La obra única de Villard de Honnecourt consiste en un cuaderno de sesenta y seis láminas cuyo manuscrito aquí reproducido se conserva en la Biblioteca Nacional francesa. Memoria de un arquitecto itinerante, colección de dibujos de un destacado artista, libro de notas de un espíritu inventivo y típico de su tiempo, el conjunto constituye una obra inclasificable y excepcional. Y ello en un momento, a principios del siglo XIII, en el que Europa conoce una explosión arquitectónica sin precedentes que ve nacer entre otras las catedrales de Meaux, Chartres, Reims, Cambrai o Laon. Inmerso, pues, en esa actividad, el autor ha concebido su Cuaderno como manual de enseñanza en el que nos muestra los procedimientos técnicos utilizados, además de dejarnos testimonio de su genio inventor. La edición del Cuaderno se acompaña de cuatro estudios monográficos. Así, la medievalista Régine Pernoud estudia al autor situándolo en su tiempo: Alain Elande-Brademburg analiza el arte de Villard; Jean Gimpel hace lo propio con la maquinaria, y Rolando Bechmann con los dibujos técnicos referidos a procedimientos constructivos.
Manfred Gnädinger llegó a Camelle en 1961; tenía 25 años. Junto al mar y a lo largo de cuatro décadas, construyó su jardín-museo ensamblando piedras y huesos, reutilizando los restos que depositaba la marea, moldeando la naturaleza e incluso experimentando una transformación personal que forjó su icónica figura de solitario anacoreta. Este libro de Carmen Hermo -artífice del proyecto MAN (Mar, Arte y Naturaleza) y comisaria de la exposición permanente en la Casa del Alemán- es un homenaje a ese hombre culto, auténtico y vital, a su singular legado artístico.
En esta publicación, tres reconocidas autoridades en el estudio de la vida y la obra de Picasso realizan un profundo estudio sobre la trayectoria artística y el itinerario personal de uno de los grandes genios del siglo XX. El libro consta de doce capítulos agrupados en tres períodos: en el primero, 1881-1916, Brigitte Léal describe y analiza la vida y la obra de Picasso desde sus primeras experiencias y sus años de formación hasta su traslado a París, en 1901, donde iniciaría su trayectoria cubista. En el segundo período, 1917-1952, Christine Piot continúa con la narración y el análisis de la producción del artista, a la vez que describe los acontecimientos que ejercieron mayor influencia en su constante proceso de evolución. Finalmente, el tercer período, entre 1953 y 1973, es descrito por Marie-Laure Bernadac según los mismos parámetros.
Ya desde una fecha tan temprana como 1961, los situacionistas disciernen los primeros signos del vasto movimiento de contestación total que algunos años después iba a sobrecoger a las sociedades industriales más desarrolladas. Tras décadas de humanismo e ilustración pseudo-revolucionarios, los situacionistas serían los primeros en situar la causa de la revolución social única y exclusivamente en la experiencia vivida, en la dimensión concreta de la vida. Si la revolución tiene alguna posibilidad, ésta pasa por su relación con la vida cotidiana. La política debe dejar paso a una revolución permanente generalizada en todos los aspectos de la existencia: las viejas nociones de pobreza y riqueza, fundamentadas exclusivamente en el proceso económico, deberán sustituirse por un concepto nuevo que haga referencia a la plenitud y a la satisfacción del deseo. Las energías de la nueva revolución provienen del rechazo del aburrimiento y de la insignificancia en que la inmensa mayoría de la gente se ve obligada a vivir. La historia crítica de Mario Perniola, redactada en 1972, restaura la dimensión procesual y colectiva de la aventura situacionista, atendiendo sobre todo a los 12 números de la revista como su obra concreta principal y sin eludir los claroscuros y los problemas de la experiencia (sectarismo, organización, relación teoría-práctica, hiperfuturismo situacionista, etc.). Durante el largo mayo italiano (67-77), Perniola participa en varias aventuras del pensamiento crítico: las revistas Agaragar, Errata o LErba Voglio. Hoy es profesor de Estética en la Universidad Tor Vergata de Roma. Se han traducido varios de sus libros al castellano, entre los últimos La estética del siglo XX (A. Machado Libros, 2001), El arte y su sombra (Cátedra, 2002) y Contra la comunicación (Amorrortu, Buenos Aires, 2006).
