver en su dilatada trayectoria han ayudado más a la clasificación que al análisis y a la interpretación de su obra. Abandonando el uso tradicional de la materia como sujeto para obtener variedad y significado, Picasso la redujo gradualmente a un puñado de motivos estandarizados y usó un amplio abanico de diferentes estilos como principales medios para comunicar ideas y sentimientos. En definitiva, en Picasso, estilo es significado; su proteica y cambiante naturaleza encontró su expresión en la variedad estilística y en la constante experimentación. A largo de su extenso ensayo, Josep Palau Fabre va desgranando las claves de un periodo (1927-1939) y de un artista plenamente consciente de la complejidad de su tiempo y de la atemporalidad del verdadero arte: «Repetidamente se me pregunta acerca de la evolución de mi pintura. Para mí no hay pasado y futuro en el arte. Si una obra de arte no puede vivir siempre en el presente, no debe ser considerada como tal. El arte de los griegos, de los egipcios, de los grandes pintores que vivieron en otros tiempos, no es un arte del pasado, quizás está más vivo hoy de lo que estuvo nunca».
Este libro reúne algunas de las historias más perdurables de la humanidad, procedentes de todos los rincones de la Tierra. Al analizar los grandes temas mitológicos, el autor nos muestra cómo muchos de los orígenes y desarrollo de los mitos son compartidos por distintas culturas, y cómo la imaginación humana, en su máximo esplendor, ha ido expresándose y evolucionando a través del tiempo.
Guía completa de técnicas para acuarela con orientaciones minuciosamente detalladas para su aplicación. Técnicas descritas: Reservas - Pincel seco - Pintura con esponja - Borrones - Tinta y aguada - Salpicado - Veladuras - Contornos -Reservas - Extracción de pintura - Colores opacos - Húmedo sobre seco - Reservas con cera - Degradados - Húmedo sobre húmedo - etc.
Como la de tantos otros grandes artistas del siglo, la obra de Antoni Tàpies ha sido objeto a lo largo de los últimos años de un pormenorizado estudio que ha establecido la definitiva catalogación de su obra completa. Prólogo de Jacques Dupin.
El libro de Educación plástica y visual para los alumnos primer ciclo ESO está adaptado a los contenidos curriculares que definen esta materia. La presentación de contenidos es amplia y está profusamente ilustrada. Se incluyen además actividades y ejercicios que, planteados en el desarrollo de las unidades, facilitan la adquisición de contenidos por parte de los alumnos. Las unidades terminan con dos apartados muy interesantes: Lenguajes y Taller. En el primero, se profundiza en el conocimiento de algunos aspectos menos usuales del lenguaje visual pero no por ello menos interesantes, y en el segundo, los alumnos aprenderán a utilizar distintas técnicas y materiales usados en la creación de imágenes.
La carpeta de ejercicios que complementa al libro de texto de Educación plástica y visual 3.º ESO, sigue la línea planteada por los autores para este material en primer ciclo, por tanto está diseñada para la aplicación correcta de los conceptos aprendidos en las diferentes unidades didácticas desarrolladas en el libro del alumno. En la línea del 'saber ver, saber hacer', el libro y la carpeta cubrirán ampliamente ambos objetivos. Gracias a la carpeta, el alumno no tiene que preocuparse de conseguir las láminas para realizar los ejercicios del curso, aspecto éste que entendemos que facilitará considerablemente el desarrollo del trabajo en el aula. En cada lámina aparecen impresos los enunciados correspondientes, y se indican los materiales necesarios y el proceso técnico a seguir. Las láminas se presentan en una carpeta que sirve para preservar, transportar y archivar los ejercicios.
El verdadero descubrimiento de lo que era y representaba la pintura de Diego Rodríguez de Silva Velázquez (1599-1660) fue ya obra del siglo XIX. Las colecciones pictóricas del patrimonio real pasaron a ser propiedad nacional y quedaron integradas en el Museo del Prado, fundado en 1819. Paralelamente, su obra fue redescubierta por Goya, sobre el cual iba a tener gran influencia, como más tarde la tuvo sobre Manet que le nombró «pintor de pintores» y el impresionismo en general. La trayectoria de Velázquez puede ser considerada como una constante investigación de la relación entre la pintura y la naturaleza, en la que la pincelada toma el papel principal. A medida que la desarrolló, logró un naturalismo físico y psicológico sin precedentes con pinceladas progresivamente más pronunciadas y más elegantes, consiguiendo efectos milagrosos de ilusión con una técnica condensada y asombrosa, basada más en la deducción que en la elaboración del detalle. La síntesis de la vida y la obra de Velázquez que el profesor Santiago Alcolea i Gil realiza en este libro ofrece al lector una amplia panorámica de uno de los creadores más señalados de la pintura universal.
