Como jóvenes miembros del CIAM y socios fundadores del Team 10, Alison y Peter Smithson participaron activamente en el debate sobre el futuro curso de la arquitectura moderna a la vez que, con sus polémicas y proyectos, sentaban los cimientos del New Brutalism y el movimiento pop art de los años sesenta. Su fama de contestatarios ensombreció la labor de fondo que acompañaba a la filosofía y la práctica arquitectónica de Alison y Peter Smithson: sus diseños de casas y la preocupación por la «habitabilidad». Pese a ser grandes admiradores de Le Corbusier, rechazaban su idea de la vivienda como una «máquina para vivir». Los Smithson consideraban la casa un lugar especial que debía adecuarse a su emplazamiento, satisfacer los requisitos comunes de la vida y tener en cuenta las pautas de uso personales de sus habitantes. Este libro examina la evolución de sus aproximaciones al cotidiano «arte de la habitación».Y lo hace documentando extensamente la mayor parte de sus diseños de viviendas unifamiliares, especialmente la optimista Casa del Futuro de 1956 y la serie de renovaciones y adiciones que aplicaron a la «Hexenhaus», su casa de cuento alemana, a partir de finales de la década de los ochenta.
El presente cuaderno propone al joven lector un recorrido por la obra de algunos de los artistas más destacados del siglo XX (de Nolde a Rauschenberg, pasando por Mondrian, Ernst o Pollock), con el objeto de que conozcan y aprendan a distinguir las principales técnicas empleadas en sus obras. Estas informaciones se acompañan de diversas actividades que le ayudarán a fijar y comprender mejor lo aprendido previamente. El texto se completa con un glosario y una bibliografía.
El presente cuaderno propone al joven lector un recorrido por la obra de algunos de los pintores más destacados de la época barroca (de Ribera a Tiepolo pasando por Rubens, Rembrandt o Chardin), con el objeto de que conozcan y aprendan a distinguir las principales técnicas empleadas en sus pinturas. Estas informaciones se acompañan de diversas actividades que le ayudarán a fijar y comprender mejor lo aprendido previamente. El texto se completa con un glosario y una bibliografía que incluye películas y enlaces a internet.
El presente cuaderno propone al joven lector un recorrido por la obra de algunos de los artistas más destacados de finales de la Edad Media y el Renacimiento (de Jan van Eyck al Greco, pasando por Andrea della Robbia o Tiziano), con el objeto de que conozcan y aprendan a distinguir las principales técnicas empleadas en sus obras. Estas informaciones se acompañan de diversas actividades que le ayudarán a fijar y comprender mejor lo aprendido previamente. El texto se completa con un glosario y una bibliografía.
El libro realiza una historia crítica de la Historia del arte contemporáneo a partir del final de la guerra mundial. El primer capítulo se centra en la historia del arte en los Estados Unidos, nuevo centro de las artes de vanguardia. El segundo se centra en los debates en torno al concepto de representación (con examen de la crítica y las prácticas artísticas existentes). Y el tercero analiza la historia del arte moderno en su generalización en todo el mundo (minimalismo, land art, arte conceptual, etc.).
Estudio de los movimientos artísticos entre 1900 y 1920 centrado especialmente en tres cuestiones: 1. El interés de los autores europeos por el arte primitivo y la aparición de colonias de artistas que se desplazan a trabajar en ambientes rurales en Francia y en Alemania. 2. El cubismo, interpretado desde un punto de vista semiótico. 3. La aparición del arte abstracto y los problemas que plantea la interpretación y evolución de este tipo de arte.
La teoría y la retórica, la legislación y la administración, la crítica de arte, las exposiciones y los museos, los monumentos, el arte militante... Etelibro es el primer estudio exhaustivo y documentado de un período que muchas veces se ha olvidado y, otras muchas, se ha analizado con un punto de vista ideológico. Precisamente por su intensa carga ideológica, el período 1936-1951 exigte una investigación rigurosa, que se atenga con exactitud a los datos, que dé cuenta de un panorama complejo y que fundamente todas y cada una de sus afirmaciones.
