Ir al contenidoArtes: aspectos generales
This work has been selected by scholars as being culturally important and is part of the knowledge base of civilization as we know it.This work is in the public domain in the United States of America, and possibly other nations. Within the United States, you may freely copy and distribute this work, as no entity (individual or corporate) has a copyright on the body of the work.Scholars believe, and we concur, that this work is important enough to be preserved, reproduced, and made generally available to the public. To ensure a quality reading experience, this work has been proofread and republished using a format that seamlessly blends the original graphical elements with text in an easy-to-read typeface.We appreciate your support of the preservation process, and thank you for being an important part of keeping this knowledge alive and relevant.
London is famous for Big Ben, Paris for the Eiffel Tower and Rome for the Coliseum. Barcelona, on the other hand, is associated not with one or two buildings but with the creations of an entire movement, Modernisme, which straddled the nineteenth and twentieth centuries. This book, besides constituting a survey of the most significant buildings by Domènech i Montaner, Antoni Gaudí, Josep Maria Jujol and Puig i Cadafalch, is also a detailed analysis of the forms created by the most important craftsmen of the period, many of whom have been relegated for decades to absolute anonymity.
This work has been selected by scholars as being culturally important and is part of the knowledge base of civilization as we know it.This work is in the public domain in the United States of America, and possibly other nations. Within the United States, you may freely copy and distribute this work, as no entity (individual or corporate) has a copyright on the body of the work.Scholars believe, and we concur, that this work is important enough to be preserved, reproduced, and made generally available to the public. To ensure a quality reading experience, this work has been proofread and republished using a format that seamlessly blends the original graphical elements with text in an easy-to-read typeface.We appreciate your support of the preservation process, and thank you for being an important part of keeping this knowledge alive and relevant.
This book has 30 beautiful black and white illustrated pages. The illustrations show a wide variety of Flowers.?This book comes with a free PDF version. Details explaining how this book can be downloaded in a PDF format are contained inside this book.?Adult Coloring Book ? Flowers?Book Features? Soft bound One-sided pictures 30 black and white illustrations 8.5 inches by 11.0 inches Free PDF included (see inside of book for details) 200gms cover Paper suitable for pencils, pens, felt tips pens, and acrylic pens Makes an excellent gift for a loved one struggling with stress or anxiety An excellent way to relax and unwind.
La Fundación Joan Miró fue la primera institución pública abierta en Barcelona centrada exclusivamente en el arte contemporáneo. Joan Miró y Josep Lluís Sert quien la diseñó, miembro fundador de GATCPAC (un grupo líder en la introducción de la arquitectura moderna en Catalunya) se encontraron por primera vez en 1932 y enseguida se hicieron buenos amigos mientras trabajaban en el pabellón español (de la República) de la Exposición Universal de París de 1937. Tras la primera gran retrospectiva del trabajo de Joan Miró en Barcelona (1968), el artista decidió construir un edificio para hacer su obra accesible al público de manera permanente. Sert fue el encargado del proyecto, para lo que creó una estructura de plano abierto en la que el interior se comunica con el exterior, creando un equilibrio perfecto entre arquitectura y paisaje. A partir de estas fechas, la Fundación se amplió en dos ocasiones. El arquitecto encargado de ambas ampliaciones fue Jaume Freixa, discípulo de Sert, que había trabajado con su maestro durante once años en Harvard y que había desempeñado un papel activo en la creación de la Fundación.
Neglected for most of her career, Eileen Gray (1878-1976) is now regarded as one of the most important furniture designers and architects of the early twentieth century and the most influential woman in those fields. Her work inspired both modernism and Art Deco. Eileen Gray was to ?stand alone? throughout her career, first as a lacquer artist, then a furniture designer, and finally as an architect. At a time when other leading designers were almost all male and mostly members of one movement or another?whether a loose grouping like De Stijl in the Netherlands, or a formal one such as the Congrès Internationaux d?Architecture Moderne?she remained staunchly independent. Her design style was as distinctive as her way of working, and Gray developed an opulent, luxuriant take on the geometric forms and industrially produced materials used by the International Style designers, such as Le Corbusier, Charlotte Perriand and Mies van der Rohe, who shared many of her ideals. Her voluptuous leather and tubular steel Bibendum Chair and clinically chic E-1027 glass and tubular steel table are now icons of the International Style. If we adapt for individual man with his desires, his passions and tastes, then we will adapt the best of social life and the collective order. Art is based on customs, but not on the fleeting or, better-said, artificial customs created by fashion. What is needed is to give the object the form that best suits the spontaneous gesture or instinctive reflex that corresponds to it in view of its destiny. EILEEN GRAY
Nadie discute hoy que El jardín de las delicias, Las meninas, La ronda de noche, Los girasoles o Las señoritas de Aviñón son obras maestras de la pintura europea: se trata de cuadros universalmente conocidos, reproducidos hasta la saciedad y que han generado una verdadera avalancha de estudios especializados. Pero ¿por qué estas obras suscitan una estimación superior a la de muchas otras creaciones sobresalientes? La razón no es simple, y apunta tanto a los valores intrínsecos de esas piezas como a un conglomerado de factores externos de orden histórico, social y cultural. En el presente libro, un selecto grupo de expertos (integrado por Arthur Danto, el mayor teórico de arte en la actualidad, y una serie de reconocidos profesionales de los principales museos de Europa) ofrece las principales respuestas a esta compleja cuestión, desde perspectivas complementarias y con atención especial a los momentos cruciales en la forja de la noción de obra maestra (el Renacimiento italiano, la aparición del museo moderno a finales del siglo XVIII, las vanguardias contemporáneas), sin descuidar un análisis concreto, en el que explican los motivos que han convertido al Guernica en la obra maestra pictórica del siglo XX por antonomasia.
Centrado en el ámbito de la Corona de Aragón, este libro estudia la evolución, a partir de sus diversas formulaciones en la plástica gótica, de las concepciones acerca de la retribución de las acciones morales en el más allá. Se articula en torno a la representación visual de los mecanismos retributivos con que tanto en el plano de la escatología individual (juicio particular de las almas post mortem) como en el de la escatología universal (final de la Historia y el subsiguiente Juicio Final) el sistema judicial del más allá premia o castiga el comportamiento humano. En este marco cobra particular importancia el análisis de imaginería del infierno y el purgatorio que, como elementos sustanciales de ese sistema penal, son objeto de atención preferente. Todo ello en una perspectiva atenta a la interrelación de la imagen con los medios que, como el discurso teológico, las visiones del otro mundo o la homilética, contribuyeron decisivamente a forjar el imaginario medieval del más allá.