Mark Rothko nació en 1903 en la Zona de Residencia habilitada para los judíos en el antiguo Imperio ruso y a los 10 años emigró a Estados Unidos. Será su decisión de convertirse en artista lo que marque una nueva fase en su vida. En apenas un par de décadas, Rothko dio forma a lo que iba a ser la marca distintiva de su obra. Siempre proclive al enfrentamiento con el establishment, el pintor consagró la última década de su vida a la ejecución de un proyecto transgresor: la capilla Rothko, situada en Houston (Texas). La fascinante biografía de Cohen-Solal relata la increíble historia de un joven inmigrante de Dvinsk que acabaría siendo uno de los agentes cruciales en la transformación del mundo del arte.
Investigación centrada en las primeras sociedades del Paleolítico que habitaron el Campo de Gibraltar, concretando el estudio en las sociedades que poblaron las cercanías del Río Palmores.
El objetivo principal de este trabajo es conocer a los individuos que formaron parte de las élites locales y que marcaron el devenir de la ciudad de Cádiz durante la Baja Edad Media. Se analizan sus relaciones familiares y las actividades que realizaron para conocer, así, a aquellos que fueron parte activa de la historia bajomedieval de la bahía gaditana.
Hasta la instalación de su pieza de luz-sólida de 1973 Line Describing a Cone en la exposición Into The Light de Chrissie Iles en el Whitney en el año 2001, Anthony McCall (Inglaterra, 1946) fue un artista del que se conocían dos o tres obras muy documentadas: su arte era inmediatamente reconocible, incluso canónica, pero rara vez se había experimentado de primera mano. Esta monografía, cuidadosamente diseñada y producida sobre el artista anglo-americano pretende poner al descubierto el imaginario que subyace a su trabajo, desde Landscape for Fire (1972) hasta la presentación de su última obra Coming About (2016). A lo largo de las imágenes y las palabras del artista, el libro reivindica la independencia de espíritu de McCall y nos ayuda a apreciar la riqueza y la complejidad de su trabajo. Además, el libro recoge, por primera vez, todos los proyectos públicos que el artista ha desarrollado en la última década.
Una fita essencial de lestètica Vassili Kandinski (1866-1944) és una figura imprescindible de la història de lart contemporani en qualitat de difusor i de promotor del primer moviment dart abstracte. Va ser membre de Der Blaue Reiter i de lescola de la Bauhaus, dos dels moviments creatius més importants i més reconeguts de lart modern. De lespiritual en lart és el seu text més conegut i més traduït (mai abans, però, al català), i és on lautor elabora i analitza la pràctica de labstracció no figurativa. Lobjectiu de Kandinski és que el lector desenvolupi la seva capacitat de captar allò que és espiritual en les coses materials i abstractes, amb un estil literari impecable que avança pels meandres de la filosofia i de la reflexió estètica amb claredat i amb uns referents sensorials i pictòrics accessibles: de fet, el gran poder comunicatiu del text és un dels trets que més ha contribuït a consolidar-lo com una influència indiscutible en la història de lart.
Pablo Picasso (1881-1973) es, sin duda, el artista más prolífico e influyente del recién clausurado siglo XX. Las diversas etapas que la crítica y los historiadores han querido ver en su dilatada trayectoria han ayudado más a la clasificación que al análisis y a la interpretación de su obra. Abandonando el uso tradicional de la materia como sujeto para obtener variedad y significado, Picasso la redujo gradualmente a un puñado de motivos estandarizados y usó un amplio abanico de diferentes estilos como principales medios para comunicar ideas y sentimientos. En definitiva, en Picasso, estilo es significado; su proteica y cambiante naturaleza encontró su expresión en la variedad estilística y en la constante experimentación. A largo de su extenso ensayo, Josep Palau Fabre va desgranando las claves de un periodo (1927-1939) y de un artista plenamente consciente de la complejidad de su tiempo y de la atemporalidad del verdadero arte: «Repetidamente se me pregunta acerca de la evolución de mi pintura. Para mí no hay pasado y futuro en el arte. Si una obra de arte no puede vivir siempre en el presente, no debe ser considerada como tal. El arte de los griegos, de los egipcios, de los grandes pintores que vivieron en otros tiempos, no es un arte del pasado, quizás está más vivo hoy de lo que estuvo nunca».
Este libro reúne algunas de las historias más perdurables de la humanidad, procedentes de todos los rincones de la Tierra. Al analizar los grandes temas mitológicos, el autor nos muestra cómo muchos de los orígenes y desarrollo de los mitos son compartidos por distintas culturas, y cómo la imaginación humana, en su máximo esplendor, ha ido expresándose y evolucionando a través del tiempo.