Medio siglo después de la derrota del Tercer Reich de Adolf Hitler, el arte oficial del régimen nacionalsocialista sigue siendo un misterio. Pocas personas han visto depués de 1945 las polémicas obras de este sombrío período ; muchas quedaron destruidas al final de la segunda guerra mundial y casi todas las que sobrevivieron permanecen ocultas y sólo historiadores y especialistas en arte tiene acceso a ellas.Con El arte del Tercer Reich, Peter Adam, que creció en Berlín bajo el nacionalsocialismo y trabajó más tarde varios años en Inglaterra como productor de documentales para la BBC, vuelve a Alemania para reconstruir la historia de las artes plásticas de un período crucial en nuestro siglo.Este libro analiza sus complejas ramificaciones, el encadenamiento de causas y efectos que desembocó en un estilo tradicionalista, vinculado a la naturaleza, a la familia y a los sentimientos patrióticos, y que llevó a la condena radical del arte de vanguardia, que el Tercer Reich asociaba a las grandes ciudades, al espíritu cosmopolita y a la decadencia de toda una civilización. La pintura, la escultura, la arquitectura, el cine y las demás artes se vieron obligadas a ser portavoces ideológicos del régimen, con objeto de adaptar colectivamente la mentalidad de los alemanes a los designios nazis. La arquitectura, según Hitler, era la expresión más contundente del poder político absoluto y fue esta idea la que abonó los fantásticos proyectos de reforma urbanística que concibió para Munich, Berlín, Nuremberg y muchas otras ciudades alemanas.Hitler fue además el perfeccionador de un arte apenas conocido hasta entonces : el arte de manipular los sentimientos de las masas, un arte que supo aplicar con astucia a las gigantescas manifestaciones oficiales y a grandes acontecimientos deportivos como los Juegos Olímpicos que se celebraron en Berlín en 1936. Uno de los principales cometidos del presente estudio es averiguar cómo se puso en práctica este arte en un escenario presidido por construcciones de inspiración colosalista.En el curso de sus investigaciones, Adam visitó los almacenes secretos de Estados Unidos y Alemania y tras consultar las publicaciones de la época, no siempre en buen estado, seleccionó las 321 ilustraciones de este libro, que es, hoy por hoy, la antología más representativa del arte bajo el nacionalsocialismo ; un arte que, según comienzan a admitir ya los estudiosos, es una fuente fundamental de información sobre un régimen tan violento como confuso y todavía rodeado de incógnitas.
Una selección de obras del pintor Paco Carvajal, con textos de Javier Montes, Ana Domínguez Siemens y Juan García Berdoy. Fotografías de las obras de Jonás Bel y de la casa del artista en Baltanás de Luis Asín. Edición a cargo de Marga Argüelles y This S
La imprenta en Sevilla. El impresor Enrique Rasco (1847-1910) es un ensayo sobre los inicios de la imprenta en Sevilla y los títulos producidos por este taller en las últimas décadas del siglo XIX y las primeras de la centuria siguiente. Fue publicado en 1956 por José Mª Gutiérrez Ballesteros, conde de Colombí, escritor, folclorista y coleccionista de rarezas bibliográficas, de quien Francisco Gil Pineda hace una semblanza en el prólogo de esta edición.
Nacido en Finlandia, Eero Saarinen (1910-1961) emigró a los Estados Unidos en 1923, cuando tenía 13 años. Creció en Bloomfield Hills, Michigan, donde estudió escultura y diseño de muebles. Allí estableció una estrecha relación con sus compañeros Charles y Ray Eames, y también se convirtió en un buen amigo de Florence Knoll (entonces Schust). Criticadoen su tiempo por no tener un estilo identificable, Saarinen desarrolló una notable producción, que dependía de colores, formas y materiales. Sus diseños parten de estructuras innovadores y formas esculturales sin dejar de lado las consideraciones pragmáticas. Algunos de sus proyectos, que pivotan libremente entreel estilo internacional y el expresionismo, utilizando un vocabulario de formas curvas y en voladizo, se convirtieron, a lo largo del siglo XX, en iconos del diseño de muebles. Cuando un interior está realmente logrado, las compensaciones por todo el esfuerzo son tremendas. La claridad y serenidad de un buen interior transmiten un sentimiento de firmeza totalmente maravilloso con el que afrontar nuestro confuso y complicado mundo. El hecho de conseguir esta atmósfera con la tecnología y las formas de nuestro propio tiempo añade más satisfacción. [?] Especialmente en un mundo de estandarización tanto de objetos como de personas, esta expresión clara y coherente de la propia individualidad es una meta ineludible. Eero Saarinen
Como la de tantos otros grandes artistas del siglo, la obra de Antoni Tàpies ha sido objeto a lo largo de los últimos años de un pormenorizado estudio que ha establecido la definitiva catalogación de su obra completa. De dicho catálogo raisonné, realizado bajo la dirección de Anna Agustí y con un estudio cronológico de Miquel Tàpies, se presenta el volumen VIII, que comprende las obras creadas entre los años 1998 y 2004.