Puesto que el pintor expresa sus esperanzas y deseos, su visión del hombre o la sociedad a través de un medio visual, la parte visual del cerebro es la que debe destilar las funciones atribuidas a las obras de arte, cualesquiera que sean. Al afrontar el problema del arte visual y la estética desde un punto de vista neurobiológico, es necesario plantear una definición amplia de las funciones del arte, definición que abarque todas, o al menos la mayoría, de las diferentes funciones que se atribuyen al arte. Creo que esta aproximación tendrá como resultado una definición de la función del arte muy similar a la función del cerebro: representar los elementos constantes, eternos y duraderos de objetos, superficies, rostros, situaciones, etc., y, por tanto, permitir que adquiramos conocimiento, no sólo del objeto concreto, del rostro o la condición representada en el lienzo, sino que también lo generalicemos a muchos otros objetos y, por tanto, adquiramos conocimiento de una amplia categoría de cosas, objetos o rostros.
"Naturaleza y razón en la estética del setecientos" es la traducción de "Stagioni e ragioni nell'estetica del settecento" (1967), una de las obras fundamentales de Assunto. En ella estudia la categoría de lo "sublime" como eje sobre el que gira el pensamiento estético del Siglo de las Luces, a partir del cual se configura el Romanticismo. Assunto analiza las teorías de Burke y Kant, el desarrollo de las estéticas inglesa y alemana, poniendo de relieve sus diferencias pero también sus numerosos puntos de contacto. Reconstruye así el horizonte de pensamiento en el que tiene su origen la modernidad.
Esta es una de las obras clásicas dedicada a la pintura y que fue redactada por Vicente Carducho. En esta ocasión se ofrece la segunda edición, fielmente copiada de la primera que se dio a la imprenta en 1633, en la que se reproducen en facsímil todas sus láminas.
Los lenguajes del arte de Nelson Goodman es una obra de referencia en el estudio del arte y la teoría de los símbolos. Nelson Goodman, uno de los padres del nominalismo contemporáneo, examina y compara en este volumen los tipos más importantes de símbolos y sistemas simbólicos, desde los propios del lenguaje natural hasta los que se emplean en la representación y la expresión pictóricas, así como en la notación musical. Goodman define los sistemas simbólicos estéticos en comparación con los demás sistemas simbólicos; una tarea semejante, en el ámbito artístico, a la que Russell y Wittgenstein llevaron a cabo en el terreno de la epistemología y el pensamiento científico.
En el presente libro se estudian los principales representantes y tendencias de la estética y la teoría del arte desde la Antigüedad hasta mediados del siglo XIX, considerado, con especial detenimiento, los planteamientos hechos desde la teoría del conocimiento, la filosofía y la crítica del arte y la literatura; puesto que ni la historia del arte ni la metacrítica de la crítica y la teoría del arte pueden renunciar a ellos. Consciente de la problemática inherente al estudio de un campo tan vasto como el de una «historia de la estética» que considere tanto el arte como la teoría del arte, Pochat evita caer en una descripción ingenua o demasiado simple de la «clarificación recíproca de las artes» y aborda cuestiones, teorías y fenómenos de la historia de la recepción artística que trascienden los límites de las distintas especializaciones. El texto viene acompañado de numerosos esquemas, ilustraciones, citas textuales y referencias cruzadas que hacen de ella una obra clave para especialistas y estudiantes, tanto de la historia del arte como de disciplinas emparentadas, así como para cualquier interesado en la esencia del arte.