Paul Gauguin (1848-1903) es uno de los artistas más importantes de finales del siglo XIX cuya obra influyó profundamente en el desarrollo del arte del siglo XX. Comenzó como impresionista, contribuyendo con excepcionales piezas en cinco de las ocho exposiciones que el movimiento organizó entre 1879 y 1886. En su constante búsqueda de la originalidad prístina y la naturaleza no adulterada, su obra evolucionó hacia un estilo de máxima expresividad a través del color.David Sweetman y John Richardson sus principales biógrafos- resaltan que las retrospectivas póstumas de Gauguin realizadas en el Salón de Otoño en París en 1903 y la de mayor envergadura acontecida en 1906, fueron un revulsivo para la vanguardia francesa y en particular para Picasso. Él siempre admitió la influencia de Gauguin en su interés por el primitivismo, nos recuerda Richardson.Esta concisa monografía recoge las obras más importantes de Paul Gauguin, no sólo sus paisajes de Tahití, donde el artista intentaba reconstruir la vida idílica inexistente en la realidad, sino también un conjunto de obras imprescindibles que reflejan la proximidad del artista a otros maestros de la modernidad como Van Gogh y Cézanne.
¿Cuál es la relación entre el cine y el espectador? Esta es la pregunta clave de la teoría del cine y también en la que se centran Thomas Elsaesser y Malte Hagener en su profundo y cautivador libro. Todos los tipos de cine (y todas las teorías del cine) empiezan imaginando a un espectador ideal y, a partir de ahí, plantean determinadas interacciones dinámicas entre la pantalla y la mente, el cuerpo y los sentidos del espectador. Utilizando siete configuraciones de la interacción entre espectador y pantalla, que se mueven progresivamente de las relaciones externas a las internas, los autores pasan revista a los hitos más importantes de la teoría del cine desde sus inicios y hasta la actualidad. Abarcan desde las teorías neorrealistas y modernas hasta las psicoanalíticas, las del aparato, las fenomenológicas y las cognitivistas y llegan a las más recientes, que tienen muy en cuenta aportaciones de la filosofía y la neurología.
Como jóvenes miembros del CIAM y socios fundadores del Team 10, Alison y Peter Smithson participaron activamente en el debate sobre el futuro curso de la arquitectura moderna a la vez que, con sus polémicas y proyectos, sentaban los cimientos del New Brutalism y el movimiento pop art de los años sesenta. Su fama de contestatarios ensombreció la labor de fondo que acompañaba a la filosofía y la práctica arquitectónica de Alison y Peter Smithson: sus diseños de casas y la preocupación por la «habitabilidad». Pese a ser grandes admiradores de Le Corbusier, rechazaban su idea de la vivienda como una «máquina para vivir». Los Smithson consideraban la casa un lugar especial que debía adecuarse a su emplazamiento, satisfacer los requisitos comunes de la vida y tener en cuenta las pautas de uso personales de sus habitantes. Este libro examina la evolución de sus aproximaciones al cotidiano «arte de la habitación».Y lo hace documentando extensamente la mayor parte de sus diseños de viviendas unifamiliares, especialmente la optimista Casa del Futuro de 1956 y la serie de renovaciones y adiciones que aplicaron a la «Hexenhaus», su casa de cuento alemana, a partir de finales de la década de los ochenta.
El presente cuaderno propone al joven lector un recorrido por la obra de algunos de los artistas más destacados del siglo XX (de Nolde a Rauschenberg, pasando por Mondrian, Ernst o Pollock), con el objeto de que conozcan y aprendan a distinguir las principales técnicas empleadas en sus obras. Estas informaciones se acompañan de diversas actividades que le ayudarán a fijar y comprender mejor lo aprendido previamente. El texto se completa con un glosario y una bibliografía.
El presente cuaderno propone al joven lector un recorrido por la obra de algunos de los pintores más destacados de la época barroca (de Ribera a Tiepolo pasando por Rubens, Rembrandt o Chardin), con el objeto de que conozcan y aprendan a distinguir las principales técnicas empleadas en sus pinturas. Estas informaciones se acompañan de diversas actividades que le ayudarán a fijar y comprender mejor lo aprendido previamente. El texto se completa con un glosario y una bibliografía que incluye películas y enlaces a internet.