La obra única de Villard de Honnecourt consiste en un cuaderno de sesenta y seis láminas cuyo manuscrito aquí reproducido se conserva en la Biblioteca Nacional francesa. Memoria de un arquitecto itinerante, colección de dibujos de un destacado artista, libro de notas de un espíritu inventivo y típico de su tiempo, el conjunto constituye una obra inclasificable y excepcional. Y ello en un momento, a principios del siglo XIII, en el que Europa conoce una explosión arquitectónica sin precedentes que ve nacer entre otras las catedrales de Meaux, Chartres, Reims, Cambrai o Laon. Inmerso, pues, en esa actividad, el autor ha concebido su Cuaderno como manual de enseñanza en el que nos muestra los procedimientos técnicos utilizados, además de dejarnos testimonio de su genio inventor. La edición del Cuaderno se acompaña de cuatro estudios monográficos. Así, la medievalista Régine Pernoud estudia al autor situándolo en su tiempo: Alain Elande-Brademburg analiza el arte de Villard; Jean Gimpel hace lo propio con la maquinaria, y Rolando Bechmann con los dibujos técnicos referidos a procedimientos constructivos.
Manfred Gnädinger llegó a Camelle en 1961; tenía 25 años. Junto al mar y a lo largo de cuatro décadas, construyó su jardín-museo ensamblando piedras y huesos, reutilizando los restos que depositaba la marea, moldeando la naturaleza e incluso experimentando una transformación personal que forjó su icónica figura de solitario anacoreta. Este libro de Carmen Hermo -artífice del proyecto MAN (Mar, Arte y Naturaleza) y comisaria de la exposición permanente en la Casa del Alemán- es un homenaje a ese hombre culto, auténtico y vital, a su singular legado artístico.
En esta publicación, tres reconocidas autoridades en el estudio de la vida y la obra de Picasso realizan un profundo estudio sobre la trayectoria artística y el itinerario personal de uno de los grandes genios del siglo XX. El libro consta de doce capítulos agrupados en tres períodos: en el primero, 1881-1916, Brigitte Léal describe y analiza la vida y la obra de Picasso desde sus primeras experiencias y sus años de formación hasta su traslado a París, en 1901, donde iniciaría su trayectoria cubista. En el segundo período, 1917-1952, Christine Piot continúa con la narración y el análisis de la producción del artista, a la vez que describe los acontecimientos que ejercieron mayor influencia en su constante proceso de evolución. Finalmente, el tercer período, entre 1953 y 1973, es descrito por Marie-Laure Bernadac según los mismos parámetros.
Ya desde una fecha tan temprana como 1961, los situacionistas disciernen los primeros signos del vasto movimiento de contestación total que algunos años después iba a sobrecoger a las sociedades industriales más desarrolladas. Tras décadas de humanismo e ilustración pseudo-revolucionarios, los situacionistas serían los primeros en situar la causa de la revolución social única y exclusivamente en la experiencia vivida, en la dimensión concreta de la vida. Si la revolución tiene alguna posibilidad, ésta pasa por su relación con la vida cotidiana. La política debe dejar paso a una revolución permanente generalizada en todos los aspectos de la existencia: las viejas nociones de pobreza y riqueza, fundamentadas exclusivamente en el proceso económico, deberán sustituirse por un concepto nuevo que haga referencia a la plenitud y a la satisfacción del deseo. Las energías de la nueva revolución provienen del rechazo del aburrimiento y de la insignificancia en que la inmensa mayoría de la gente se ve obligada a vivir. La historia crítica de Mario Perniola, redactada en 1972, restaura la dimensión procesual y colectiva de la aventura situacionista, atendiendo sobre todo a los 12 números de la revista como su obra concreta principal y sin eludir los claroscuros y los problemas de la experiencia (sectarismo, organización, relación teoría-práctica, hiperfuturismo situacionista, etc.). Durante el largo mayo italiano (67-77), Perniola participa en varias aventuras del pensamiento crítico: las revistas Agaragar, Errata o LErba Voglio. Hoy es profesor de Estética en la Universidad Tor Vergata de Roma. Se han traducido varios de sus libros al castellano, entre los últimos La estética del siglo XX (A. Machado Libros, 2001), El arte y su sombra (Cátedra, 2002) y Contra la comunicación (Amorrortu, Buenos Aires, 2006).