El presente cuaderno propone al joven lector un recorrido por la obra de algunos de los artistas más destacados de finales de la Edad Media y el Renacimiento (de Jan van Eyck al Greco, pasando por Andrea della Robbia o Tiziano), con el objeto de que conozcan y aprendan a distinguir las principales técnicas empleadas en sus obras. Estas informaciones se acompañan de diversas actividades que le ayudarán a fijar y comprender mejor lo aprendido previamente. El texto se completa con un glosario y una bibliografía.
El libro realiza una historia crítica de la Historia del arte contemporáneo a partir del final de la guerra mundial. El primer capítulo se centra en la historia del arte en los Estados Unidos, nuevo centro de las artes de vanguardia. El segundo se centra en los debates en torno al concepto de representación (con examen de la crítica y las prácticas artísticas existentes). Y el tercero analiza la historia del arte moderno en su generalización en todo el mundo (minimalismo, land art, arte conceptual, etc.).
Estudio de los movimientos artísticos entre 1900 y 1920 centrado especialmente en tres cuestiones: 1. El interés de los autores europeos por el arte primitivo y la aparición de colonias de artistas que se desplazan a trabajar en ambientes rurales en Francia y en Alemania. 2. El cubismo, interpretado desde un punto de vista semiótico. 3. La aparición del arte abstracto y los problemas que plantea la interpretación y evolución de este tipo de arte.
La teoría y la retórica, la legislación y la administración, la crítica de arte, las exposiciones y los museos, los monumentos, el arte militante... Etelibro es el primer estudio exhaustivo y documentado de un período que muchas veces se ha olvidado y, otras muchas, se ha analizado con un punto de vista ideológico. Precisamente por su intensa carga ideológica, el período 1936-1951 exigte una investigación rigurosa, que se atenga con exactitud a los datos, que dé cuenta de un panorama complejo y que fundamente todas y cada una de sus afirmaciones.
Medio siglo después de la derrota del Tercer Reich de Adolf Hitler, el arte oficial del régimen nacionalsocialista sigue siendo un misterio. Pocas personas han visto depués de 1945 las polémicas obras de este sombrío período ; muchas quedaron destruidas al final de la segunda guerra mundial y casi todas las que sobrevivieron permanecen ocultas y sólo historiadores y especialistas en arte tiene acceso a ellas.Con El arte del Tercer Reich, Peter Adam, que creció en Berlín bajo el nacionalsocialismo y trabajó más tarde varios años en Inglaterra como productor de documentales para la BBC, vuelve a Alemania para reconstruir la historia de las artes plásticas de un período crucial en nuestro siglo.Este libro analiza sus complejas ramificaciones, el encadenamiento de causas y efectos que desembocó en un estilo tradicionalista, vinculado a la naturaleza, a la familia y a los sentimientos patrióticos, y que llevó a la condena radical del arte de vanguardia, que el Tercer Reich asociaba a las grandes ciudades, al espíritu cosmopolita y a la decadencia de toda una civilización. La pintura, la escultura, la arquitectura, el cine y las demás artes se vieron obligadas a ser portavoces ideológicos del régimen, con objeto de adaptar colectivamente la mentalidad de los alemanes a los designios nazis. La arquitectura, según Hitler, era la expresión más contundente del poder político absoluto y fue esta idea la que abonó los fantásticos proyectos de reforma urbanística que concibió para Munich, Berlín, Nuremberg y muchas otras ciudades alemanas.Hitler fue además el perfeccionador de un arte apenas conocido hasta entonces : el arte de manipular los sentimientos de las masas, un arte que supo aplicar con astucia a las gigantescas manifestaciones oficiales y a grandes acontecimientos deportivos como los Juegos Olímpicos que se celebraron en Berlín en 1936. Uno de los principales cometidos del presente estudio es averiguar cómo se puso en práctica este arte en un escenario presidido por construcciones de inspiración colosalista.En el curso de sus investigaciones, Adam visitó los almacenes secretos de Estados Unidos y Alemania y tras consultar las publicaciones de la época, no siempre en buen estado, seleccionó las 321 ilustraciones de este libro, que es, hoy por hoy, la antología más representativa del arte bajo el nacionalsocialismo ; un arte que, según comienzan a admitir ya los estudiosos, es una fuente fundamental de información sobre un régimen tan violento como confuso y todavía rodeado de incógnitas.