Puesto que el pintor expresa sus esperanzas y deseos, su visión del hombre o la sociedad a través de un medio visual, la parte visual del cerebro es la que debe destilar las funciones atribuidas a las obras de arte, cualesquiera que sean. Al afrontar el problema del arte visual y la estética desde un punto de vista neurobiológico, es necesario plantear una definición amplia de las funciones del arte, definición que abarque todas, o al menos la mayoría, de las diferentes funciones que se atribuyen al arte. Creo que esta aproximación tendrá como resultado una definición de la función del arte muy similar a la función del cerebro: representar los elementos constantes, eternos y duraderos de objetos, superficies, rostros, situaciones, etc., y, por tanto, permitir que adquiramos conocimiento, no sólo del objeto concreto, del rostro o la condición representada en el lienzo, sino que también lo generalicemos a muchos otros objetos y, por tanto, adquiramos conocimiento de una amplia categoría de cosas, objetos o rostros.
"Naturaleza y razón en la estética del setecientos" es la traducción de "Stagioni e ragioni nell'estetica del settecento" (1967), una de las obras fundamentales de Assunto. En ella estudia la categoría de lo "sublime" como eje sobre el que gira el pensamiento estético del Siglo de las Luces, a partir del cual se configura el Romanticismo. Assunto analiza las teorías de Burke y Kant, el desarrollo de las estéticas inglesa y alemana, poniendo de relieve sus diferencias pero también sus numerosos puntos de contacto. Reconstruye así el horizonte de pensamiento en el que tiene su origen la modernidad.
Esta es una de las obras clásicas dedicada a la pintura y que fue redactada por Vicente Carducho. En esta ocasión se ofrece la segunda edición, fielmente copiada de la primera que se dio a la imprenta en 1633, en la que se reproducen en facsímil todas sus láminas.
Los lenguajes del arte de Nelson Goodman es una obra de referencia en el estudio del arte y la teoría de los símbolos. Nelson Goodman, uno de los padres del nominalismo contemporáneo, examina y compara en este volumen los tipos más importantes de símbolos y sistemas simbólicos, desde los propios del lenguaje natural hasta los que se emplean en la representación y la expresión pictóricas, así como en la notación musical. Goodman define los sistemas simbólicos estéticos en comparación con los demás sistemas simbólicos; una tarea semejante, en el ámbito artístico, a la que Russell y Wittgenstein llevaron a cabo en el terreno de la epistemología y el pensamiento científico.
En el presente libro se estudian los principales representantes y tendencias de la estética y la teoría del arte desde la Antigüedad hasta mediados del siglo XIX, considerado, con especial detenimiento, los planteamientos hechos desde la teoría del conocimiento, la filosofía y la crítica del arte y la literatura; puesto que ni la historia del arte ni la metacrítica de la crítica y la teoría del arte pueden renunciar a ellos. Consciente de la problemática inherente al estudio de un campo tan vasto como el de una «historia de la estética» que considere tanto el arte como la teoría del arte, Pochat evita caer en una descripción ingenua o demasiado simple de la «clarificación recíproca de las artes» y aborda cuestiones, teorías y fenómenos de la historia de la recepción artística que trascienden los límites de las distintas especializaciones. El texto viene acompañado de numerosos esquemas, ilustraciones, citas textuales y referencias cruzadas que hacen de ella una obra clave para especialistas y estudiantes, tanto de la historia del arte como de disciplinas emparentadas, así como para cualquier interesado en la esencia del arte.