Una selección de obras del pintor Paco Carvajal, con textos de Javier Montes, Ana Domínguez Siemens y Juan García Berdoy. Fotografías de las obras de Jonás Bel y de la casa del artista en Baltanás de Luis Asín. Edición a cargo de Marga Argüelles y This S
La imprenta en Sevilla. El impresor Enrique Rasco (1847-1910) es un ensayo sobre los inicios de la imprenta en Sevilla y los títulos producidos por este taller en las últimas décadas del siglo XIX y las primeras de la centuria siguiente. Fue publicado en 1956 por José Mª Gutiérrez Ballesteros, conde de Colombí, escritor, folclorista y coleccionista de rarezas bibliográficas, de quien Francisco Gil Pineda hace una semblanza en el prólogo de esta edición.
Nacido en Finlandia, Eero Saarinen (1910-1961) emigró a los Estados Unidos en 1923, cuando tenía 13 años. Creció en Bloomfield Hills, Michigan, donde estudió escultura y diseño de muebles. Allí estableció una estrecha relación con sus compañeros Charles y Ray Eames, y también se convirtió en un buen amigo de Florence Knoll (entonces Schust). Criticadoen su tiempo por no tener un estilo identificable, Saarinen desarrolló una notable producción, que dependía de colores, formas y materiales. Sus diseños parten de estructuras innovadores y formas esculturales sin dejar de lado las consideraciones pragmáticas. Algunos de sus proyectos, que pivotan libremente entreel estilo internacional y el expresionismo, utilizando un vocabulario de formas curvas y en voladizo, se convirtieron, a lo largo del siglo XX, en iconos del diseño de muebles. Cuando un interior está realmente logrado, las compensaciones por todo el esfuerzo son tremendas. La claridad y serenidad de un buen interior transmiten un sentimiento de firmeza totalmente maravilloso con el que afrontar nuestro confuso y complicado mundo. El hecho de conseguir esta atmósfera con la tecnología y las formas de nuestro propio tiempo añade más satisfacción. [?] Especialmente en un mundo de estandarización tanto de objetos como de personas, esta expresión clara y coherente de la propia individualidad es una meta ineludible. Eero Saarinen
Como la de tantos otros grandes artistas del siglo, la obra de Antoni Tàpies ha sido objeto a lo largo de los últimos años de un pormenorizado estudio que ha establecido la definitiva catalogación de su obra completa. De dicho catálogo raisonné, realizado bajo la dirección de Anna Agustí y con un estudio cronológico de Miquel Tàpies, se presenta el volumen VIII, que comprende las obras creadas entre los años 1998 y 2004.
Paul Gauguin (1848-1903) es uno de los artistas más importantes de finales del siglo XIX cuya obra influyó profundamente en el desarrollo del arte del siglo XX. Comenzó como impresionista, contribuyendo con excepcionales piezas en cinco de las ocho exposiciones que el movimiento organizó entre 1879 y 1886. En su constante búsqueda de la originalidad prístina y la naturaleza no adulterada, su obra evolucionó hacia un estilo de máxima expresividad a través del color.David Sweetman y John Richardson sus principales biógrafos- resaltan que las retrospectivas póstumas de Gauguin realizadas en el Salón de Otoño en París en 1903 y la de mayor envergadura acontecida en 1906, fueron un revulsivo para la vanguardia francesa y en particular para Picasso. Él siempre admitió la influencia de Gauguin en su interés por el primitivismo, nos recuerda Richardson.Esta concisa monografía recoge las obras más importantes de Paul Gauguin, no sólo sus paisajes de Tahití, donde el artista intentaba reconstruir la vida idílica inexistente en la realidad, sino también un conjunto de obras imprescindibles que reflejan la proximidad del artista a otros maestros de la modernidad como Van Gogh y Cézanne.
¿Cuál es la relación entre el cine y el espectador? Esta es la pregunta clave de la teoría del cine y también en la que se centran Thomas Elsaesser y Malte Hagener en su profundo y cautivador libro. Todos los tipos de cine (y todas las teorías del cine) empiezan imaginando a un espectador ideal y, a partir de ahí, plantean determinadas interacciones dinámicas entre la pantalla y la mente, el cuerpo y los sentidos del espectador. Utilizando siete configuraciones de la interacción entre espectador y pantalla, que se mueven progresivamente de las relaciones externas a las internas, los autores pasan revista a los hitos más importantes de la teoría del cine desde sus inicios y hasta la actualidad. Abarcan desde las teorías neorrealistas y modernas hasta las psicoanalíticas, las del aparato, las fenomenológicas y las cognitivistas y llegan a las más recientes, que tienen muy en cuenta aportaciones de la filosofía y la neurología.